100 album hàng đầu của những năm 2010 năm 2022

Melon vừa công bố top 100 ca khúc nổi tiếng nhất lịch sử KPOP dựa trên đánh giá của giới phê bình âm nhạc và các nhân vật lãnh đạo trong ngành giải trí. Những cái tên gạo cội, nổi tiếng từ Gen 1 đến Gen 3 như S.E.S đến BTS hay BLACKPINK đều góp mặt trong bảng xếp hạng này. Hãy cùng BlogAnChoi điểm qua nhé!

Melon là dịch vụ đăng ký âm nhạc lớn nhất Hàn Quốc với hơn 28 triệu người dùng. Hơn nữa, Melon còn là bảng xếp hạng uy tín và khó đạt No.1 nhất đối với nghệ sĩ và idol KPOP.

Vừa qua, Melon đã lựa chọn ra 100 ca khúc nổi tiếng nhất lịch sử KPOP với sự tham gia đánh giá từ 35 nhà phê bình âm nhạc và quan chức trong ngành giải trí: 20 nhà phê bình âm nhạc (bao gồm nhà phê bình nổi tiếng Kim Youngdae), 8 chuyên gia trong show phát sóng âm nhạc và 7 quan chức hoạt động trong ngành giải trí.

Tất cả các bài hát đều được đánh giá dựa trên tính biểu tượng, mức độ nổi tiếng ở trong và ngoài nước, video ca nhạc, khả năng sáng tạo và trình diễn nghệ thuật. Có tổng cộng 1.120 bài hát là ứng viên, sau 5 tháng thẩm định thì cuối cùng 100 bài hát xuất sắc nhất đã được xướng tên trong danh sách.

Nào, hãy cùng BlogAnChoi điểm qua những tên tuổi nổi tiếng nhất nền giải trí xứ sở kim chi này nhé!

Hạng 100. “Trouble Maker” – Trouble Maker (2021)

“Trouble Maker” là ca khúc nằm trong album debut của Trouble Maker với hai thành viên HyunA và Hyungseung. Ca khúc này từng làm mưa làm gió trên các trang âm nhạc trực tuyến ở Hàn Quốc bởi sự thể hiện của “cặp đôi rắc rối” nhất KPOP.

Hạng 99. “Classroom Idea” – Seo Taiji and Boys (1994)

Là một trong những boy group tiên phong của làng giải trí xứ Hàn, không khó hiểu khi Seo Taiji & Boys góp mặt trong danh sách này với ca khúc “Classroom Idea”. Ca khúc “Classroom Idea” mạnh mẽ phê phán nền giáo dục đầy áp lực của Hàn Quốc. Tuy nhiên, bài hát này lại dính tranh cãi với âm thanh gầm gừ chết chóc, cùng những cáo buộc liên quan đến dị giáo, và từng bị các nhà đài cấm trong một khoảng thời gian dài.

Hạng 98. “Hug” – DBSK (TVXQ) (2004)

“Hug” là ca khúc nằm trong đĩa đơn đầu tay của nhóm nhạc pop Hàn Quốc DBSK (TVXQ). “Hug” lần đầu tiên được biểu diễn tại một buổi giới thiệu chung có sự góp mặt của người bạn cùng hãng BoA và ca sĩ người Mỹ Britney Spears vào ngày 26/12/2003.

Hạng 97. “Replay” – SHINee (2008)

“Replay” ra mắt vào ngày 23/5/2008 với tư cách là single đầu tiên đánh dấu sự xuất hiện của SHINee trên bản đồ Kpop. Ngay từ khi mới phát hành, ca khúc đã gặt hái rất nhiều thành tích lớn nhỏ cho SHINee và nhanh chóng được yêu thích rộng rãi không chỉ tại quê nhà mà còn ở khắp châu Á. Ca khúc đã trở thành một “hit” lớn, đặc biệt là với nhóm nữ giới trưởng thành vì câu thoại của nó, “Noona (chị gái), em thật xinh đẹp”.

Hạng 96. “Tell Me” – Jinusean (1997)

Jinusean là một bộ đôi hip hop Hàn Quốc đã ký hợp đồng với YG Entertainment, gồm 2 thành viên là Kim Jin-woo (biệt danh Jinu) và Noh Seung-hwan (biệt danh Sean). “Tell me” là sản phẩm đĩa đơn thứ 2 của họ (có sự tham gia của ca sĩ Uhm Jung-hwa) giúp bộ đôi hip hop này nổi tiếng nhanh chóng sau khi ra mắt vào năm 1997, trở thành bản hit đầu tiên của họ và đưa họ vươn tầm ngôi sao.

Hạng 95. “Fly” (Feat. Amin. J of Soulciety) – EPIK HIGH (2006)

Ca khúc “Fly” là bản hit đình đám của Epik High – nhóm nhạc được mệnh danh là “phù thủy ngôn từ”, nhóm được thành lập vào năm 2001 gồm bộ ba gương mặt vàng Tablo, Mithra Jin và DJ Tukutz. “Fly” cũng được sử dụng trong nhạc phim của trò chơi điện tử FIFA 07 và Pump It Up.

Hạng 94. “I Can Do” – NRG (1997)

“I Can Do” là ca khúc khá nổi tiếng của nhóm nhạc nam NRG gồm 5 thành viên ra mắt vào năm 1997.

Hạng 93. “Atlantis Princess” – BoA (2003)

“Atlantis Princess” là bản hit nằm trong album tiếng Hàn thứ ba của BoA phát hành năm 2003. Năm 2016, nữ ca sĩ Taeyeon (trưởng nhóm Girls’ Generation) đã remake lại ca khúc này dưới cái tên “I” cũng gây bão không kém trên các bảng xếp hạng nhạc số.

Hạng 92. “Shine” – PENTAGON (2018)

Là boygroup được thành lập năm 2016 bởi công ty Cube Entertainment, PENTAGON gồm 9 chàng trai được đào tạo bài bản trong chương trình PENTAGON Maker. Ca khúc chủ đề “Shine” nằm trong EP tiếng Hàn thứ 6 của nhóm đạt vị trí thứ 16 trên MelOn’s Real-time Chart.

Hạng 91. “Come Back Home” – Seo Taiji and Boys (1995)

“Come Back Home” nằm trong album thứ 4 lại tiếp tục gây tranh cãi, bị cấm vì chỉ trích chính phủ của boy group tiên phong. “Come Back Home” là một bước đột phá vào thể loại rap gangsta.

Hạng 90. “Cherry Blossom Ending” – Busker Busker (2012)

Được người dân xứ kim chi nhận xét là một trong những bài hát mùa xuân nhất định phải nghe, vậy nên không có gì lạ khi “Cherry Blossom Ending” lọt top trong danh sách này. Ra mắt tháng 3/2012, ca khúc này nằm trong album đầu tay của Busker Busker.

Hạng 89. “Cherry Bomb” – NCT 127 (2017)

“NCT #127 CHERRY BOMB” là mini album thứ 3 của NCT 127, được phát hành năm 2017 với “Cherry Bomb” là ca khúc chủ đề. Mặc dù vướng phải tranh cãi cấm sóng trên KBS, ca khúc vẫn thu về những tín hiệu khả quan như bán được 101.444 bản kể từ ngày phát hành, MV đã đạt được hơn 11 triệu view và đứng đầu trên iTunes của 11 quốc gia.

Hạng 88. “To my boyfriends” – Fin.K.L (1998)

“To My Boyfriend” là một bài hát của Fin.KL được phát hành dưới dạng đĩa đơn thứ hai trong album đầu tiên “Blue Rain”. Bài hát này đã chứng minh rằng Fin.KL thực sự xứng đáng với sự nổi tiếng của họ. “To My Boyfriend” trở thành bản “hit” đầu tiên trong vô số bản “hit” đầu năm 1998 của FIN.K.L.

Hạng 87. “Ring Ding Dong” – SHINee (2009)

“Ring Ding Dong” là bài hát nằm trong single album thứ 3 của nhóm nhạc nam Hàn Quốc SHINee vào năm 2009. Ca khúc này của SHINee thậm chí đã “bị cấm” trong thời gian diễn ra kỳ thi tuyển sinh đại học của Hàn Quốc, lý do là vì giai điệu và nhạc beat có khả năng “gây nghiện” khó cưỡng, khiến các học sinh khó tập trung.

Hạng 86. “Dreams Come True” – S.E.S (1998)

“Dreams Come True” nằm trong “Sea & Eugene & Shoo” – album phòng thu thứ 2 của S.E.S phát hành vào năm 1998 và bán được khoảng 680.000 bản.

Hạng 85. “Psycho” – Red Velvet (2019)

“Psycho” nằm trong album “The ReVe Festival: Finale” (2019) của một trong ba nhóm nhạc nữ Gen3 nổi tiếng nhất Hàn Quốc hiện nay – Red Velvet. Là một ca khúc R&B nói về một cặp đôi đang có mối quan hệ lãng mạn phức tạp, “Psycho” được các nhà phê bình âm nhạc nhận xét khá tích cực. Mặc dù được phát hành vào cuối năm 2019 nhưng “Psycho” được cho là một trong những bài hát KPOP hay nhất trong năm đó.

Hạng 84. “Ah-Choo” – Lovelyz (2015)

“Ah-Choo” là bài hát chủ đề của album “Lovelyz” đánh dấu sự trở lại của nhóm nhạc cùng tên trong năm 2015 với 8 thành viên. “Ah-Choo” mang giai điệu tươi trẻ, năng động của những thiếu nữ thanh xuân.

Hạng 83. “Um Oh Ah Yeh” – MAMAMOO (2015)

“Um Oh Ah Yeh” nằm trong album thứ 3 của nhóm nhạc nữ KPOP MAMAMOO. Đây là một bài hát dance R&B sôi động với các yếu tố synthpop từ những năm 1990. Lời bài hát kể về câu chuyện của một người phụ nữ yêu một người đàn ông, người mà hóa ra lại là một phụ nữ.

Hạng 82. “Through the Night” – IU (2017)

“Through the Night” là một bài hát của “em gái quốc dân” IU cho album phòng thu thứ tư “Palette” (2017). Bài hát thành công về mặt thương mại và phê bình ở Hàn Quốc, đứng đầu tất cả các trang web âm nhạc lớn. Tính đến tháng 4/2019, hơn hai năm sau khi phát hành, nó chưa một lần lọt khỏi top 100 bài hát của các bảng xếp hạng âm nhạc lớn tại xứ sở kim chi.

Hạng 81. “T.O.P (Twinkling of Paradise)” – Shinhwa (1999)

Shinhwa là boy band nổi tiếng đình đám KPOP thời điểm những năm 1999. Ca khúc “T.O.P (Twinkling of Paradise)” thành công rực rỡ và đại diện cho sự thành công của nhóm. Bên cạnh đó bài hát còn được chú ý nhờ sử dụng âm nhạc “Hồ thiên nga” của Tchaikovsky.

Hạng 80. “Very Nice” – SEVENTEEN (2016)

Album đầu tay đầy đủ của Seventeen “Love & Letter” đánh dấu sự thành công đầu tiên của nhóm ngay sau ra mắt. Trong đó, ca khúc “Very Nice” được biểu diễn ở tour diễn châu Á đầu tiên của Seventeen 2016 và nhận được rất nhiều sự ủng hộ từ phía khán giả.

Hạng 79. “I” – TAEYEON (feat. Verbal Jint) (2015)

”I” là bài hát nằm trong album debut của Taeyeon (trưởng nhóm SNSD). “I” là bài hát pop rock, sau khi phát hành đã được các nhà phê bình đánh giá tốt và dành lời khen cho Taeyeon về giọng hát cũng như phong cách âm nhạc.

Hạng 78. “Really Really” – WINNER (2017)

“Really Really” là bài hát gây tiếng vang nhất của Winner tính tới nay, thống trị các BXH âm nhạc Hàn Quốc và có mặt trong top đầu quốc tế. Với không khí tropical house rộn ràng, trẻ trung, “Really Really” là ca khúc lý tưởng để nghe vào mùa hè. Đặc biệt MV còn gây ấn tượng với người xem bởi chỉ sử dụng duy nhất hai sắc màu đen – trắng.

Hạng 77. “LOVE SCENARIO” – iKON (2018)

“Love Scenario” là một bài hát nằm trong album phòng thu thứ 2 của iKON. Ca khúc được mệnh danh là “hit” quốc dân ở Hàn Quốc do độ phủ sóng cực cao. Tuy là ca khúc có nội dung sâu sắc về tình yêu nhưng ngay cả các em nhỏ mẫu giáo cũng thuộc lòng và tích cực biểu diễn. Bài hát đã giành được giải “Bài hát của năm” tại Giải thưởng âm nhạc Melon 2018 và Giải thưởng đĩa vàng lần thứ 33 .

Hạng 76. “Bang!” – After School (2010)

“Bang!” là ca khúc chủ đề nằm trong đĩa đơn tiếng Hàn thứ ba của After School. After School bị tố là “đạo sĩ” sau khi vũ công – biên đạo múa Camillo Lauricella người Đức được thông báo rằng nhóm đã lấy một số động tác của cô để đưa vào MV “Bang!”. Tuy vậy không thể phủ nhận sự thành công của bài hát này đã giúp nhóm tăng độ phủ sóng.

Hạng 75. “Road” – G.O.D (2001)

G.O.D được mệnh danh là “nhóm nhạc quốc dân” của xứ sở kim chi. “Road” là bài hát chủ đề của nhóm trong album thứ tư “Chapter 4” phát hành năm 2001. Trong một cuộc thăm dò năm 2006 do Gallup Korea thực hiện, có hơn 1.500 người Hàn Quốc từ 13 tuổi trở lên đã liệt kê 5 bài hát yêu thích của họ và “Road” được xếp hạng 59 trong số 100 bài hát được nêu ra.

Hạng 74. “Boy With Luv” – BTS feat. Halsey (2019)

“Boy with Luv” là sản phẩm kết hợp của BTS với giọng ca nữ Halsey nổi tiếng của Mỹ trong album thứ 6 mang tên “Map of the Soul: Persona”. Sau khi ra mắt, ca khúc gây sốt không chỉ với K-Army mà còn gây tiếng vang lớn, được nhiều fan quốc tế biết đến. “Boy with Luv” hiện đang giữ kỷ lục là bài hát giành được nhiều chiến thắng nhất – 21 lần – trong các chương trình âm nhạc sau thập niên 2000 ở Hàn Quốc.

Hạng 73. “Anysong” – ZICO (2020)

“Any Song” là bài hát được thể hiện bởi rapper Hàn Quốc Zico trong album thứ ba của anh là “Random Box” (2020). “Any Song” rất thành công về mặt thương mại ở xứ sở kim chi, mới được tung ra đã chạm đỉnh Gaon Digital Chart và chiếm ngôi vị cao nhất trong 7 tuần không liên tục, trở thành ca khúc đứng số 1 lâu nhất trên bảng xếp hạng.

“Any Song” là bài hát thành công nhất nửa đầu năm 2020 tại Hàn Quốc và được Hiệp hội Nội dung Âm nhạc Hàn Quốc (KMCA) chứng nhận đĩa bạch kim tại quốc gia này.

Hạng 72. “It’s Raining” – Rain (2004)

“It’s Raining” là bài hit của giọng ca nam R&B – Rain. Sau khi lên sóng vào tháng 9/2004, nó đã nhận được phản hồi tích cực và mang hình ảnh hoàn toàn của mới của nam ca sĩ đến với cộng đồng fan hâm mộ yêu thích âm hưởng hip hop.

Hạng 71. “Alone” – SISTAR (2012)

“Alone” là một trong những ca khúc thành công nhất của nhóm nhạc nữ quyến rũ và sexy SISTAR. Ca khúc được phát hành vào năm 2012 và đạt vị trí thứ 3 trên Bảng xếp hạng album Gaon.

Hạng 70. “DNA” – BTS (2017)

Đây là ca khúc thứ 2 của BTS góp mặt trong danh sách này. “DNA” thuộc thể loại EDM và pop với ca từ nói về định mệnh và tình yêu từ cái nhìn đầu tiên. Bài hát nhận được đánh giá chung tích cực từ các chuyên gia về cách sản xuất, âm thanh và định hướng âm nhạc của BTS. “DNA” đã nhận được một số giải thưởng, bao gồm đề cử Bài hát của năm tại Giải thưởng Âm nhạc Hàn Quốc lần thứ 15 và Giải thưởng Âm nhạc Châu Á Mnet lần thứ 19 .

Hạng 69. “Butterfly” – LOONA (2019)

“Butterfly” là ca khúc chủ đề trong album [XX] của nhóm nhạc nữ Hàn Quốc Loona, được phát hành vào năm 2019. Billboard dành những lời khen có cánh dành cho ca khúc này bởi thông điệp ý nghĩa mà nó mang lại. Lời bài hát là những người phụ nữ mong muốn bay cao một cách tự do và vươn tới những giấc mơ của mình.

Hạng 68. “Brand New” – Shinhwa (2004)

“Brand New” là ca khúc chủ đề trong album phòng thu thứ bảy của nhóm nhạc nam Hàn Quốc Shinhwa do Cho Young-soo sáng tác, đã giành được Triple Crown, tức là vị trí đầu tiên trong ba tuần liên tiếp, trên chương trình âm nhạc trực tiếp M!.

Hạng 67. “Invitation” – Uhm Jung Hwa (1998)

Uhm Jung-hwa được mệnh danh là “biểu tượng sexy” của Hàn Quốc. Cô nổi tiếng với ca khúc “Invitation” nằm trong album phòng thu thứ tư được phát hành năm 1998.

Hạng 66. “Rough” – GFRIEND (2016)

“Rough” là bài hát của nhóm nhạc nữ Hàn Quốc GFriend cho album thứ ba là “Snowflake” (2016). Bài hát đã đứng ở vị trí thứ 3 trên Bảng xếp hạng kỹ thuật số Gaon cuối năm 2016 và là bài hát bán chạy nhất trong năm tại Hàn Quốc với 1.903.126 lượt tải xuống.

Hạng 65. “Energetic” – Wanna One (2017)

“Energetic” được sáng tác dành cho Wanna One – nhóm nhạc xuất phát từ show sống còn của Mnet. “Energetic” mang phong cách dance-pop pha chút ballad, bắt đầu với giai điệu piano êm dịu sau đó chuyển thành điệp khúc nhạc điện tử.

Hạng 64. “Roly-Poly” – T-Ara (2011)

“Roly-Poly” là một bài hát disco của nhóm nhạc nữ Hàn Quốc T-Ara được trích từ mini album thứ hai phát hành năm 2011. Ca khúc này là sản phẩm của Shinsadong Tiger và Choi Kyu Sung – cũng chính là tác giả làm nên bài hit của nhóm “Bo Peep Bo Peep”. “Roly Poly” xếp thứ 12 trong danh sách 20 video KPOP hay nhất theo Stereogum.

Hạng 63. “Catallena” – Orange Caramel (2014)

“Catallena” là bài hát chủ đề của album đĩa đơn tiếng Hàn thứ ba, và là đĩa đơn thứ sáu của Orange Caramel (nhóm nhỏ của After School). Ca khúc có phân đoạn “Jutti Meri, Oye Hoi Hoi! Paula Mera, Oye Hoi Hoi!” rất quan trọng, góp phần đưa bài hát trở nên nổi tiếng với khán giả.

Hạng 62. “How To Avoid The Sun” – Rain (2003)

“How to Avoid The Sun” là bài hát của nam ca sĩ Rain, phát hành dưới dạng single và lập tức đứng đầu các bảng xếp hạng. Có 2 phiên bản khác nhau của bài hát này được phát hành: một bản gốc và một bản phối radio, có thể coi là bản phối lại guitar. Lời bài hát mô tả cảm giác một tình yêu mạnh mẽ đến mức không thể thoát ra được.

Hạng 61. “Adult Ceremony” – Park Ji Yoon (2000)

“Adult Ceremony” hay còn có tên khác “Coming of Age Ceremony” là một trong 3 ca khúc nằm trong album “Coming of Age Ceremony” của giọng ca nhạc pop Park Ji Yoon. Có lẽ các bạn đã từng nghe qua một lần ca khúc này rồi, bởi chúng có giai điệu rất mới lạ, quyến rũ phổ biến và được dùng làm nhạc nền phát rộng rãi trên các nền tảng mạng xã hội.

Hạng 60. “Dalla Dalla” – ITZY (2019)

Nhóm nhạc nữ Gen4 nhà JYP debut với ca khúc “Dalla Dalla” kết hợp thể loại EDM, hip hop, electropop và house đã mang lại nhiều thành công lớn đối với một tân binh mới ra mắt. Trong đó nhóm nhấn mạnh chủ đề về cá tính và sự tự tin. “Dalla Dalla” đạt đỉnh ở vị trí thứ hai trên cả bảng xếp hạng kỹ thuật số và bảng xếp hạng Billboard’s KPOP Hot 100.

Hạng 59. “Please Look at Me” – Deux (1993)

Hai thành viên Deux Lee Hyun Do và Kim Sung-jae gặp nhau khi họ làm vũ công phụ trợ cho rapper Hàn Quốc Hyun Jin-young. Họ ra mắt vào năm 1993 với album “Deux”, trong đó có bài hát nổi tiếng “Please Look at Me”.

Hạng 58. “Warrior’s Descendant” – H.O.T (1996)

“Warrior’s Descendant” là ca khúc chủ đề trong album đầu tiên của nhóm nhạc nam đình đám H.O.T “We Hate All Kinds of Violence” ra mắt năm 1996.

Hạng 57. “Forever Love” – Fin.K.L (1999)

Fin.KL phát hành “White” năm 1999 với 2 bài hát nổi tiếng trong album này là “Forever Love” và “Pride”. Trong đó “Forever Love” là ca khúc ballad với giai điệu R&B chậm rãi.

Hạng 56. “TT” – Twice (2016)

“TT” được xem là một trong những bản hit lớn trong sự nghiệp âm nhạc của TWICE sau cơn sốt “Cheer up” và “Like Ooh-Ahh”. Đây là một bài hát nhạc pop có ảnh hưởng nặng bởi nhạc điện tử và beat snare ổn định.

“TT” là một trong những ca khúc đạt thứ hạng cao nhất trong năm 2016, 4 tuần liền giữ ngôi đầu bảng xếp hạng của Gaon. Đặc biệt, “TT” còn giúp TWICE chiếm được vị trí thứ 2 trên bảng xếp hạng nhạc kỹ thuật số thế giới của Billboard.

Hạng 55. “Rum Pum Pum Pum” – f(x) (2013)

“Rum Pum Pum Pum” mang phong cách pop dance kết hợp với nhạc điện tử trên nền giai điệu bắt tai với guitar điện và các nhạc cụ gõ. Bài hát đứng đầu Billboard K-Pop Hot 100 chart, đánh dấu lần đầu tiên cho đĩa đơn của f(x) trên Billboard Hàn Quốc.

Hạng 54. “In Summer” – Deux (1994)

“In Summer” là bài hát trong album “Rhythm Light Beat Black” của nhóm nhạc nam Deux, được trình làng năm 1994.

Hạng 53. “View” – SHINee (2015)

“View” là bài hát của SHINee nằm trong album phòng thu tiếng Hàn thứ tư “Odd” phát hành năm 2015. Bài hát kết hợp deep house và pop, có phần phối khí được lược bỏ. Lời bài hát nói về cách các giác quan của con người được tăng cường bởi tình yêu. “View” nhận được đánh giá tích cực từ các nhà chuyên môn, được coi là bước đột phá đầu tiên của KPOP vào dòng nhạc deep house.

Hạng 52. “Secret Garden” – OH MY GIRL (2018)

“Secret Garden” là ca khúc chủ đề nằm trong album thứ 5 của nhóm nhạc nữ Oh My Girl. Ca khúc được phát hành vào năm 2018, thể hiện sự nữ tính, mơ mộng của thiếu nữ.

Hạng 51. “Gotta Go” – Chungha (2019)

Chungha được mệnh danh là “nữ hoàng solo thế hệ mới” nhờ sự thành công của ca khúc “Gotta Go” nổi đình đám. “Gotta Go” đã đưa Chungha đến với tiếng sáo trúc sôi động và những bản hòa tấu da diết. Bài hát thể hiện một khía cạnh mới và khác biệt của Chungha, đồng thời cũng đạt No.2 trên Gaon Digital Chart, No.1 trên Billboard K-Pop Hot 100 và No.6 trên bảng xếp hạng World Digital Song Sales.

Hạng 50. “The 7th Sense” – NCT U (2016)

“The 7th Sense” là single đầu tay của NCT U, sub-unit đầu tiên của NCT. “The 7th Sense” thuộc thể loại future bass dựa trên các bản nhạc hip-hop, với âm thanh trầm nặng và giọng hát và rap mơ màng.

Hạng 49. “LION” – (G)-IDLE (2019)

Thành công sau chương trình thực tế “Queendom”, (G)-IDLE liền cho ra mắt ca khúc “LION”. Mặc dù nó không đạt thứ hạng cao vào thời điểm phát hành, nhưng sau đó nó đã trở thành một bản “hit” gây mất ngủ ở Hàn Quốc. Ca khúc đạt đến đỉnh cao ở vị trí thứ 5 trên bảng xếp hạng World Digital Song Sales, mang lại cho (G)-IDLE bản hit thứ 5 trong top 10 của họ.

Hạng 48. “FIESTA” – IZ*ONE (2020)

IZ*ONE là nhóm nhạc nữ dự án xuất thân từ show sống còn của Mnet, tuy nhiên nhóm gây tranh cãi vì gian lận phiếu bầu với hơn phân nửa số thành viên.

“Fiesta” là ca khúc chủ đề cho album tiếng Hàn đầu tiên “Bloom*IZ”, với giai điệu sôi động và bùng nổ.

Hạng 47. “Crooked” – G-DRAGON (2013)

Bài hát đình đám của nam ca sĩ kiêm rapper G-Dragon (BIGBANG) mang phong cách pop-punk, giữ hạng 3 trên Gaon Digital Chart và là một trong những sản phẩm đĩa đơn thành công nhất của G-Dragon.

Hạng 46. “Eyes, Noses, Lips” – Taeyang (2014)

“Eyes, Nose, Lips” là bài hát của nam ca sĩ Taeyang (BIGBANG) được chính anh cùng Teddy viết lời. Bài hát đã đứng đầu Gaon Digital Chart và K-Pop Hot 100, đồng thời trở thành single có thành tích tốt thứ hai trong năm 2014. “Eyes, Nose, Lips” nhận được sự hoan nghênh nhiệt liệt, được vinh danh là một trong những bài hát hay nhất của năm và giành được nhiều giải thưởng.

Hạng 45. “NU ABO” – f(x) (2010)

“Nu ABO” là ca khúc nằm trong album debut của f(x) được phát hành dưới dạng kỹ thuật số vào năm 2010.

Hạng 44. “Kung Ddari Sha Bah Rah” – Clon (1996)

“Kung Ddari Sha Bah Rah” là ca khúc nằm trong album “Are You Ready?” của Clon phát hành năm 1996.

Hạng 43. “Bubble Pop!” – HyunA (2011)

“Bubble Pop!” là single đầu tay của nữ ca sĩ HyunA với giai điệu sôi động, quyến rũ. Bản “hit” này đã giúp HyunA từng bước trở thành “nữ hoàng sexy thế hệ mới” nối gót đàn chị Lee Hyori. Tuy nhiên, ca khúc vẫn bị vướng một số tranh cãi về vũ đạo và trang phục trên sân khấu. Ủy ban Truyền thông Hàn Quốc cho rằng nó quá khêu gợi.

Hạng 42. “UP & DOWN” – EXID (2014)

Có thể nói, nhờ fancam “Up & Down” của thành viên Hani mà EXID lội ngược dòng trên tất cả các bảng xếp hạng âm nhạc, giúp nhóm trở nên nổi tiếng hơn.

Hạng 41. “U-Go-Girl” – Lee Hyori (2008)

Lại một bản hit đình đám của “nữ hoàng sexy” Lee Hyori. “U-Go-Girl” đã trở thành một bản hit đình đám của Madam Lee, đứng đầu nhiều bảng xếp hạng trực tuyến và ngoại tuyến.

Hạng 40. “4 Walls” – f(x) (2015)

Nhóm nữ “tắc kè hoa” nhà SM đã rất thành công với ca khúc “4 Walls” dù chứng kiến sự ra đi của thành viên Sulli vào tháng 8 năm 2015 và cũng là lần quảng bá cuối cùng của nhóm dưới trướng SM Entertainment.

Hạng 39. “Bloom” – Gain (2012)

“Bloom” là bài hát của nữ ca sĩ Gain. Đây là ca khúc dance-pop hiện đại với ảnh hưởng của funk. “Bloom” nói về những cảm giác thú vị và tích cực của một cô gái khi trải nghiệm “lần đầu tiên”.

Hạng 38. “Get Up” – Baby V.O.X (1999)

Single “Get Up” đã được phát hành năm 1999 giúp Baby V.O.X lần đầu tiên đạt No.1 trên bảng xếp hạng nhạc pop Hàn Quốc. Baby VOX được xem là một trong những tên tuổi thuộc thế hệ đầu tiên của các nhóm nhạc nữ Kpop, cùng với S.E.S và Fin.K.L. rất nổi tiếng trong giai đoạn cuối thập niên 1990 – đầu những năm 2000.

Hạng 37. “Fire” – 2NE1 (2009)

Nhóm nhạc nữ đình đám nhà YG debut với ca khúc “Fire” đã trở thành một “hit” trong tất cả các bảng xếp hạng Hàn Quốc sau khi phát hành và ngay lập tức đạt được thành công ở Hàn Quốc, đưa nhóm trở nên nổi tiếng ngay lập tức. “Fire” đã nhận được sự đón nhận tích cực từ các nhà phê bình âm nhạc về phong cách âm nhạc và sức hút của 2NE1.

Hạng 36. “MOVE” – TAEMIN (2017)

“Move” là ca khúc nằm trong album thứ 2 “Move” của nam ca sĩ Taemin. Nội dung và vũ đạo bài hát thể hiện sự phá bỏ định kiến ​​giới tính và giới hạn nhận thức về nghệ thuật của KPOP thông qua những bước nhảy dẻo dai, nhịp nhàng, uyển chuyển pha chút nữ tính.

Hạng 35. “Heartbeat” – 2PM (2009)

“Heartbeat” là ca khúc nằm trong album đầu tiên của 2PM mang tên “01:59PM”. Album này là album duy nhất mà Jay Park góp mặt, sau đó Jay Park đã rời khỏi nhóm vào năm 2010.

Hạng 34. “Twenty Three” – IU (2015)

“Twenty-Three” là bài hát được IU viết lời và đồng sáng tác với các nhà sản xuất Lee Jong-hoon và Lee Chae-kyu. Đây là một ca khúc dance, lời bài hát ghi lại những suy nghĩ của IU khi cô ấy bước vào tuổi đôi mươi. “Twenty-Three” đứng đầu Bảng xếp hạng kỹ thuật số Gaon khi phát hành và kể từ đó đã có hơn 2,5 triệu lượt tải xuống ở Hàn Quốc.

Hạng 33. “I Got a Boy” – SNSD (2013)

Từng bị gọi là “nồi lẩu thập cẩm” nhưng “I Got a Boy” lại là album phòng thu tiếng Hàn thứ tư của “nhóm nhạc quốc dân” Girls’ Generation. “I Got a Boy” nhận được đánh giá chung tích cực từ các nhà phê bình âm nhạc về phong cách âm nhạc. Ca khúc đứng đầu Bảng xếp hạng Gaon Album của Hàn Quốc và trở thành album bán chạy thứ hai trong năm 2013 tại quốc gia này.

Hạng 32. “Spring Day” – BTS (2017)

“Spring Day” nằm trong album “You Never Walk Alone” của BTS và được fan ưu ái gọi là “thánh ca mùa xuân”. Bài hát mang phong cách ballad hip hop pha lẫn pop rock. Lời ca nói về sự mất mát, nỗi khát khao, đau buồn và cố gắng bước tiếp.

Bài hát nhận được rất nhiều lời khen từ các chuyên gia dành cho phong cách sản xuất cũng như phần thể hiện tuyệt vời của BTS. “Spring Day” đã nhận được các giải thưởng như “Bài hát của năm” do Melon trao tặng năm 2017 và góp mặt trong danh sách của Billboard tôn vinh các ca khúc KPOP hay nhất cuối thập kỷ.

Hạng 31. “CHEER UP” – TWICE (2016)

Có thể nói, “Cheer Up” chính là bản hit lớn nhất mang lại thành công trong sự nghiệp của nhóm nhạc nữ nhà JYP. Ca khúc được đánh giá là bài hát biểu diễn xuất sắc nhất của năm 2016, No.1 trên Gaon Digital Chart, nhận được nhiều giải thưởng danh tiếng như “Bài hát của năm” do Melon và Mnet Asian trao tặng.

Hạng 30. “Lies” – G.O.D (2000)

“Lies” là ca khúc chủ đề trong album thứ ba “Chapter 3″ của G.O.D được phát hành vào năm 2000. Tại thời điểm phát hành, nó đã trở thành một trong những bài hát nổi tiếng nhất của nhóm, thống trị các bảng xếp hạng trong các chương trình âm nhạc. “Lies” được bình chọn là một trong những bài hát KPOP kinh điển nhất những năm 2000.

Hạng 29. “Couple” – Sechskies (1998)

Ca khúc “Couple” từng giành được vị trí số 1 trên SBS Inkigayo, KBS Music Bank và MBC Music Camp. Không những thế, bài hát còn giúp Sechskies giành được giải Daesang Seoul Music Awards lần thứ 9, Giải thưởng nghệ sĩ của năm của KBS (Hạng mục dành cho thanh thiếu niên), Giải thưởng âm nhạc Seoul lần thứ 9, Giải thưởng phổ biến tại MBC, Giải thưởng âm nhạc Hàn Quốc KMTV, và Giải thưởng 10 nghệ sĩ xuất sắc nhất của SBS Music Awards.

Hạng 28. “Gashina” – Sunmi (2017)

“Gashina” gây bão với động tác bắn súng, được phát hành năm 2017, là ca khúc đầu tiên của Sunmi kể từ khi tách khỏi Wonder Girls và hợp đồng của cô với JYP Entertainment hết hạn. Bài hát đã đứng đầu Bảng xếp hạng kỹ thuật số Gaon và có hơn 1.100.000 lượt tải xuống trong tháng 12/2017.

Hạng 27. “Nobody” – Wonder Girls (2008)

Hạng 26. “Bad Girl Good Girl” – Miss A (2010)

“Bad Girl Good Girl” là bài hát của nhóm nhạc nữ KPOP Miss A cho EP đầu tay “Bad But Good” của họ. “Bad Girl Good Girl” đã đạt được nhiều thành công lớn trong sự nghiệp âm nhạc của nhóm.

Hạng 25. “Blood Sweat & Tears” – BTS (2016)

“Blood, Sweat and Tears” là ca khúc của BTS được phát hành vào năm 2016 dưới dạng đĩa đơn nằm trong album “Wings”.

Hạng 24. “FANTASTIC BABY” – BIG BANG (2012)

“Fantastic Baby” là bài hát của BIGBANG được phát hành vào năm 2012. Phong cách nổi loạn giúp cho “Fantastic Baby” nhận được nhiều đánh giá tốt từ các trang mạng quốc tế. Trang Billboard K-Town cho rằng sản phẩm này đã vươn tới đẳng cấp thế giới nhờ phong cách EDM phá cách.

Hạng 23. “Be Mine” – INFINITE (2011)

INFINITE là một trong những nhóm nhạc nam nổi tiếng đình đám hiếm hoi nhất đến từ công ty nhỏ. “Be Mine” là bài hát chủ đề được phát hành trong album phòng thu đầu tiên của nhóm có tên “Over the Top”. Bài hát ra mắt ở vị trí thứ 24 trong bảng xếp hạng đĩa đơn của Gaon vào tuần 23/07 và leo lên vị trí 13 vào tuần tiếp theo và trụ vững trong 2 tuần.

Hạng 22. “Wa” – Lee Jung Hyun (1999)

Ca khúc “Wa” nằm trong đĩa đơn đầu tiên của nữ ca sĩ, diễn viên nhạc pop Hàn Quốc. Cô được mệnh danh là “Nữ hoàng nhạc Techno” vì đã mang thể loại nhạc này giới thiệu đến khán giả xứ Hàn. “Wa” đứng đầu bảng xếp hạng Hàn Quốc trong ba tuần.

Hạng 21. “I Know” – Seo Taiji & Boys (1992)

Đây là ca khúc có thứ hạng cao nhất của boy group tiên phong của làng giải trí xứ Hàn – Seo Taiji & Boys. Đồng thời “I Know” là một trong những bài hát rap đầu tiên của Hàn Quốc.

Bài hát này được bộ ba ra mắt trên chương trình tài năng của đài MBC vào ngày 11/04/1992 và bị ban giám khảo đánh giá thấp nhất. Tuy nhiên bài hát và album đầu tay cùng tên của họ đã trở nên thành công đến mức giới phê bình nhận định “âm nhạc KPOP sẽ không bao giờ giống như trước nữa”.

Hạng 20. “Red Flavor” – Red Velvet (2017)

“Red Flavor” là bài hát dance-pop với synth và bộ gõ. Bài hát phản ánh sự rung cảm sôi nổi của mùa hè, trong khi lời bài hát gợi ý về một mối quan hệ mới mẻ và một ít gợi ý về mùa hè. Ngay khi phát hành, “Red Flavor” đã xuất hiện trong một số danh sách cuối năm từ các nhà phê bình và cuối cùng đã mang về cho Red Velvet chiến thắng đầu tiên tại Lễ trao giải Âm nhạc Hàn Quốc năm 2018, ở hạng mục Bài hát Pop xuất sắc nhất.

Hạng 19. “Lies” – BIG BANG (2007)

“Lies” là cái tên không thể thiếu trong danh sách những ca khúc xuất sắc nhất lịch sử KPOP. Ca khúc phát hành vào năm 2007 và đã trở thành bản hit đột phá của BIGBANG, nhiều tuần thống trị các bảng xếp hạng ở Hàn Quốc và được vinh danh “Bài hát của năm” tại Lễ trao giải Âm nhạc Châu Á Mnet 2007.

Ca khúc này được giới phê bình đánh giá cao và bầu chọn là một trong những bài hát đặc sắc nhất. Âm nhạc của BIGBANG được nhận xét là “nổi bật” trong nền âm nhạc Kpop, chẳng hạn như giai điệu ấn tượng của “Lies”.

Hạng 18. “Mister” – KARA (2009)

“Mister” chính là một bài hit lớn trong chặng đường âm nhạc của nhóm nhạc nữ Kara. Bài hát gây nghiện với đoạn điệp khúc cùng “điệu nhảy lắc mông” đã được giới thiệu rộng rãi trên nhiều chương trình truyền hình và các phương tiện truyền thông khác ở Hàn Quốc lẫn Nhật Bản.

Hạng 17. “Candy” – H.O.T (1996)

“Candy” là ca khúc nằm trong album đầu tiên “We Hate All Kinds of Violence” của nhóm nhạc pop H.O.T với giai điệu sôi động, nhiệt huyết.

Hạng 16. “10 Minutes” – Lee Hyori (2003)

“10 Minutes” chính là ca khúc debut đầu tiên của Lee Hyori, là bước đệm trong sự nghiệp đầy thành công của “Cô tiên quốc dân”. Bài hát được phổ biến rộng rãi, các khán giả bắt đầu gọi cô với biệt danh “Nữ hoàng sexy của KPOP”.

Hạng 15. “Good Day” – IU (2010)

“Good Day” là bài hát nằm trong album thứ ba “Real” của nữ ca sĩ IU. “Good Day” nhận được đánh giá chung tích cực của các nhà phê bình âm nhạc. Đặc biệt, tạp chí Billboard đã vinh danh đây là bài hát K-pop hay nhất được phát hành trong những năm 2010.

Hạng 14. “Cause I’m Your Girl” – S.E.S (1997)

“Cause I’m Your Girl” bài hát chủ đề nằm trong album đầu tay của một trong những nhóm nhạc thần tượng KPOP thế hệ đầu tiên, được sản xuất hoàn toàn bởi Lee Soo-man. Album này đã bán được khoảng 650.000 bản, ca khúc trở thành hit của S.E.S thời đó.

Hạng 13. “DDU-DU DDU-DU” – BLACKPINK (2018)

Hạng 13 gọi tên BLACKPINK, đây là ca khúc của nhóm nhạc nữ KPOP Gen3 có thứ hạng cao nhất trong danh sách này. Có thể nói, năm 2018 ghi nhận sự trở lại của “tân binh quái vật” BLACKPINK sau thành công của hai bài hit debut là “Bombayah” và “Whistle” năm 2016.

“DDU-DU DDU-DU” được phát hành năm 2018 trong mini album của nhóm “Square Up”. Bản hit đứng đầu Bảng xếp hạng kỹ thuật số Gaon trong 3 tuần liên tiếp.

Bên cạnh đó “DDU-DU DDU-DU” cũng đứng đầu các bảng xếp hạng quốc gia ở Singapore và Malaysia, ngoài ra còn đứng đầu bảng xếp hạng Billboard KPOP Hot 100 và World Digital Songs. Hơn nữa còn được vinh danh là “Bài hát của năm” thông qua cuộc khảo sát công khai do Gallup Korea thực hiện vào năm 2018.

Hạng 12. “Sorry, Sorry” – SUPER JUNIOR (2009)

“Sorry, Sorry” là bản hit làm nên cái tên Super Junior “tường thành” trong nền giải trí KPOP. Sự thành công không chỉ dừng lại ở đó, mà album cùng tên còn trở thành album tiếng Hàn bán chạy nhất tại nhiều quốc gia châu Á trong năm 2009.

Hạng 11. “Sherlock” – SHINee (2012)

“Sherlock” là ca khúc chủ đề nằm trong EP thứ tư của SHINee phát hành vào năm 2012. Ca khúc chủ đề đứng đầu Bảng xếp hạng kỹ thuật số Gaon chỉ trong ngày đầu ra mắt.

Hạng 10. “Mirotic” – TVXQ (2008)

Ca khúc này nằm trong album tiếng Hàn thứ 4 cùng tên của nhóm TVXQ, ra mắt năm 2008. Đó cũng là album thành công nhất về mặt nghệ thuật của TVXQ tính đến nay. Doanh số album cũng rất ấn tượng với No.1 bảng xếp hạng Hanteo và bán được 110.000 album trong tuần đầu, lập kỷ lục doanh thu trong một tuần tại Hàn Quốc trên bảng xếp hạng đó.

Hạng 9. “Tell Me” – Wonder Girls (2007)

Bên cạnh bản hit đình đám “Nobody”, nhóm nhạc nữ Wonder Girls còn phủ sóng KPOP với ca khúc “Tell Me”. Đây là một bản hit với phong cách mạnh mẽ, đứng đầu nhiều bảng xếp hạng cả online và offline.

“Tell Me” đã đứng đầu trên nhiều bảng xếp hạng, trong đó có No.1 trên của chương trình Music Bank, duy trì trong 7 tuần liên tục và nhận được 3 chiếc cúp tại SBS, Inkigayo. Ca khúc này còn hấp dẫn với vũ đạo đẹp mắt, được nhiều người cover và phổ biến rộng rãi trên các trang chia sẻ video online.

Hạng 8. “Abradacabra” – Brown Eyeds Girls (2009)

Giai điệu “Abracadabra” chắc hẳn rất quen thuộc đối với fan KPOP. Bài hát đánh dấu sự thay đổi về hình ảnh và phong cách của những cô nàng Brown Eyeds Girls. Hơn nữa, nó còn đứng đầu các bảng xếp hạng trong và ngoài nước.

Hạng 7. “I Am The Best” – 2NE1 (2007)

“I Am the Best” là bài hát của nhóm nhạc nữ Hàn Quốc 2NE1 thuộc YG Entertaiment phát hành năm 2011. Bài hát được sản xuất bởi nhà sản xuất Teddy Park với phong cách điện tử hip hop. Ngay từ lúc mới được tung ra, “I Am the Best” đã ngự trị số 1 bảng xếp hạng kỹ thuật số của GAON và sau nhiều năm vẫn giữ được sức nóng.

Hạng 6. “Into The New World” – SNSD 2007)

Bài hát này được mệnh danh là “thánh ca” debut của Girls’ Generation. Không chỉ có ý nghĩa mang tên tuổi nhóm nhạc nữ huyền thoại đến với người hâm mộ, “Into the New World” còn mở ra một kỷ nguyên mới cho âm nhạc Hàn Quốc. Sau 14 năm, tầm ảnh hưởng mà “Into The New World” của SNSD để lại vẫn vô cùng to lớn, là một trong những ca khúc trở thành huyền thoại của KPOP.

Hạng 5. “Gee” – SNSD (2009)

“Gee” là bài hát chủ đề nằm trong mini-album cùng tên của SNSD, được phát hành năm 2009. Ngay khi mới ra mắt, bài hát nhanh chóng đứng đầu các bảng xếp hạng âm nhạc đồng thời phá kỷ lục của Music Bank với vị trí thứ nhất trong 9 tuần liên tiếp.

Hạng 4. “Dynamite”– BTS (2020)

BTS ghi tên với ca khúc thứ 4 trong danh sách, đây là ca khúc thứ 5 và có vị trí cao nhất của nhóm. “Dynamite” là sản phẩm đầu tiên mà BTS thực hiện bằng tiếng Anh toàn bộ. Bài hát được ra mắt với mong muốn giải trí cho các fan trong thời gian diễn ra đại dịch COVID-19.

Khi phát hành, “Dynamite” đã nhận được những đánh giá tích cực từ các nhà phê bình âm nhạc, với những lời khen ngợi về tính bắt tai và âm thanh retro lôi cuốn. Nó đã mang về cho BTS đề cử Grammy đầu tiên tại buổi lễ trao giải lần thứ 63 của giải thưởng danh giá này, đưa họ trở thành nghệ sĩ Kpop đầu tiên được đề cử Grammy.

Hạng 3. “Gangnam Style” – PSY (2012)

Hạ cánh tại top 3, ca khúc “Gangnam Style” có lẽ đã quá quen thuộc đối với khán giả mọi độ tuổi. Đây là một bài hát KPOP và dance-pop với phần beat hấp dẫn và điệu nhảy gây cười của PSY thu hút sự chú ý của giới truyền thông toàn cầu và công chúng.

Vào tháng 9/2012, “Gangnam Style” đã được Kỷ lục Guinness Thế giới ghi nhận về số lượt thích video trên YouTube vào thời điểm đó. Sau đó nó đã giành được giải “Video hay nhất” tại Lễ trao giải Âm nhạc MTV Châu Âu được tổ chức cùng năm.

Không những thế, điệu nhảy của bài hát đã được các nhà lãnh đạo chính trị như Thủ tướng Anh David Cameron và Tổng thư ký Liên hợp quốc Ban Ki-moon ca ngợi như một động lực cho hòa bình thế giới.

Hạng 2. “Growl” – EXO (2013)

Ai bảo EXO hết thời đâu chứ, vì nhóm đã chính thức vượt mặt BTS để đứng tại vị trí thứ 2 trong Top 100, đây là vị trí cao nhất đối với một nhóm nhạc KPOP trong danh sách này.

Ca khúc “Growl” là sản phẩm dành cho đĩa đơn tiếp sau album phát hành lại “XOXO”. “Growl” là bài hát thuộc thể loại dance-pop xen lẫn các yếu tố R&B đương đại và funk. Lời bài hát được lấy cảm hứng từ đĩa đơn quảng cáo trước đây của nhóm “Wolf”, “Growl” nói về một chàng trai có cá tính mạnh mẽ như loài sói, luôn “gầm gừ” với những anh chàng khác có ý định theo đuổi bạn gái mình.

“Growl” là ca khúc đem về nhiều thắng lợi nhất cho EXO, với tổng cộng 14 giải thưởng trên các bảng xếp hạng và chương trình âm nhạc xứ Hàn trong thời gian được quảng bá.

Hạng 1. “No.1” – BoA (2002)

BoA là nữ ca sĩ Hàn Quốc nổi tiếng nhất nhì KPOP với gia tài đồ sộ các bản hit. Không chỉ nổi tiếng ở Hàn Quốc, cô còn nổi tiếng tại Nhật Bản và nhiều nước trên thế giới. Chính vì thế, cô được ưu ái với cái tên “Công chúa nhạc Pop châu Á”.

“No.1” là ca khúc nằm trong album tiếng Hàn thứ hai của BoA và cũng là album bán chạy nhất của cô tại Hàn Quốc. Ca khúc này cực kỳ nổi tiếng đến mức trở thành “huyền thoại”, được coi là cột mốc đưa tên tuổi của BoA vươn cao và thậm chí có tầm ảnh hưởng mạnh mẽ đối với phong cách âm nhạc Kpop đời đầu.

Vậy là chúng ta đã điểm qua 100 bài hát Kpop nổi tiếng nhất theo bình chọn của Melon. Bạn thích bài hát nào trong số này? Hãy để lại ý kiến dưới phần bình luận nhé!

Các bạn có thể xem thêm những bài viết tham khảo này nhé!

• 7 bài hát KPOP nên nghe để “lấy hên” đầu năm 2021
• 50 bài hát Kpop được phát trực tuyến nhiều nhất trên Spotify năm 2021
• 10 ca khúc KPOP xứng đáng được biết đến nhiều hơn
• 10 ca khúc Kpop được nghe nhiều nhất nửa đầu năm 2021

Hãy tiếp tục theo dõi BlogAnChoi để biết thêm nhiều tin tức thú vị bạn nhé!

Tham gia với chúng tôi khi chúng tôi kỷ niệm âm nhạc, phim hay và truyền hình hay nhất của thập kỷ. Hôm nay, chúng tôi khởi động lễ kỷ niệm với 100 album hay nhất của những năm 2010.

Một thập kỷ trôi qua ngay lập tức.

Đó là một cái gì đó trong 10 năm qua đã dạy tôi. Ngày đến và đi nhanh, và hiếm khi bạn nhớ những khoảnh khắc bạn nghĩ bạn sẽ làm. Nó giống như tìm thấy một tờ báo cũ cắt hoặc sỏi trong một ngăn kéo nhưng không biết tại sao bạn lại lưu nó ngay từ đầu. Chắc chắn, tại một thời điểm, nó phải có ý nghĩa gì đó, phải không?

Đó là những gì mà sự phân chia trên rất nhiều nghệ sĩ, album và bài hát này đã cảm thấy như trong vài tuần qua. Trong một số trường hợp, những danh sách này nắm bắt các album mà chúng tôi đã giữ trong túi sau của chúng tôi trong suốt thập kỷ qua. Chúng tôi đã giữ họ gần gũi với chúng tôi và biết rằng ngày chúng tôi ngừng chuyển sang họ sẽ là cùng ngày chúng tôi không còn. Tuy nhiên, trong nhiều trường hợp, chúng tôi bật lên các album mà tất cả chúng ta đều quên mất các bản ghi rất nhiều kết nối với một năm hoặc một mùa hè hoặc một mối quan hệ hoặc một cuộc sống thay đổi 10 giây của thập kỷ qua mà chúng ta không thể hiểu làm thế nào chúng ta Hãy để họ ngồi trong ngăn kéo đó bên cạnh các mẩu báo và đá cuội thu thập bụi.

Âm thanh và xu hướng đến và đi, là tốt. Tên của các nghệ sĩ thay đổi. Tôi tưởng tượng Billie Eilish có nhiều điểm chung với Arcade Fire như ban nhạc đó đã làm với những người đương thời khi họ lần đầu tiên xuất hiện trên một cảnh vẫn bị ám ảnh bởi NU Metal. Tất cả những gì để nói rằng khác nhau như năm 2019 cảm thấy từ năm 2009 theo nhiều cách, tôi đã giành chiến thắng, thậm chí còn đánh cược một dự đoán về âm thanh và personas mà chúng tôi sẽ vô địch vào năm 2029. Mặc dù vậy, tôi rất háo hức tìm hiểu.

Một thập kỷ trôi qua ngay lập tức, nhưng cuộc sống có thể thay đổi rất nhiều ngay lập tức. Tất cả những gì tôi có thể nói với bạn là đây là 100 hồ sơ quan trọng hoặc có ý nghĩa với chúng tôi trong suốt 10 năm qua của cuộc đời chúng tôi. Một số người đưa tôi trở lại, một số có nghĩa là một cái gì đó hoàn toàn khác bây giờ, và một số khiến tôi gãi đầu vào một phiên bản của bản thân mình từ lâu đã phát triển từ những chiếc khuyên, áo hoodie và bản vá linh hồn của anh ấy. Những album này làm tôi nhớ, chúng làm tôi khóc, và có lẽ quan trọng như bất cứ điều gì, chúng khiến tôi hát theo hoặc gật đầu khi tôi tìm ra những gì tiếp theo. Tôi yêu tất cả họ, và tôi hy vọng bạn tìm thấy một vài người ở đây để yêu hoặc yêu lại tất cả.

Hẹn gặp lại các bạn sau 10 năm.

Giám đốc biên tập của Melis Melis
Editorial Director

Danh sách cuối năm

Một chỉ số được lưu trữ bằng tay, có thể duyệt của các danh sách cuối năm đáng chú ý. Theo liên kết cho mỗi danh sách để xem bình luận cần thiết từ tác giả của nó, tại nguồn.

Phim truyền hình chương trình sách nhạc podcast thơ

Có một meme phổ biến, được chia sẻ thường xuyên nhất bởi Gen Xers và những người bùng nổ có khả năng công nghệ, đó là sự tự ti trút ra nhận thức rằng những năm 1990 chỉ vài năm trước. Sự vắng mặt của một cách thường được công nhận để phân định hai thập kỷ đầu tiên của thế kỷ 21 (Aughts? Thanh thiếu niên? '10s?) mơ hồ. Âm nhạc của 10 năm qua cũng có cảm giác như một chuỗi các thể loại thay đổi và các xu hướng dường như được thử lại.

Tất nhiên, việc thiếu các xu hướng rõ ràng, giống như synth-pop và kim loại tóc trong thập niên 80, và nhạc rock và R & B thay thế trong những năm 90, những năm 90 có nghĩa là có những cột mốc quan trọng trong âm nhạc. Được củng cố bởi các album như Kendrick Lamar's to Pimp A Butterfly và Kanye West My Beautiful Dark Twisted Fantasy, hip-hop tiếp tục khám phá lại cả lương tâm và giọng nói của nó trong những năm 2010, trong khi các nghệ sĩ như Robyn và Katy B đã chứng minh rằng ngay cả khi khiêu vũ là Bị đẩy đến lề, như sau vụ nổ EDM của những người quá cố, nó sẽ luôn tìm thấy rãnh của nó.

Như thường thấy với nhạc pop, người có những bộ phim thường xuyên rõ ràng, một số tựa game trong danh sách những album vĩ đại nhất của thập kỷ này đã bắt nguồn từ thời gian ngọt ngào. Chẳng hạn, Taylor Swift năm 1989, ngồi ở một cá rô cao ở đây nhưng không thể thu được một đề cập trong danh sách các album hay nhất của chúng tôi . Và một album năm 2014 khác, nỗ lực sinh viên năm thứ hai của Bright Light Light, Life is Easy, đã được chúng tôi chú ý một năm sau khi phát hành ban đầu.

Một số nghệ sĩ có nhiều mục trong danh sách này, như Kanye West, đã bắt đầu những năm 2010 tại Zenith sáng tạo và thương mại của họ nhưng đã bị xáo trộn trên cả hai số lượng vào cuối thập kỷ. Những người khác, như Lana Del Rey, bắt đầu với lời hứa tuyệt vời nhưng không chắc chắn và cuối cùng đã hoàn thành nó khi thập kỷ kết thúc. Nắm giữ từ thập niên 90 như Radiohead, PJ Harvey và Björk, cũng như các nghệ sĩ có di sản kéo dài hơn nữa, như David Bowie và Leonard Cohen đã rời đi, đã phát hành một số tác phẩm hấp dẫn nhất của họ cho đến nay trong 10 năm qua, Làm cho nhiệm vụ xác định rõ ràng thập kỷ thậm chí còn là việc vặt của một kẻ ngốc. Những gì 100 album này có điểm chung là khá đơn giản: họ đã di chuyển chúng tôi. Sal Cinquemani

100. Ánh sáng rực rỡ ánh sáng, cuộc sống thật dễ dàng

Vào thời điểm mà nhạc pop được xác định quan trọng nhất bởi sự hoài nghi, ánh sáng rực rỡ, Né Rod Thomas, mang đến một giọng nói chân thành mới mẻ, không sợ hãi là sâu sắc hoặc dễ bị tổn thương. Mặc dù những giai điệu trong nỗ lực năm thứ hai của ca sĩ-nhạc sĩ xứ Wales, cuộc sống rất dễ dàng, thường không phức tạp, họ cũng quen thuộc và dễ tiếp cận. Album mở đầu synths gật đầu với điểm số của Angelo Badalamenti, cho Twin Peaks, khi Thomas vẽ những cảnh sống động, điện ảnh của tình yêu bị mất và tưởng tượng, ướt đẫm trong synth-pop có đầu óc retro gợi nhớ đến các chàng trai cửa hàng thú cưng và George Michael. Album tràn ngập những câu chuyện về tình yêu tan rã (tất cả mọi thứ tôi từng muốn, thì tôi ước chúng tôi sẽ rời đi, có sự tham gia của Elton John) nhưng cũng là sự lạc quan mắt to "). Nó làm cho cuộc sống của người Viking và tình yêu dễ dàng phát hiện ra. Cinquemani

99. Kẻ trộm lớn, U.F.O.F.

Hàng đầu tiên trong hai album Stellar Big Thief được phát hành năm 2019, U.F.O.F. là ít ngay lập tức và nhịp nhàng hơn hai bàn tay tiếp theo. Nó có tất cả môi trường và kết cấu, mở ra như một tiếng vang, với tiếng guitar arpeggios acoustic và những giai điệu dỗ dành đến rất tự nhiên và dễ dàng đến nỗi chúng nghe như chúng mọc lên từ mặt đất hoặc ra khỏi cây. Các bài hát của ca sĩ-nhạc sĩ Adrienne Lenker không tiến triển quá nhiều khi họ khoanh quanh chính mình, và những người giỏi nhất trong số đó Điều đó trở nên gần giống như thần chú. Tác phẩm guitar của Lenker và Buck Meek, là lấp lánh trong suốt, với mỗi lần gảy và âm thanh âm thanh được tối ưu hóa một cách âm thanh. Đây là một album khó phân loại vì nó dễ nghe. Jeremy Winograd

98. Chàng trai cửa hàng thú cưng, điện

Electric tìm thấy các chàng trai cửa hàng thú cưng có một chiến thắng trong sự nghiệp dễ dàng và kiếm được nhiều tiền. Đây không phải là một hành trình hoài cổ thông qua âm thanh của những người sáng tạo của nó, đã mất trẻ tuổi, mà là một nỗ lực ngu ngốc táo bạo để giao tiếp với những đứa trẻ trong từ vựng hạnh phúc của chính chúng. Đối với nhiệm vụ này, Electric đã mang đến người đàn ông hoàn toàn phù hợp nhất để kết hôn với chủ nghĩa cổ điển điện tử thập niên 80 với chủ nghĩa hiện đại EDM, Stuart Price, Stuart Price. Quan trọng hơn, bộ đôi này đã mang đến một bộ sưu tập giun tai gượng gạo và tuyệt vời, rất lớn như âm thanh có kích thước của Price Canyon. Một lời nhắc nhở rằng các bài hát kinh điển don lồng phải đến bị đóng băng trong Amber. Sullivan xanh

95. Lindstrom, cuộc sống thực không phải là tuyệt vời

DJ người Na Uy Hans-Peter Lindstrøm và giọng ca chính Christabelle, cuộc sống thực tế không phải là một cuộc phiêu lưu pop-funk tham gia vào cuộc tấn công khổng lồ sớm, Hoàng tử, và đặc biệt là không gian Disco của Giorgio Moroder. Album, có lẽ, tác phẩm dễ tiếp cận nhất của Lindstrøm cho đến nay (đĩa đơn Loves yêu thương xuất hiện trong một quảng cáo xe hơi và phiên bản album của Hoa Kỳ thậm chí còn được đánh bóng hơn so với hóa thân của Rough Trade ban đầu), nhưng mặc dù các bản nhạc nổi bật rõ ràng và nhạc pop phong phú Hook, đó là một minh chứng cho sức mạnh của tầm nhìn kỳ dị của Lindstrøm rằng album chơi tốt nhất như một phần toàn bộ, không phải là một kỳ công nhỏ khi xem xét rằng nó đã được thực hiện ít nhất bảy năm. Cinquemani

96. James Blake, James Blake

Một người bạn gần đây đã chơi cho tôi James Blake thông qua loa siêu trầm mới của anh ấy với mặt số chuyển sang khoảng 5, một trải nghiệm gần như khiến đầu chúng tôi phát nổ. Nó phục vụ như một lời nhắc nhở về việc nó rất đáng kinh ngạc, kỳ lạ và độc đáo của một album, một thực tế có thể đã bị lãng quên trong chín tháng kể từ khi phát hành. Bị che khuất trong một đám mây bí ẩn, nó bất chấp mẫu ghi âm phòng ngủ thông thường, với một âm thanh mở rộng, từ leo, bị loại bỏ một cách gõ R & B đến Midi bị ảnh hưởng đến xung quanh trong nhiều năm. Jesse Cataldo

95. Aphex Twin, Syro

Rất ít nghệ sĩ có thể thu âm một album là phiêu lưu thẳng thắn như Syro. Nó nhảy từ chuyến đi du lịch kỳ lạ (Hồi Produk 29) đến nhà axit robot, rời rạc (Hồi Circlont6a [141.98] và sau đó kết thúc với một bản piano độc tấu không cảm thấy lạc lõng trong chương trình Recital cùng với Chopin cùng với Chopin Và Satie. Nhưng chỉ có Aphex Twin có thể ghi lại một cái gì đó kỳ quặc này và dường như đang làm giảm chủ nghĩa thử nghiệm. Syro là một sự tinh chỉnh của tất cả mọi thứ mà Aphex Twin đã hoàn thành trong sự nghiệp phát minh và giải cấu trúc thể loại. Là một tác phẩm hoàn chỉnh, nó bao bọc, với những khoảnh khắc của thành phần điêu luyện (prog-rock-on-Ecstasy của Syro Syro U473T8+E [141.98]. Trong khi phần còn lại của thế giới âm nhạc điện tử đang cố gắng bắt kịp, Aphex Twin cuối cùng cũng hít một hơi và đến lượt nó, đã phát hành chương trình dễ tiếp cận nhất của anh ấy mặc dù vẫn còn sâu sắc về cộng đồng. James Rainis

94. Tyler, the Creator, Flower Boy

Tyler, the Creator’s obvious talent has always been undercut by an insistent immaturity, with callow, prankish antagonism proving a continued obstacle to his artistic development. With Flower Boy, rap’s resident enfant terrible has finally found a way to channel his hostility, on an album that still retains his inherent unruliness and intensity. Tyler taps into the internal reservoir of insecurity and doubt motivating his anger, expanding his range and revealing new creative layers in the process. Building on the glimmers of tuneful sweetness found on 2015’s Cherry Bomb, the album finds existing horrorcore inclinations mixing freely with polished electro jazz, hard-edged psychedelia, and hazy R&B. Surprisingly smooth but still never easily digestible, its diverse palette provides insight into the wide variety of sources influencing a mounting wave of paradigm-fracturing rappers, helping to spearhead the genre’s fervent push into new modes of expression. Cataldo

93. Kamasi Washington, The Epic

As everyone who’s caught his sprawling live show already knows, jazz bandleader Kamasi Washington’s maximalism will not be contained, and that, ludicrous as it may sound, even a three-hour label debut broken down into three volumes titled “The Plan,” “The Glorious Tale,” and “The Historic Repetition” and given the title The Epic still ever so faintly suggests the tip of the iceberg that sunk the RMS Titanic. “Change of the Guard”? That might be an overstatement, but there’s something undeniably thrilling about an artist who doesn’t seem to dislike a single reference point. Washington, better known as Kendrick Lamar’s go-to arranger, pulls not a single punch as he draws from big band, fusion, swing, and bebop traditions, pays homage to Malcolm X, Ray Noble, and Claude Debussy, and overlays heavenly choral and string arrangements to send the entire enterprise into orbit. Eric Henderson

92. Katy B, On a Mission

As the coolly altered colors of the cover art indicate, Katy B’s On a Mission is euphoric without aggression. It’s awash in the newness of discovery, and represents the perfect confluence of elements that all but transcends any single camp. This isn’t merely a house album, a pop album, a dubstep album, or an R&B album. It’s a bright, cheerfully mainstream-friendly record that’s almost completely built from the ingredients of much darker, grimier dance music subcultures in a way that recalls the sunnier moments of Basement Jaxx, or Kathy Diamond’s Maurice Fulton-guided retro jaunt through the Loft on Miss Diamond to You. But softer still. On a Mission is a glowstick Alice in Wonderland, a tour of sensations as narrated by an emotionally reserved young girl whose “curiouser and curiouser” reactions ultimately wind up giving in to the moment, hungry for the next chapter. Henderson

91. Mariah Carey, Caution

“Caution” is an apt warning for those about to consume Mariah Carey’s first album in over four years. While her voice may be a reedy version of what it once was, she makes it abundantly clear on Caution that she isn’t to be fucked with in this or any other decade. She wisely relies on the rap-inflected R&B sounds that have been her bread and butter since Butterfly, while bringing in unexpected collaborators like Skrillex and Blood Orange. She also switches up the message: In the aftermath of a highly public breakup, a sense of inevitable heartache hangs over the whole thing, from the delightfully salty lead single “GTFO” (“I ain’t tryna be rude, but you’re lucky I ain’t kick your ass out last weekend,” she quips) to the even more savage “A No No,” in which she summons her verbally gymnastic falsetto for a Gilligan’s Island-related diss. The adoption of patois and clearly intentional use of “irregardless” suggest Mimi (still) has no time for notions of cultural appropriation or grammar, and appearances by Slick Rick and Biggie (via sample) let us know that her heart will always lie in hip-hop. Where it belongs. Paul Schrodt

90. Destroyer, Kaputt

With the lone exception of Bon Iver’s “Beth/Rest,” no music this year has better captured the glitzy, breezy, unaware charm of ’80s air pop better than Destroyer’s Kaputt. There’s an almost stark obliviousness to the album’s caricatural, glossy atmosphere, obtuse lyricism, and plethora of jazzy brass, but therein lies its allure: Dan Bejar exists in his own little bubble, making songs for himself as much as others, and leaving us narrative riddles that perhaps only he can ultimately decipher. Yet as confoundingly esoteric as Kaputt can often be, it’s still a joy to listen to: Luxurious and blissful and playful in a way that conjures up the psychedelic pop storytelling of Al Stewart. From the bouncy hotel lobby ballad “Suicide Demo for Kara Walker” and the delicate melancholy of “Chinatown” to the almost ridiculous, full-on saxophone and vibes explosion that is the title track, Kaputt is the consummate balancing act of the cerebral and the irreverent. Kevin Liedel

89. M83, nhanh lên, chúng tôi mơ ước

Với sự vội vã, chúng tôi đang mơ, M83 Braintrust Anthony Gonzalez được cho là nhằm mục đích kết hợp tính thẩm mỹ của Shoegazey quyết định hơn trước khi bình minh chữa lành cho chúng tôi Cơn sốt Claudia Lewis và cuộc hội ngộ của người Hồi giáo cùng với những người ném bóng xung quanh như tiếng vang của tôi. Như mọi khi, Gonzalez đi rất lớn, nhắm đến ánh sáng rực rỡ và tiếng vang bão hòa của các quốc ca sân vận động. Người ta không cần phải tìm đâu xa ngoài vụ nổ mở đầu của Intro Intro để tìm bằng chứng, nơi Gonzalez xếp chồng lên nhau một cách thuần thục về các cuộc sống hợp xướng và các dàn hợp xướng xa xôi với các synths Seagull của Kim Kim & Jessie, mà Zola Jesus mang đến giọng hát cơ bắp của cô. Nói dối

88. Taylor Swift, Danh tiếng

Trong thời gian phát hành phát hành album thứ sáu của cô, Danh tiếng, Taylor Swift đã bị người hâm mộ và kẻ thù xuất hiện vì quá thường xuyên đóng vai nạn nhân. Lời bài hát của album chỉ phục vụ cho việc củng cố nhận thức đó: Swift xuất hiện như một người mẹ ở nhà khó khăn khi mắng những đứa trẻ không vâng lời của cô ấy trên một cách nhìn bạn làm cho tôi và đây là lý do tại sao chúng ta có thể có những điều tốt đẹp. Nhưng điều đó, cô ấy sẵn sàng miêu tả mình không phải là nạn nhân, mà là nhân vật phản diện trong câu chuyện của chính cô ấy khiến danh tiếng trở thành một cái nhìn thoáng qua hấp dẫn trong tâm trí của công chúa Pop Pop Reign. Swift đã chứng minh bản thân có khả năng tự cười vào chính mình, do đó, việc từ chối những lời chỉ trích thường đánh vào cô, nhưng với danh tiếng, cô đã tạo ra một bức tranh biếm họa lớn hơn so với cuộc sống của con rắn đầy màu sắc, đầy thù hận mà cô đã được tạo ra. Đến cuối album, Swift đánh giá đế chế đổ nát của mình và danh tiếng rách nát, khám phá sự cứu chuộc trong tình yêu chỉ có tiếng là một sự tái sinh vì nó là một cuộc rút lui vào trong. Nó đánh dấu một sự thay đổi từ nhạc pop có đầu óc retro 2014 2014 1989 về phía một thẩm mỹ khó khăn hơn, đô thị hơn và Swift mặc những nhịp điệu cứng nhắc, kêu gọi của các bài hát như Hồi Sẵn sàng cho nó? Giống như áo giáp cơ thể. Cinquemani

87. Chạy đồ trang sức, chạy đồ trang sức 2

Sự tức giận chính đáng là nhiên liệu mạnh mẽ cho nghệ thuật, và trong một năm tuyệt vọng vẫy gọi âm nhạc phản kháng có thể đứng lên trước sự áp bức kinh tế và chủng tộc có hệ thống chuyên luận (có quá nhiều mối đe dọa phi lý và các chuyến bay của ngôn ngữ để đủ điều kiện), nhưng theo dõi như người than thở của đại lý ma túy và sự nói dối bị buộc tội Chết tiệt tức giận về nó để trừng phạt của EL-P, sản xuất hình bom-hình thành. Nhiều thập kỷ sau khi phải mất một quốc gia hàng triệu người để giữ chúng ta lại, cuộc cách mạng Sonic vẫn đang được chiến đấu, với kẻ giết anh em trong tay Mike và El-P là những kẻ cầm đầu mới. Rainis

86. DJ Koze, Knock Knock

Nỗ lực thứ ba chiết trung của DJ Koze, Knock Knock, giảm bớt sự khởi sắc ảo giác của 2013 Amygdala cho một album dễ tiếp cận hơn mà mời gọi và làm dịu trong khi, đôi khi, vẫn giữ được cảm giác khao khát. Âm nhạc trên răng của tôi, Mở rộng với một mẫu triết gia Phật giáo Zen Alan Watts nói rằng thời gian là một tổ chức xã hội và không phải là một thực tế vật lý. Cho dù đó là một Kr Gladys Knight & The Pips Mẫu trên Pick Pick Up hay một vị trí khách của một Kurt Wagner đã được điều chỉnh tự động từ Lambchop trên Mud Muddy Funster, Ko Koze liền mạch kết hợp các thời đại và thể loại để thay đổi hình dạng hình dạng âm thanh. Anh ấy chơi cho khách của mình những điểm mạnh của mình, đôi khi mang đến cho âm nhạc một bản mixtape, nhưng nhìn chung âm thanh vẫn còn gắn kết. Sự thay đổi liền mạch từ Trip-Hop sang R & B sang Deep House tạo ra một thẩm mỹ đa chiều chạy gam từ retro sang tương lai, từ analog đến kỹ thuật số, trong khi thể hiện sự thành thạo của Koze, khiến cho kỳ lạ cảm thấy quen thuộc một cách kỳ lạ. Josh Goller

85. Jenny Hval, Thực hành tình yêu

Tôi ghét ’tình yêu bằng ngôn ngữ của riêng tôi Mặc dù HVAL đã thừa nhận cảm thấy lo lắng về việc đối phó với tình yêu như một chủ đề khi cô ấy đã dành rất nhiều sự nghiệp tập trung vào bất cứ điều gì, nhưng, về thực hành tình yêu, cô ấy khám phá khái niệm này với sự đặc thù được quan sát chặt chẽ. Trên các phông nền âm nhạc gây ra, chịu ảnh hưởng trance cho vay một lời bài hát thô sơ của nó, HVAL phân tích sự hiện diện và thiếu tình yêu trong tự nhiên (Lions Feat Vivian Wang,) trong sự hiệp thông với người chết (Six Six Red Cannas). Phong cách trữ tình của cô, những phần bằng nhau ám chỉ và phía trước, làm cho một album tiếp xúc, thô thiển, không thích thú như nó là rực rỡ. Anna Richmond

84. The Weeknd, House of Balloons

Sự hợp tác của nhà sản xuất Doc McKinney và ca sĩ Abel Tesfaye, House of Balloons hoàn toàn không có tiền lệ trong R & B. Thẩm mỹ sản xuất gothic bị ảnh hưởng nhiều bởi công nghiệp, trip-hop và downtempo như là đài phát thanh đô thị, trong khi Falsetto bị tra tấn Tesfaye, truyền tải cả lỗ hổng và ý định săn mồi. Nó là một bài tập thể dục trong việc xây dựng thế giới dưới lòng đất, những mô tả của nó về sự phụ thuộc và âm thanh tuyệt vọng của nó được một số trò chơi R & B hấp dẫn nhất, quyến rũ nhất mà bạn không bao giờ nghe thấy trong câu lạc bộ. Matthew Cole

83. Những con thú hoang, mịn

Đúng như tên gọi của chúng, những con thú hoang được xây dựng và sống đầy đủ một thế giới âm nhạc chưa được xác định cách xa cơ sở quen thuộc của các đồng nghiệp độc lập của họ. Thử nghiệm ban nhạc trong trò chơi bong bóng, nổi tiếng cuối cùng là một phần thưởng cho khán giả trung thành của nó: The Weirder mà họ nhận được, những con thú hoang dã tốt hơn trở thành. Đối với những người mắc kẹt với họ qua hai vũ công, Smother là một bước đi bậc thầy khác trong hành trình siêu thực đó, mặc dù là một người yên tĩnh, gợi cảm. Phần lớn được thực hiện bởi ban nhạc, hai giọng ca chính (một cô nàng tự do ở Hayden Thorpe và The Earthier, Huskier Tom Fleming), Smother vừa lôi cuốn vừa có mục đích, không đề cập đến những bất ngờ đẹp. Những gì nhóm khác có thể đạt được một cái gì đó như Invisible, một chiếc mũ không thể hiểu được đối với loại những bản ballad an toàn, mềm mại mà người ta mong đợi từ Phil Collins vào khoảng năm 1985, và vẫn quản lý để truyền nó bằng thương hiệu nghệ thuật không thể đoán trước của họ? Nói dối

82. từ trường, hồi ký 50 bài hát

Tiếng gõ trước Stephin Merritt và vị trí dài mới nhất của công ty là thiếu công ty trên phương trình: trong đó 69 bài hát tình yêu năm 1999 khác nhau thay đổi ba đĩa CD với các giọng ca xoay, Merritt's Sad-Sack Monotone là tất cả những gì chúng ta nhận được cho năm đĩa 50 Song hồi ký. Nhưng, sau đó, theo tiêu đề, đây là câu chuyện của Stephin,: mỗi bài hát tương ứng với một năm trong cuộc đời nhạc sĩ 50 tuổi, và nó thực sự có ý nghĩa đối với bất kỳ ai khác để nói với nó. Merritt the Esthete hiểu điều này, và vì vậy anh ấy thưởng thức những bài hát không thực sự có ý nghĩa đối với bất kỳ ai khác để hát: Thật khó để tưởng tượng ra một con mèo tên là Dionysus, là một cuộc bạo loạn cười mà không cần trục trặc của anh ấy từ anh ấy ghét tôi Đối với tôi, tôi yêu anh ấy, và chỉ có Merritt mới có thể tìm thấy âm nhạc trong bối cảnh các bệnh tật được liệt kê trong các bệnh kỳ lạ. Những gì hồi ký bài hát có điểm chung với 69 bài hát tình yêu là nó là một trong những album từ tính nhất quán. Các khái niệm trữ tình của Merritt, tổ chức các album tốt hơn so với những người thẩm mỹ của anh ấy và thời gian chỉ giúp sự quyến rũ của bài viết khác của anh ấy để chìm vào. Sam C. Mac

81.

Với bản vẽ punk-yelp của mình, Santigold ban đầu dường như đang cố gắng ảnh hưởng đến phong cách của Karen O trong đĩa đơn đầu tiên của album thứ hai Các âm tiết và giọng hát được ghép nối, và rõ ràng Santi không chỉ chơi trang phục, mà là khéo léo, đồng nhất với thế giới của Karen. Santi là một Shapeshifter, và những nhịp đập và sự sắp xếp của mỗi bản nhạc cũng được phù hợp hoàn hảo với lời bài hát của họ. Đừng nhìn về phía trước, có thời tiết bão tố, ông Sant Santi cảnh báo giống như những cây đàn guitar crackle như điện trên đường dành cho trẻ tuổi khác nhau từ máy. ” Ngay cả khi các bài hát nghiêng về hip-hop như Hồi Freak như tôi, và nhìn vào những con cuốc này cảm thấy phái sinh hơn so với những cái gật đầu của album với Wave và Synth-pop mới, Master of Making-Believe trong việc làm chủ của một người trên tất cả. Cinquemani

80. Björk, Vulnicura

Hãy trung thực: Björk, hơn bất kỳ người quản lý nào, không cần chất xúc tác hữu hình để kích hoạt các cơn động kinh cảm xúc ở dạng bài hát. Cô ấy cảm thấy hạnh phúc dữ dội về lưng của những người đàn ông, cổ mới cạo râu, tưởng tượng mình là một đài phun máu hình con gái, hứa hẹn một vụ phun trào núi lửa ngay dưới máy bay của bạn chỉ đơn giản là bạn sẽ biết rằng một ngày nào đó bạn sẽ nở rộ. Mất người đàn ông mà tinh ranh từng truyền cảm hứng cho toàn bộ album của nhạc Giáng sinh khiêu dâm nhất từng được viết? Chà, bạn cũng có thể đi trước và buộc một số LEDerhosen lên Sa -rốc Bomba. Nếu bạn từng muốn Björk đến gần một con người, thì tổn thương thô thiển ở trung tâm của Vulnicura mang đến cho bạn con người mẹ. Nó khó mà không cảm thấy choáng ngợp, mất phương hướng, xấu hổ. Không chỉ album hay nhất của cô ấy ở Ages, mà cô ấy còn bị gây sốc nhất. Henderson

79. Leonard Cohen, bạn muốn nó tối hơn

Một cảm giác về sự hữu hạn tràn ngập bạn muốn nó tối hơn, vì Leonard Cohen dường như làm cho hòa bình với cái chết của anh ta. Ý thức của sự cúi đầu là rõ ràng nhất trong hình ảnh trò chơi bài của Rời khỏi bàn, cũng như trên ca khúc chủ đề, trong đó một dàn hợp xướng buồng ủng hộ thêm một bài hát tìm thấy cohen cộc cằn, tôi đã sẵn sàng , Chúa của tôi. ” Nhưng nó không phải là tất cả sự u ám cuối cùng. Ngay cả khi anh ấy than thở về tuổi già trong thời gian ở cấp độ, thì ca sĩ kiêm nhạc sĩ trong nụ cười và hương thơm của phụ nữ được sống. Mặc dù đầy rẫy với hình ảnh tôn giáo thông thường của mình, album cuối cùng của Cohen không bao giờ tìm cách dẫn chúng tôi xuống một con đường cụ thể, mà thay vào đó thách thức chúng tôi chơi tay mà chúng tôi đã xử lý. GOLLER

78. Quốc gia, rắc rối sẽ tìm thấy tôi

Rắc rối sẽ tìm thấy tôi là một mối quan hệ cà vạt đen, chính thức và dè dặt, nhưng nó duyên dáng mở rộng công thức phức tạp, đôi khi ẩn dật của hai album cuối cùng của National vào một lời mời chung. Album Haze của hòa âm và kỹ thuật sản xuất ẩm ướt, được nhiều lớp yêu cầu lắng nghe lặp lại, nhưng nó lại sắp xếp sự kiên nhẫn đó. Các dàn nhạc rất phức tạp, nhưng không bao giờ công khai tiên phong. Các hương vị thử nghiệm là tinh tế: vảy mixolydian, hợp âm jazz, trống polyrthe, oboe yên tĩnh và sừng Pháp. Sự căng thẳng không còn thô, nhưng nó vẫn ở đó, sôi sục bên dưới bề mặt của các đường ray như biển của tình yêu. Và don sắt đã để cho Matt Berninger, người baritone bóng tối và lời bài hát mờ đục đánh lừa bạn: Khi anh ta lầm bầm, thì tôi đã gặp rắc rối trong làn da của mình, trên đường, đó là cách mà anh ta thích nó. Caleb Caldwell

77. Súng lục Annies, Địa ngục trên gót chân

Toàn bộ sự nghiệp solo của Miranda Lambert, đã dựa trên việc sử dụng quan điểm độc đáo và các chi tiết góc nhìn thứ nhất được lựa chọn hoàn hảo để tạo ra một hình ảnh phức tạp, đầy đủ, và đó chính xác là những gì mà khẩu súng lục Annies cũng đạt được khi ra mắt. Một nỗ lực hợp tác thực sự về mặt sáng tác, hiệu suất và xây dựng một nhân cách riêng biệt, địa ngục thành công vì cách Lambert, Angaleena Presley và Ashley Monroe thống nhất về tầm nhìn của họ. Rằng họ thành công trong việc đáp ứng mục tiêu này chỉ sau 30 phút, giá trị của vật liệu là một trò lừa bịp. Vì vậy, phần lớn đất nước đương đại bị sa lầy trong việc viết tay vô nghĩa về tính xác thực, dẫn đến một loạt các ca sĩ có thể thay thế, những người làm ít hơn những danh sách các dấu hiệu nông thôn trong những nỗ lực không hiệu quả để thiết lập tín nhiệm của đất nước. Súng lục Annies don lồng làm phiền với bất kỳ điều đó; Hell on gót là một album giao dịch rất nhiều trong Artifice, và nó là tất cả tốt hơn cho nó. Jonathan Keefe

76. Titus Andronicus, bi kịch đáng tiếc nhất

Nếu bạn nghĩ rằng những vở nhạc kịch rock dài 90 phút về các nhân vật có tính cách chia rẽ đã lỗi thời ngay sau khi WHO đưa ra Quadrophenia vào năm 1973, thì bạn có thể đúng. Nhưng một khái niệm quá đáng kể như vậy đã không có trong một thời gian dài đến nỗi nó dường như trở thành nhạc punk, và Patrick Stickles và Titus Andronicus, những người mang đuốc hiện đại của các punk DIY, đã được chứng minh, một cách rõ ràng, rằng hai ý tưởng không tương thích với Bi kịch than thở nhất. Được xây dựng xung quanh một cốt truyện đại diện cho các cuộc đấu tranh của Stickles với Rối loạn lưỡng cực, ban nhạc thích nghi, trên 29 bài hát, một cái nhìn rộng hơn về Rock 'n' Roll hơn bao giờ hết, từ Hardcore của răng (Tôi đang phát điên lên) đến Springsteen- Lấy cảm hứng từ nhạc rock băng truyền cảm hứng (tôi đã đánh mất tâm trí của mình, lỗ hổng chết người nghiêm trọng) cho bản ballad piano đầy kịch tính (Hồi Không có Phần V trong tương lai). Bi kịch đáng yêu nhất là một album nhạc rock cổ điển, hoành tráng, theo nghĩa định dạng radio. Cảm ơn Chúa rằng Titus Andronicus đã không ngại ngùng trước sự hào hoa và hoàn cảnh mà một cam kết như vậy đòi hỏi. Winograd

75. Cơ hội rapper, sách tô màu

Coloring Book thông báo rằng tác giả sớm của 2013 Acid Acid Rap đã phát triển chắc chắn, cung cấp cho kiệt tác phúc âm Kanye đã hứa nhưng đã không giao hàng. Ca khúc mở đầu được sản xuất ở phía tây Tất cả chúng ta đã kết nối cuộc đảo chính của Chance với giai điệu chiến thắng được theo đuổi trên bản mixtape đa dạng này, với rapper 23 tuổi nghe có vẻ rất vui khi được rap, anh ta gần như phá lên tiếng cười vui vẻ trên dòng mở đầu của mình . Phần còn lại của cuốn sách tô màu cũng không thể thay thế, được đóng gói với cảm giác vui vẻ truyền nhiễm Hip-Hop thường thiếu, trong khi vẫn cố gắng chèn trọng lực thực sự vào những thời điểm thích hợp. Cataldo

74. Bon Iver, Bon Iver

Wisconsin breeds crazy, but it also allows for glimmering brilliance. There are flashes of both in Bon Iver, the connoisseur’s choice vehicle for robotripping. Justin Vernon’s second album boldly sheds For Emma, Forever Ago’s sequestered, no-fi realness in favor of a thawing, immersive, yet still remote existence outside of the cabin—though admittedly naming all the songs for near and distant locales may have been a tad too on point. While clearly some fans would have preferred everyone’s perceptions remain gruffly unaltered, others found it within their Movember hearts to allow this acoustic Robert Bly a chance to tap into his secret Björkian loins. Henderson

73. Japandroids, Celebration Rock

To dismiss Japandroids as milking middle-aged white-guy nostalgia is to miss entirely the broad populism that drives Celebration Rock. Songs like “The House That Heaven Built” and “Adrenaline Nightshift” are all about looking at even seemingly inconsequential interactions as an opportunity for deep, personal connections, and then asking if there’s anything that could possibly be more enduring or important. The duo’s massive, perfectly constructed hooks, which build to rousing sing-along choruses, only reinforce the idea of shared experiences. Ultimately, Celebration Rock isn’t about empty nostalgia, but about being truly present in what’s happening now. Keefe

72. The Knife, Shaking the Habitual

Dense, visual, and unapologetically aimless, its social conscious half-concealed below a mixed artifice of ubiquitous and macabre imagery, Shaking the Habitual is probably the album David Lynch had in mind when he made Crazy Clown Time. A combination like that could easily be clunky in the hands of a lesser band, but the Knife has always possessed an innate ability to make their creepy inclinations sound both pretty and interesting. Thus, when broken, nightmarish chimes and Karin Dreijer Andersson’s androgynous drone come slinking out of the fog four minutes into “A Cherry on Top,” it’s like a sonic Grand Guignol, as captivating as it is frightening. Liedel

71. Mitski, Be the Cowboy

Only three of the 14 tracks on Mitski’s Be the Cowboy exceed two-and-a-half minutes, but the Japanese-American singer-songwriter manages to pack so much into those scant running times that they play more like miniature suites. It’s this laser-like focus that makes the album so likeable and engaging in spite of its dark lyricism. Producer Patrick Hyland almost completely avoids adding any effects to Mitski’s voice beyond basic reverb, shining a spotlight on the singer that plays up her vulnerability. This is an effective strategy for the album’s close-to-the bone subject matter, which is often overtly sexual—but not necessarily sexy. Even as she continues to explore the dark parts of her soul lyrically, Mitski sounds more confident than ever. Winograd

70. Purple Mountains, Purple Mountains

Purple Mountains is nothing short of a suicide note from erstwhile ’90s indie-rock stalwart David Berman, who was found hanged in his apartment less than a month after the album’s release. This long-gestating batch of songs—the first new music from Berman since the breakup of the Silver Jews in 2009—is downright rollicking at times, like on the barrelhouse “That’s Just the Way That I Feel” and the bouncy “Storyline Fever.” Which almost makes the lyrics more chilling. Reading them on the page, Berman’s hopeless state of mind couldn’t be clearer: estrangement from his wife on “She’s Making Friends, I’m Turning Stranger,” existential dread on “Margaritas at the Mall,” and any number of one-liners throughout that practically telegraph Berman’s impending suicide. It would make for a completely perverse listen if it weren’t for the sensitive, utilitarian production by Woods’s Jarvis Taveniere and Jeremy Earl, who populate the album with chummy acoustic guitars, simple, clinical guitar and synth lines that sound like grinning through tears, and Berman’s flat, laconic delivery, which blurs the line between sincerity and sarcasm. Talk about whistling past the graveyard. Winograd

69. Crystal Castles, Crystal Castles

Crystal Castles’s second album found the Toronto duo wisely softening their palette from harsh, experimental throwaway pieces to a decidedly gentler brand of electronic pop. Whereas their debut often smacked of a noisy, one-note, look-how-clever-we-are tantrum, their second self-titled album is subtly layered: reflective and dreamy but also tense and conflicted, full of crisp, Atari-inspired severity (“Birds,” “I Am Made of Chalk”), pristine, starry melodies (“Celestica,” “Suffocation”)—ultimately a restless balancing act between the grim and the sanguine. In the divide between the lo-fi and the polish, the artistic gulf between Ethan Kath and Alice Glass is beautifully represented—he as the architecturally minded shut-in and she as the unpredictable, aggressive noise-punk performer. The album is taut with a ferocious give-and-take energy, and it’s the very antithesis of a sophomore slump. Liedel

68. Miguel, Wildheart

Hopscotching from cooing love ballads and tormented identity anthems to salacious hook-up fantasies and grimy hate-sex confrontations, Wildheart seems for most of its length like a breakup album, a wide-spanning post-mortem on one relationship’s intense highs and lows. This impression persists until the clouds part on the closing track, “Face the Sun,” a declaration of renewed dedication that recontexualizes everything that’s come before it, confirming this grab-bag collection of emotionally turbulent material as a single defined statement on the shaky equilibrium of sustained commitment. All this on an album that simultaneously taps into the wistful mythos of California’s equivalently dramatic hills and valleys, where starry-eyed dreams and old ghosts commingle to form the evocative backdrop to this tumultuous tale of modern romance. Cataldo

67. Tune-Yards, whokill

Merrill Arbus is theatrically, radically, self-reflexively weird, but she’s also the rare example of an artist earning that distinction completely. She goes about justifying her style in the same way she justifies her rampant borrowing from African polyrhythms, vocal approaches, and percussion, an activity many artists have engaged in recently with far less originality or success. In both respects, there’s the sense that a uniquely creative mind is behind all this, turning what could be dissonant, irritatingly obtuse music into something fascinatingly daffy instead. Cataldo

66. Sheer Mag, Need to Feel Your Love

Sheer Mag’s Need to Feel Your Love is a stiff punch in the mouth that chews up anachronistic forms from the 1970s—disco, soft rock, arena rock—and spits them back out as something urgent and dangerous. Opener “Meet Me in the Street” is the most ferocious, teeth-rattling rock protest song in recent memory, powered by Kyle Seely’s furious fuzzed-out riffing and Tina Halladay’s piercing, throat-shredding vocals. Revolutionary fervor abounds: On one of the album’s most memorable cuts, Halladay warns “rich men in their white skin” to “expect the bayonet.” But even when she’s just singing about fucking (the deeply soulful title track and the the disco burner “Pure Desire”) or plugging in and rocking out (the righteously pissed “Turn It Up”), Sheer Mag attacks their material like a raging inferno. Winograd

65. Sleigh Bells, Treats

Already dubbed by many as the Loudest Record of All Time, Treats isn’t so much about volume as it is about conveying the raw energy of barely contained sound. Playing as though it were recorded entirely from within the guts of a dilapidated amp, the album is a constant tug of war between Alexis Krauss’s sweetly sung vocals and Derek Miller’s thrashing grain distortion. It’s as if the homecoming queen and the headbanger you knew from high school formed a band and decided to violently mash their discrepant tastes together. Thus, we get gems like “Tell ‘Em,” which somehow finds room for an unapologetic hair-metal guitar line, pounding wet-snap percussion, and a kick-ass cheerleader chant all in one three-minute track. And yet, as something like the chilled “Run the Heart” proves, Sleigh Bells has also mastered the ability to dial back the sonic shredder in favor of subtler dynamics, thus lending Treats more than just the benefit of eardrum-punching power. Liedel

64. Jay-Z, 4:44

Jay-Z’s 4:44 anticipated 2017’s most important trend: how the court of public opinion would overturn the cultural regression of the 2016 election by finally waking up to the realties of bigotry, misogyny, intolerance, and hate. But that’s only half the story, because 4:44 is also a response to fellow White House exile Beyoncé, whose 2016 album, Lemonade, publicly pilloried Jay for infidelity. The twinned purposes of a political and a personal manifesto lead to an outpouring of knowledge, whether it be the suggestion that the best way for successful black people to escape the pervasiveness of institutionalized racism is by investing in the future of their culture, and their family, or the dedications to the women in Jay’s life, including his closeted mother, the wife he knows he wronged, and the daughter he’ll one day have to explain his actions to. The album ends with “Legacy,” delivering a universal message: The desire to see beyond the present troubles and plan for what comes next. Mac

63. Nick Cave and the Bad Seeds, Skeleton Tree

Over a nearly 40-year career, Nick Cave has crooned dew-eyed love poems, bellowed profane murder ballads, and preached about God, but he’d never been forced to reckon with personal tragedy through his music until his 15-year-old son, Arthur, fell from a cliff and died in Brighton last year. It follows, then, that the album resulting from this tragedy stands alone in Cave’s vast and impressive catalogue as his most experimental, spellbinding, and emotionally devastating work to date. Cave doesn’t explicitly address Arthur’s death, largely couching the event in lyrical abstraction and some of his usual menace on tracks like the swirling drone “Jesus Alone.” But his grief comes pouring out on a trio of album-closing ballads, most notably the towering “I Need You,” on which the singer displays a level of emotional vulnerability that’s as borderline uncomfortable as it is profoundly moving. Winograd

62. Chìa khóa đen, anh em

Nếu có một bài học để học hỏi từ anh em, hãy để nhạc blues nghe tốt hơn. Dan Auerbach và Patrick Carney giải quyết tất cả các mặt hàng chủ lực thông thường của thể loại với sự nhiệt thành và giận dữ, đặt một vòng quay đương đại gồ ghề trên blues và tâm hồn cổ điển. Đi theo cách mà Auerbach giận dữ về những mối tình lãng mạn trở nên tồi tệ trong nhóm Next Next Girl, sự giao hàng được kết hợp của anh ta chỉ khuếch đại niềm đam mê mà anh ta mang lại văn xuôi của mình. Và trên Light Everlasting Light, falsetto mới của anh ấy hoạt động như một sự tương phản cao siêu với cuộc diễu hành của cây đàn guitar bị méo mó. Đây là thứ gắn kết nhất mà các phím đen từng nghe như một đơn vị, bộ đôi này được hưởng lợi rất nhiều từ phương pháp sản xuất DIY, và anh em cảm thấy như mứt lỏng lẻo nhất cho đến nay. Huw Jones

61. Jessie Ware, tình yêu khó khăn

Nỗ lực học sinh năm hai của Jessie Ware, Tough Love, không chứa những người độc thân rõ ràng và đỉnh điểm của lần ra mắt của cô, nhưng nó không cần họ. Toàn bộ album cưỡi một rãnh tội lỗi, từ The Breezy, Keep On Lie Lied và một trò chơi sủi bọt, nhẹ nhàng, đôi khi có thể là một bài hát ngọt ngào nhất của bài hát ngọt ngào nhất và bài hát chủ đề của Prince-esque. Và trong khi ảnh hưởng của Hoàng tử chắc chắn có thể được cảm nhận ở đây, thì nó ít được phát âm hơn nhiều so với sự tận tâm; Một touchstone chính xác hơn sẽ là SADE. Vượt thời gian là một thuật ngữ thường được gắn vào âm nhạc của Ware, và đó là một điều thích hợp: Tình yêu khó khăn có thể được phát hành tại bất kỳ thời điểm nào trong 30 năm qua và vẫn còn âm thanh tích cực, không khí hiện đại, im lặng và R & B cổ điển của nó chạm vào Ware của Ware dẻo dai, giọng nói cảm xúc. Cinquemani

60. Sturgill Simpson, Hướng dẫn viên thủy thủ đến Trái đất

Sturgill Simpson đã mô tả một hướng dẫn viên thủy thủ đến Trái đất là một bức thư tình cho cậu bé và vợ của tôi, nhưng album không phải là người bị treo trên tình cảm. “Làm như tôi nói/Đừng làm như tôi đã làm, anh ấy hát cho trẻ sơ sinh của mình trên Cố giữ giữa các dòng, anh ấy bảo anh ấy ở lại trường và tắt ma túy, một chút lời khuyên về cuộc sống bằng cách tự truyện . Hướng dẫn của Thủy thủ trên Trái đất cũng có một nhà hàng ở Columbia-Coffeehouse tham gia vào Nirvana's In In Bloom, một cuộc đua chống chiến tranh của Call Call to Arm có hồn. Một bước tiến lớn khác trong sự phát triển âm nhạc của Simpson, album tiếp tục định vị nhạc sĩ mệt mỏi trên thế giới với tư cách là người ngoài vòng pháp luật, người có động thái kỳ lạ nhất đang bắt đầu một gia đình. Jonathan Wroble

59. Björk, Utopia

Sau album chia tay 2015 tàn khốc về mặt cảm xúc của cô, Vulnicura, Björk trở lại với hạnh phúc với sự không tưởng hùng vĩ. Kéo dài qua mốc 70 phút, album ngổn ngang này mang đến trải nghiệm cảm giác được trang trí bằng sáo và đàn hạc và bị đẩy vào sự sung sướng siêu phàm của ca sĩ-nhạc sĩ của người Iceland, một cách phát âm khác trong các bài hát xuất hiện xa lạ ở đầu tiên nhưng khi lặp đi lặp lại Điều đó dường như được rút ra từ một lĩnh vực ý thức tập thể. Tôi cảm thấy hạnh phúc khi tìm thấy Björk say sưa trong sự hồi hộp của sự mê đắm, mô tả một người yêu mới là một người mà cô ấy hôn với toàn bộ miệng của mình, ngay cả khi cô ấy duy trì sự tự nhận thức đủ để tự hỏi, tôi đã yêu tình yêu với tình yêu? " Tuy nhiên, trong sự hưng phấn của mình, cô ấy không hoàn toàn từ bỏ mặt tối của sự lãng mạn. Cuộc chia tay đau đớn, từ chồng Matthew Barney, thông tin rằng Vulnicura, biểu hiện một lần nữa trên Cô ấy yêu cầu trẻ em thoát khỏi những người cha của những người cha, một khái niệm trước cho một kỷ nguyên cuối cùng được tính toán với sự nam tính độc hại. GOLLER

58. Cardi B, xâm phạm quyền riêng tư

Album đầu tay của Cardi Biên, Invasy of Privacy, được ướt đẫm chi tiết tự truyện, liên tục vẽ một dòng từ sự khởi đầu khiêm tốn của cô đến vai trò hiện tại của cô là một rapper theo yêu cầu. Nhưng album làm cho một vòng cung dường như dễ nhận biết cảm thấy mới mẻ, một phần vì quan điểm và kinh nghiệm phụ nữ độc đáo của cô. Những câu chuyện về sự giàu có của Hip-Hop, cộng hưởng vì họ cho phép người nghe tưởng tượng mình là người quét, máy bay chiến đấu và người chiến thắng. Cardi biết điều này, và nhiều như album này là về người nổi tiếng của chính cô, nó cũng tìm cách trao quyền cho khán giả của cô, đặc biệt là phụ nữ. Tôi đã sửa răng, anh bạn, những bình luận đó đã từng giết tôi/Nhưng tôi chưa bao giờ thay đổi, không bao giờ xấu hổ, cô ấy rap. Trong một dòng duy nhất, cô thể hiện một lỗ hổng đặc biệt nữ tính, thừa nhận sự bất an của chính mình và nhân đôi sự kiên trì không khoan nhượng của cô. Cardi trèo lên từ phía dưới, và xâm phạm quyền riêng tư là một bản nhạc cho bất cứ ai mơ ước làm điều tương tự. Josh Hurst

57. Blood Orange, Cupid Deluxe

Nỗ lực học sinh năm hai của Blood Orange, tự hào mặc tình cảm của mình đối với kỷ nguyên thủy ngân giữa những năm cuối thập niên 80 và đầu thập niên 90, khi Pop, hip-hop, nhà và R & B bắt đầu cùng tồn tại trên đỉnh của bảng xếp hạng. Album phát như những câu nói ướp lạnh cho Hoàng tử được giao bởi một Lothario đã được giao hàng và dị thường ẩn náu trên gác xép thành phố của mình, sự cô lập của nó dường như tự áp đặt. Hynes lo lắng, có giọng mũi tự thể hiện mình là một người ngoài cuộc phản đối những đứa trẻ lạnh lùng đặc quyền, tự trút bỏ mình trong một số miền tư nhân để tạo ra một lời quở trách đầy giận dữ, hôn nhân cho cả bạn gái cũ và những kẻ bắt nạt. Sau khi từ những viên thuốc cay đắng là bữa tối của ven biển Thật vậy, mỗi rãnh Chillwave trên Cupid Deluxe đều nhuốm một loại nọc độc tuyệt vọng, và những lời mời độc ác nhất được đệm bởi những giai điệu ngọt ngào, ngọt ngào. Nói dối

56. Máy chiếu bẩn, Swing Lo Magellan

Không hy sinh quá nhiều vào sự phức tạp âm nhạc, David Longstreth cung cấp các album ngày càng nhiều với mỗi năm trôi qua. Lấy năm 2012, Swing Swing Lo Magellan, một nỗ lực thẳng thắn hơn so với năm 2009 Bit Bitte Orca. Longstreth được nhiều người sắp xếp giọng hát có nguồn gốc trung theo của Longstreth vẫn còn lôi cuốn, nhưng chúng ít có khả năng quay đầu bạn trong khoảng thời gian này, ngay cả trên những người nói tốt: Sắp xếp đơn giản hơn chiến thắng trong ngày, và Swing Lo Magellan là đĩa chiếu sáng nhất của máy chiếu bẩn cho đến nay . Người chơi nhạc rock-rẽ (con của Cantical là trống rỗng), thiền do piano dẫn đầu (câu hỏi không thể tin được), và cực khoái sừng (đối với Caesar) đều là những người chiến thắng, nhưng những người dẫn đầu là những người dẫn đầu nhiều hơn sự chú ý của Cursory: Gun Gun không có kích hoạt, người ta thấy Longstreth nghe có vẻ giống như một dàn hợp xướng và giống Thom Yorke hơn. Nói cách khác, thì bát nước mắt cuối cùng cũng có vẻ như thuộc về anh ta. Chắc chắn, lời bài hát của ban nhạc vẫn bao gồm các động từ như Red Redact. Nhưng những gì với tất cả các sự sắp xếp kéo dài và hát theo chân âm thanh, Longstreth, đột nhiên trở thành một nhạc sĩ chứ không phải là một pháp sư. Nó là một thủ thuật gọn gàng. Ted Scheinman

55. Cha John Misty, con yêu con, mật ong

Không ai khác tạo nên âm nhạc như Josh Tillman, cha của John.a. John Misty, một nhà lãnh đạo giả, người kết hợp một ca sĩ-nhạc sĩ, thẩm mỹ tha thiết với Hoàng tử Flamboy và một tài năng châm biếm như khô khan. Tôi yêu bạn, Honeybear, thực sự hấp dẫn, thực sự vui nhộn, những người Tillman đóng vai người anh hùng dân gian và Ballade châm biếm bình đẳng. Khi anh ấy quay những câu chuyện cao về âm thanh chê bai cả sự bất khả thi của tình yêu và sự bất khả thi của cuộc sống mà không có nó, không rõ liệu Tillman có biết nhân vật của mình kết thúc ở đâu và anh ấy bắt đầu, tạo ra một tượng đài sống cho người nổi tiếng âm nhạc thế kỷ 21, một sự pha trộn kỳ quái của Tài năng, xưng tội và che giấu. Làm thế nào phù hợp mà anh ấy đã tăng lên sự chú ý của quốc gia khi thực hiện bản ballad Ennui của mình ở Hoa Kỳ. Trên Letterman, có một cây đàn piano cầu thủ, một ca khúc cười và những trò đùa về các khoản vay dưới chuẩn. Giống như màn trình diễn nổi tiếng đó, tôi yêu bạn, Honeybear ngay lập tức bi thảm, chân thành, cathartic, và vô cùng hài hước, chứng tỏ câu ngạn ngữ cũ: Có một chút khác biệt giữa tiếng cười và nước mắt. Jesse nee-Vogelman

54. Drake, chăm sóc

Drake cuối cùng đã lớn lên với sự chăm sóc, làm cho hầu hết những nghi ngờ làm tê liệt khiến anh ta trở thành một nhân vật hấp dẫn nhưng không quan trọng trong quá khứ. Album tạo ra một sự pha trộn hoàn hảo giữa sự tự tin và sự nhạy cảm, tiết lộ những bài hát lớn, kiêu ngạo của nó với những biểu hiện không kém phần không chắc chắn của lo lắng thần kinh. Anh ta vẫn không hoàn toàn thoải mái với sự nổi tiếng mới của mình, nhưng trong nỗ lực được sản xuất một cách vô tận này, được bao quanh bởi những vị khách hàng đầu, đôi khi anh ta nghe có vẻ gần như hài lòng với chính mình, ngay cả khi anh ta tiếp tục đấu tranh với những bóng ma kéo dài và bất an và cảm giác tội lỗi. Cataldo

53. Cuộc chiến chống ma túy, bị mất trong giấc mơ

Cuộc chiến chống ma túy có một gốc rễ rõ ràng trong những gì có thể là thương hiệu chính nhất của American Rock. Đó là một dòng nhạc blues bóng mượt, vênh vang được tinh chế bởi những viên đá và mùa xuân và những người tài năng kém tài năng, tất cả đều bị cuốn hút vào sự lãng mạn của con đường và những nỗi buồn của nó Ý nghĩa thiết yếu của u sầu. Nó có một chế độ mà bây giờ đã được giao phần lớn để nhại lại và phân rã sáng tạo, nhưng một album như Lost in the Dream Again cho thấy rằng ảnh hưởng không phải là áp bức. Nó có sức mạnh khi nghe thấy ban nhạc Philadelphia thoát khỏi bất kỳ sự dũng cảm kéo dài nào trong những huyền thoại này, định vị một số yếu tố cần thiết của sự kiệt sức và tước bỏ mọi thứ xuống nỗi buồn cơ bản, vốn có của hình thức, trên các bài hát dài kéo dài bất lực về một số kết luận không chắc chắn. Cataldo

52. Internet, Tâm trí Hive

Lúc đầu, Lắng nghe, R & B phòng ngủ bị ảnh hưởng của Jazz trong album thứ tư của Internet, Hive Mind, đã bị loại bỏ so với công việc trước đây của ban nhạc Los Angeles. Nhà sản xuất và đa nhạc cụ Matt Martians vẫn chuyên về ánh nắng mặt trời, hơi lạc lõng Neo-Neo-Soul, đặt những chiếc chăn âm thanh tươi tốt cho ca sĩ Sydney Bennett, a.k.a. Syd, để sang trọng. : Bảy năm sau khi ra mắt với tư cách là một nhánh của ALT-HIP-HOP Future Future, Internet giờ đây nghe có vẻ giống như một đơn vị âm nhạc. Bản thân các bài hát là tác phẩm của cả năm thành viên, không chỉ là phương tiện cho một ca sĩ lôi cuốn. Kết quả là album đa dạng và hiệp đồng đa dạng nhất internet cho đến nay. Zachary Hoskins

51. Tiết lộ, giải quyết

Từ tưởng tượng vũ trường của những ký ức truy cập ngẫu nhiên của Daft Punk, cho đến nhạc nền của Roller-Rink là Classixx, Hanging Gardens, 2013 là một năm tốt cho album khiêu vũ. Tuy nhiên, không có mục nhập nào là không bị ràng buộc hoặc không được tiết lộ như tiết lộ. Anh em Guy và Howard Lawrence không cảm thấy bắt buộc phải tưới xuống thị hiếu nhà của họ, dẫn đến những vết cắt cơ bắp, sôi nổi như Latch Latch, Hồi nơi bộ gõ mở ra và ngắt như một cái bẫy gấu được kết hợp, và một tháng một Jam có bassline lặp lại nhanh chóng là tình dục thuần túy. Tiêu đề album, sau đó, không phải là một khuyến nghị cho sự bình tĩnh, nhưng anh chị em Lawrence đảm bảo người nghe, thư giãn, chúng tôi đã nhận được điều này. Nói dối

50. Frank Ocean, Tóc vàng

Frank Ocean, cô gái tóc vàng là một album gắn kết hơn là một bộ sưu tập các ý tưởng đẹp, được đánh bóng. Bài hát ấn tượng của nó thường làm nhiều hơn để gây nhầm lẫn cho bản sắc của Ocean hơn là tiết lộ nó: Đặc điểm của Nik Nikes và những người nổi bật, lạc quan, nổi bật với các hiệu ứng giọng hát và lời bài hát lảng tránh, trong khi đó, White White Ferrar Vòng lặp giọng nói, synths xung quanh và guitar ngẫu hứng. Hơi ấm về mặt âm thanh nhưng theo chủ đề, tóc vàng là một đánh giá đầy thách thức, hấp dẫn về một trong những người sáng tạo âm nhạc nhất, và theo cách của nghệ thuật thực sự, nó thu hút sự chú ý hơn đến quá trình của anh ấy hơn là tính cách của anh ấy. Wroble

49. Lucinda Williams, Ghosts of Highway 20

Ghosts of Highway 20 là một album khái niệm lỏng lẻo về mặt phong cách và theo chủ đề đủ để phục vụ như một bản tóm tắt phù hợp của toàn bộ di sản âm nhạc và văn hóa của một phần của đất nước xung quanh liên bang phía nam sau đó nó được đặt tên. Ở gần 90 phút, bao gồm các thể loại từ nhạc jazz đến phúc âm và các chủ đề từ sự hài lòng lãng mạn đến tay cầm băng giá, nó chắc chắn trải dài đủ cho điều đó. Nhưng hai yếu tố gây xáo trộn, Lucinda Williams, giọng nói nhám không ngừng của Lucinda Williams, và đặc biệt là tác phẩm guitar xuất sắc của Bill Frisell và Greg Leisz, đã giữ cho album phạm vi ra khỏi tầm tay. Khác với một số pháo hoa thoáng qua ở gần cuối của dụng cụ mở rộng, tự do, Dust Dust, Hồi Frisell và Leisz don lồng lơ lửng, và họ đã tránh được những người Mỹ Twangy Americana cũ mà những bài hát này dường như sẽ gọi. Thay vào đó, họ thêm khí quyển âm thanh mượt mà, âm thanh xung quanh các cạnh, cho phép các bài hát câu chuyện có chủ ý, có chủ ý để thở với sự lộng lẫy. Winograd

48. Thom Yorke, Anima

Cả hai nỗ lực solo trước đây của Yorke, 2006, The Eraser và 2014, ngày mai, các hộp hiện đại, thiếu sự gắn kết âm nhạc và trữ tình, chưa kể đến Sonic Punch, đã thúc đẩy tác phẩm hay nhất của Radivead. Giống như những album đó, Anima chủ yếu là Eschews Guitar hoàn toàn; Chỉ có album gần gũi hơn, Runwayaway, có một âm thanh guitar rõ ràng, và thậm chí cả điều đó đã được xử lý rất nhiều. Nhưng Anima vẫn đạt được một âm thanh và chủ đề thông qua dòng. Album của nhóm nhạc của Lyrical Techno-Dread với âm nhạc điện tử khắc khổ, ma quái là thỏa mãn đáng lo ngại. Lời bài hát được gợi lên trong nền kinh tế của họ, và thay vì cảm thấy như các bài hát hướng dẫn, sự sắp xếp cảm thấy đầy đủ hơn so với các album trước đây của Yorke. Seth Wilson

47. LCD SoundSyTem, điều này đang xảy ra

Âm nhạc được thiết kế riêng cho trái tim yêu eno của tôi. Không giống như một ngày bị đánh giá thấp khác trên trái đất, điều này đang xảy ra là một thanh lịch điên cuồng đối với một người đàn ông làm tê liệt Ennui. Đây không phải là một bản thu âm về mặt cảm xúc như âm thanh của bạc, nhưng nó không muốn. Mặc dù vậy, nó không thể nghi ngờ ảnh hưởng, một cách kỳ lạ, ném bom và cộng hưởng với sự mất mát, nghi ngờ bản thân và hối tiếc. James Murphy là một người đàn ông tương tự hơn là các chàng trai của con chip nóng bỏng, nhưng giống như họ, anh ta khăng khăng liên kết những âm thanh lạc quan với những cảm xúc lạc lõng, thắt nút khát vọng và nỗi sợ hãi của anh ta để tạo ra một âm thanh gây tổn thương một cách khó hiểu và đẹp đẽ. Ed Gonzalez

46. Kacey Musgraves, Golden Hour

The effortless serenity with which Kacey Musgraves presents her fourth album, Golden Hour, mirrors the country artist’s current romantic contentment. The singer-songwriter offers outright love songs to her new husband in the album’s title track and “Slow Burn,” on which she rejoices in settling down into a quieter, more peaceful life. While the album primarily relies on gentle acoustic guitar and Musgraves’s tender vocal, “Oh What a World” unexpectedly pairs Vocoder with pedal steel and Musgraves deviates from country-tinged folk entirely on “High Horse,” which is infused with a breezy disco pulse. What the album lacks in edginess it makes up for with a dizzying sense of sweetness that’s never cloying. Musgraves wields her voice subtly and precisely, never belting it out like so many of her country contemporaries. A refreshing embrace of simplicity and mindfulness in response to a world that keeps moving faster, Golden Hour hinges on the imperative of allowing ourselves the space to feel happiness. Goller

45. Fiona Apple, The Idler Wheel…

The Idler Wheel… is by far Fiona Apple’s most dense and ambitious album. The idiosyncrasies of her songwriting only heighten the impression that she’s just winging it when she walks into the studio. “Left Alone” captures both her tendency to prioritize wordplay over coherence (she rhymes “orotund mutt” with “moribund slut”) and her ability to write a gut-check of a line like “How can I ask anyone to love me/When all I do is beg to be left alone?” The arrangements convey a sense of spontaneity and fearlessness; it’s a busy album from a production standpoint, but it’s to Apple and co-producer Charley Drayton’s credit that it doesn’t sound overworked. The album’s tone is one of urgency, of needing more than anything to make these exact statements at this exact moment. To that end, The Idler Wheel… captures what’s made Apple one of the defining artists of her generation: a persona that’s reflected changing views of private versus public spheres. The results have often been misunderstood, but Apple has continued to present herself as someone who refuses to resort to niceties of tact or self-censorship when she engages with her audience. Keefe

44. Arcade Fire, The Suburbs

As the group learned on Neon Bible, it’s difficult to strike a balance between sweeping musicianship and pretentiousness. Just as Arcade Fire began to settle into their rock-star pomp, the knives were out and all of a sudden the seven-strong Montreal outfit had an overblown and grandiose sound. The Suburbs doesn’t necessarily fly the flag for a back-to-basics approach though: Not only is there nothing basic about what is served up here, but their regression from Neon Bible’s pageantry takes them to a decidedly different sound than Funeral. Losing yourself in these labyrinthine arrangements is a joy, as are repeated visits to the utterly tremendous refrains from “Rococo” and the title track. The Suburbs seems to have everything, sashaying through innumerable sounds with the majesty of musicians at the very peak of their powers. Jones

43. St. Vincent, Strange Mercy

Strange Mercy thrives on the interaction between the said and the unsaid, with Annie Clark using her guitar to evoke the shuddersome feelings she can’t bring herself to vocalize. That means it has to make some pretty awful sounds, so Clark channels some of noise rock’s great guitarists (principally Steve Albini and Lee Ranaldo) to give voice to the voracious id lurking behind her coyly measured singing. Cole

42. FKA twigs, Magdalene

A distinct feminine energy pulses through FKA twigs’s shimmering sophomore effort, Magdalene. Coming off the back of a major public breakup with actor Robert Pattinson and a period of ill-health which left her creatively and physically depleted, twigs made it her mission—both in the writing of this follow-up to 2014’s LP1 and in the extraordinary wushu and pole training she undertook for her Magdalene tour—to embrace her pain. There’s little sense on Magdalene that twigs believes there’s an ideal way to be; all she can do is learn how to accept her own contradictions as a necessary part of growth. The album is a knotty meditation on the process of separating self-perception from public perception, and of twigs’s reclamation of her body and work as hers and hers alone. Richmond

41. Kanye West, Yeezus

As raw and straightforward as My Beautiful Dark Twisted Fantasy was sparkling and expansive, Yeezus was another self-deifying shrine to an artist so much more sensitive than his stature should allow, turning everything he releases into a messy blend of the personal and the political. Never has this been clearer than on stellar songs like “New Slaves” and “Blood on the Leaves,” which conflate personal and historical traumas into one chaotic mixture, communicating both the insidious, lingering effects of a racist culture and the unmistakable imprint of an artist who refuses to be quieted by his own insecurities. Cataldo

40. Cung điện Shabazz, Đen lên

Với màu đen, Shabazz Palaces đã xoay sở để đưa ra rap cả một trong những album thử nghiệm nhất và dễ nghe nhất, và khi làm như vậy, họ đã minh oan cho công việc chuẩn bị khổng lồ được thực hiện bởi những người tiên phong như De La Soul, Anti-Pop Consortium, Cloudead và The Phi hành đoàn Anticon. Các vần điệu lỏng lẻo, sôi nổi và não, nhưng sản xuất là thứ làm cho màu đen trở thành một kiệt tác như vậy. Ca khúc phía sau trên bộ quần áo mới của King King, được tạo ra bởi chính đôi tay của mình là một khối lượng, các vòng lặp của dàn nhạc có vẻ như bị rung chuyển khi nó chơi trò chơi và nó thật sâu sắc. Các tác phẩm âm thanh hấp dẫn thăng hoa, như album của các khẩu hiệu chính trị xiên, để nuôi dưỡng một ý thức vừa cá nhân và chia sẻ. Cole

39. David Bowie, Blackstar

Album cuối cùng của David Bowie, cũng có thể là kỳ lạ nhất của anh ấy, một bộ sưu tập ngắn gọn về các mảnh tâm trạng vượt trội gấp đôi như những vamp jazz miễn phí ngẫu hứng. Để phù hợp với thực tiễn nổi tiếng của mình về việc pha trộn bản thân, triết học não, và sự thể hiện ribald, Blackstar kết hợp như một bình luận về cái chết sắp xảy ra của nghệ sĩ trong khi cũng bao gồm nhiều chủ đề khác, một cách tiếp cận khiến cả hai hình thức sáng tạo cuối cùng của Bowie ngay lập tức Hiện tại và hoàn toàn tách rời, biến mất nhưng vẫn nói lại với chúng tôi từ phía bên kia. Từ một bản nhạc mở đầu mở rộng chủ nghĩa huyền bí kỳ lạ của Lodger đến một bản kết thúc viên một trong những bài hát chuyển tiếp lạc quan hơn, Blackstar duy trì sự tập trung bệnh hoạn, nhưng không bao giờ cảm thấy ảm đạm hay nghiêm trọng. Một cảm giác hy vọng thiết yếu đã ăn sâu vào album của album, trong đó quản lý để phát ra âm thanh cả khải huyền và lạc quan, một hành động biến mất cuối cùng cho phép âm nhạc nổi tiếng nhất của người ngoài hành tinh biến mất với phẩm giá, bí ẩn và sự hoảng loạn của anh ta. Cataldo

38. Vince Staples, Summertime ‘06

Vince Staples kích động cơn thịnh nộ của cảnh sát hip-hop với một tweet đã bác bỏ ảnh hưởng của kinh điển rap kinh điển đối với âm nhạc của anh ấy Hip Hop ?,), Nhưng trong album đôi tối, không ngừng, SummerTime '06, xứng đáng với chính kinh điển đó. Chắc chắn, việc sản xuất của nó tránh các mẫu và gãi cho nhịp điệu Latin (Hồi Senorita,), nhịp đập ảm đạm (Surf Surf), và các xung điện tử bị biến dạng Yeezus (Hang Hang N ' Vào tâm lý của người đàn ông da đen trẻ tuổi, mâu thuẫn về sự lãng mạn và đọc rap cho khán giả da trắng, những người không dám bước chân vào khu phố của mình. Giống như những huyền thoại rap mà anh ta nói thiên đường đã ảnh hưởng đến anh ta, các mặt hàng chủ lực đốt cháy quá khứ và tạo ra một âm thanh mà Lôi nguy hiểm hơn họ từng tưởng tượng về một câu chuyện hip-hop lâu đời như thể loại này. Rainis

37. Một bộ lạc tên là Quest, chúng tôi đã nhận được nó từ đây. Cảm ơn bạn 4 dịch vụ của bạn

Vẽ trong một loạt các vị khách nổi bật, 16 bản nhạc bóng mượt này phục vụ nhiều hơn một hành động hoài cổ, một sự tôn vinh cho người Phife quá cố, hoặc một cuộc đua cuối cùng cho các nghệ sĩ hip-hop collagist có sự kết hợp thể loại của phong cách khác nhau khiến họ trở nên khác biệt Từ những người đương thời của những năm 1990 và tiên phong rap thay thế theo chủ đề tích cực. Với những thành viên còn sống hiện đang ở độ tuổi 40, nhóm này không theo dõi các thủy triều đang thay đổi của văn hóa, thậm chí còn thừa nhận trên những đứa trẻ mà ngày nay, thanh niên làm những điều ngu ngốc mà những đứa trẻ luôn luôn làm. Tuy nhiên, bình luận xã hội tăng lên trong suốt chúng tôi đã nhận được nó từ đây, cảm ơn bạn về dịch vụ của bạn, rõ ràng nhất là thông qua bộ phim cố chấp khoảng năm 2016 của chúng tôi là những người của chúng tôi. Nhưng một bộ lạc được gọi là Quest không sử dụng nền tảng này như một cuộc biểu tình để chiếu sáng một cách nghệ thuật vào xã hội, những căn bệnh thông qua loại sản xuất hoàn hảo và câu thơ được chế tạo liền mạch mà chúng ta sẽ không bao giờ nghe từ họ nữa. GOLLER

36. Haim, một cái gì đó để nói với bạn

Nó có vẻ như là một thanh thấp để rõ ràng, nhưng lần cuối cùng một album nhạc pop-rock đã xoay sở để giữ cho nhịp độ lạc quan, bộ gõ lái xe và những giai điệu đáng nhớ trong hơn 30 phút? Album thứ hai của Haim, một cái gì đó để nói với bạn, quản lý kỳ tích. Di chuyển trình tự mở đầu nguyên sơ của nó đến cuối những năm 1970 hoặc đầu những năm 1980 và xem nó cạnh tranh một cách thuyết phục với những người giả vờ ra mắt, hay 1975 Fle Fleetwood Mac, hoặc thậm chí là các dòng song song của Blondie. Nhưng album của Haim đã ra mắt vào năm 2017, một thời gian mà các album nhạc pop không được biết đến với sự ngắn gọn, vì vậy nhóm đã kết thúc một vài bài hát, bao gồm cả một bản nhạc chính tự thỏa mãn, và một bài hát thánh ca của một Coda Coda Both Đáng yêu nhưng quyết định chậm hơn. Rất may, mức độ thủ công không bao giờ có tiếng , tát bass, và Linn Drum, và sử dụng tất cả các ảnh hưởng của nó để phục vụ các bài hát. Mac

35. Sufjan Stevens, Carrie & Lowell

Sufjan Stevens has had one of the most eclectic and ambitious, almost manic, careers in contemporary independent music. He’s written everything from a ballet score to a long-form symphony for the Brooklyn-Queens Expressway. All of which made 2015’s Carrie & Lowell something of a departure. He’s never produced an album this nakedly autobiographical, so stripped of complex conceptual trappings. If The Age of Adz harnessed Stevens’s limpid melodies to crashing electronica, Carrie & Lowell finds that electronic experimentation sublimated, emerging primarily in the album’s timing, which, like a click track, is more precise and mechanical than anything on Stevens’s purely folk efforts. Caldwell

34. SZA, Ctrl

Few recent debuts have been as consistent as that of SZA, who accomplishes the even rarer feat of constructing an assured album around themes of anxiety and self-doubt. Sleek and sly in its production, cool and certain in its lyrical articulation of nagging insecurity, Ctrl manages to bundle dull, quotidian concerns into a shiny pop package. SZA refuses to replicate familiar subject matter or deal in well-worn clichés, instead offering confessional personal narratives that also sound universal. These compress sprawling, diaristic accounts of struggle and confusion into models of songwriting concision, collectively detailing a sustained battle against perception and expectations. Most of these come courtesy of the singer herself, as tracks like “Clocks” and “20 Something” describe in fine detail the self-applied apprehension of time gradually bearing down on you. In a year when so many pop albums are produced by committee, via boilerplate templates paying lip service to hot-button issues, the frank airing of emotional concerns carried off on Ctrl feels entirely refreshing. Cataldo

33. Bat for Lashes, The Haunted Man

The Haunted Man is the least immediate of Natasha Khan’s art-pop albums. In particular, “Horses of the Sun” and “Oh Yeah,” one of only a few tracks not adorned by an orchestral arrangement, aren’t as initially inviting as the lush synth-pop offerings on 2009’s Two Suns. But your attention is greatly rewarded, as exquisite details like the softly chugging aquatic pulse that underpins album closer “Deep Sea Diver,” reveal themselves. Though the album lacks an obvious crossover hit like “Daniel,” a would-be smash single in a much cooler universe than ours, the muted, Brazilian-inflected guitar on lead single “All Your Gold” is reminiscent of the Luis Bonfá sample from Gotye’s ubiquitous “Somebody That I Used to Know.” Stardom, however, might be out of reach for Khan, as she seems to get a little bit closer to Earth with each new album. Cinquemani

32. Spoon, They Want My Soul

If Spoon’s previous albums cast them as experimentalists rooted firmly in the rock milieu, They Want My Soul is where they twist their classicist and post-punk influences into something stranger and headier. Britt Daniel strikes his “sensitive tough guy” poses, alternately trying to incite street brawls (“Let’s go get out in the street/Somebody’s gotta”) or falling desperately in love (“And if you say ‘run,’ I may run with you/I’ve got nothing else, I’ve got nowhere else”) over Spoon’s expanded textural vocabulary. Every noise is lovingly curated, whether it’s the screeching string figures that lend tension to “Knock, Knock, Knock” or the uncharacteristically wooly keyboards of “Inside Out” and “Outliers.” They Want My Soul is as complete a statement as Spoon has made, a testament to Britt Daniel’s ability to compose Beatles-esque melodies while his band casts them in thrillingly unfamiliar soundscapes. Rainis

31. Lorde, Pure Heroine

Few things are more dire than the lyrical scribbling of 16-year-olds, as my own buried marble notebooks can surely attest. But New Zealand teen Lorde manages to be both precocious and perceptively relevant on her debut album, a portrait of desiccated youth. Full of strikingly concise, surprisingly mature pop songs, Pure Heroine conveys the exhaustion of growing up in a hall of mirrors, the usual difficulties of identity formation further confused by the hollow expectations of a fame-obsessed, copycat culture. There’s nothing inherently groundbreaking here, the sort of rebellion that’s been into practice put by teen-pop artists for decades, but rarely have those proclamations been issued with such impressive articulation and grace. Cataldo

30. Robyn, Honey

Part of Robyn’s cult appeal resides in her ability to package candid, relatable, and often fragile emotions in beats that are the equivalent of Styrofoam peanuts; you might be dancing on your own, but the rush of epinephrine is both the reward and the remedy. In the past, she juxtaposed love songs like “Call Your Girlfriend” and “Be Mine!” with feminist-warrior anthems like “Fembot” and “Handle Me.” But the fembot persona has been scaled back on Honey, as Robyn more fully embraces the flesh-and-blood woman behind it. Or at least a facsimile of one: The way she sings “I’m a human being and so are you” on the tech-pop “Human Being” makes her sound like a cyborg marveling at its newfound consciousness. At nine lean but often seemingly formless tracks, Honey feels raw and incomplete, like a work in progress—and maybe that’s the point. For Robyn, making music is an ongoing exercise in expression, and when heartbreak threatened to silence her, she apparently let the songs do the talking. And the healing. Cinquemani

29. Solange, một chỗ ngồi tại bàn

Cuối cùng, chuyển ra khỏi rìa để đưa ra một tuyên bố cá nhân táo bạo của riêng mình, album thứ ba của Solange Knowles, là một bước đột phá rõ ràng, cả một phản ứng trang nghiêm, tự hào đối với chị gái của cô ấy, Opus gần như chia tay và thành tích độc lập nhất thời. Lấp lánh, linh hồn Magisterial với một tuyên bố sứ mệnh, album tập hợp một cuộc tranh luận mà công ty mà không bao giờ giáo huấn. Một chỗ ngồi trên bàn là một lời nhắc nhở rằng cuộc sống đen không chỉ là vấn đề, họ xuất sắc, truyền cảm hứng và chịu đựng, trong tất cả vinh quang phức tạp của họ. Một lễ kỷ niệm về văn hóa và lịch sử có chức năng như là câu chuyện cá nhân của riêng mình, album mà các bản vá cùng nhau một loạt các giọng nói khác nhau đại diện cho những trải nghiệm và quan điểm đen thông qua lăng kính của một nghệ sĩ được đảm bảo đơn lẻ. Cataldo

28. Hang Nick và hạt giống xấu, Ghosteen

Được phát hành bốn năm sau cái chết tình cờ của con trai 15 tuổi của ca sĩ Arthur, Nick Cave & The Bad Seeds's Ghosteen khám phá với sự hào phóng vô cùng của cái chết. Về mặt âm thanh, album không giống như những người tiền nhiệm của nó, đẩy bầu trời ra và cây xương, mỗi người được thúc đẩy bởi Warren Ellis, một cách kinh khủng, các bộ tổng hợp đập thay vì một phần nhịp truyền thống. Mặc dù hầu hết các cây xương được viết trước cái chết của Arthur, nhưng nó thường được hiểu là được đánh dấu bởi sự hiện diện ma quái nhờ vào những synth không trọng lượng, tìm kiếm. Và trong khi họ vẫn còn rất nhiều ở đây, Ellis và Cave tạo ra một lĩnh vực xung quanh nơi tất cả những sự mơ hồ của nỗi đau và hy vọng có thể tồn tại cùng một lúc. Richmond

27. Janelle Monáe, Máy tính bẩn

Janelle Monáe khẳng định rằng tình dục có thể cứu thế giới trên máy tính bẩn thỉu, và trong suốt album 14 14 Lusty, siêu thông minh, cô đưa ra một trường hợp hấp dẫn. Bây giờ, bạn đã đụ cả thế giới, chúng tôi sẽ đụ tất cả trở lại, cô ấy hát trên trò chơi vít, một đường đua chín muồi với bẩm sinh tình dục và một bản tóm tắt thẳng thắn của các vấn đề toàn cầu. Tình dục là quyền lực, Monáe lập luận, và biểu hiện của tình dục là tự do. Hoàng tử rõ ràng phục vụ như một ảnh hưởng (anh cũng đã làm việc với Monáe trong album trước khi anh qua đời), và cô khai thác những vị khách như Brian Wilson, Stevie Wonder , Ode Subrime của Mon Monee đến âm đạo. Monáe công khai bắt đầu xác định là pansexual kết hợp với album này, nhưng Dirty Computer ít hơn về bản sắc cá nhân của cô hơn là một lời kêu gọi chống lại những kẻ áp bức thuần khiết sẽ bao vây phòng ngủ, và một cuộc biểu tình gợi cảm để trao quyền cho việc trao quyền tình dục phổ quát. GOLLER

26. DiênAngelo và Vanguard, Black Messiah

Được báo cáo được ghi lại trên khoảng 200 ream băng tương tự, với nhóm của anh ấy vẫn đang làm toán về loại ngân sách nào hoạt động, Đen Messiah của D'Angelo luôn được làm việc, luôn được xử lý và hoàn thiện (theo cách không hoàn hảo đặc biệt của nó) , nhưng mang linh hồn và thô thiển như ít khác. Album có thể cảm nhận được đầy đủ sức mạnh trên một số người chết trên 1000 người chết, một tấm đá đầu máy bị biến dạng, phát hiện ra Questlove đã đánh bật ra pharaoh pharaoh, điệu nhảy của pharaoh. Album là một tiếng khóc được nhớ đến, một lần nữa có mặt và tính đến, một tình cảm không chỉ kéo dài đến D'Angelo, khẳng định lại bản thân và sự nghiệp của mình sau một thời gian dài vắng mặt, mà còn cho những người đàn ông và phụ nữ diễu hành trên đường phố xung quanh Đất nước với các dấu hiệu của người da đen. Trong số tất cả nhiều cách giải thích và ý nghĩa của nó, sự bất công xã hội, hay rộng hơn, tình trạng của cộng đồng da đen là chìa khóa, cả là chất xúc tác của bản phát hành đầy ngẫu hứng của Black Messiah vào năm 2014 và mối quan tâm chính của một album không chỉ trong chủ nghĩa trữ tình của nó, mà còn trong âm nhạc ngổn ngang của nó. Mac

25. Charli xcx, sự lãng mạn thực sự

Bản hit lớn nhất của Charli XCX, Icona Pop, tôi yêu nó, đồng sáng tác và giới thiệu ca sĩ U.K., đã được đưa vào lần đầu tiên của cô, True Romance. Điều này có thể giải thích một phần tại sao album, mặc dù được hỗ trợ bởi một nhãn hiệu lớn, hầu như không tạo ra một cú đánh trên radar chính thống. Nhưng album đầy ắp những cú đập nhạc pop tiềm năng, tiếng còi, lO-fi electro-pop của những người độc thân đầu tiên đã tránh xa các mùa hạt nhân và các mùa hạt nhân được bổ sung bởi bong bóng pop bong bóng bong bóng bong bóng bong bóng, sẵn sàng radio hơn trung tâm hơn, được bổ sung nhiều hơn về các bài hát như Take Take My Hand và Gold Panda Songpling của You You (ha ha ha). Kết quả là một pastiche hậu hiện đại của những giai điệu tổng hợp lấy cảm hứng từ thập niên 80 và 40 vùng nhiệt đới trữ tình hàng đầu tiêu chuẩn kết hợp với giọng hát thay đổi và tiếng gầm gừ, âm trầm dưới mặt đất từ ​​tận cùng của thế giới. Cinquemani

24. Ngôi nhà trên bãi biển, giấc mơ tuổi teen

Đó là những sọc trên trang bìa của giấc mơ tuổi teen của Beach House (nó giúp biết rằng một trong những đường ray được gọi là Zebra Zebra . Bản thân âm nhạc cũng gây nhiễu tương tự: giấc mơ tuyệt đẹp pop ngay lập tức nắng và bóng tối. Đây là những bài hát tình yêu đầy tâm trạng, đầy những ám chỉ hoa mỹ và tình cảm thất tình, một máy bay không người lái buồn vui lẫn lộn có được vẻ đẹp của nó từ mối quan hệ bị ràng buộc phức tạp giữa giọng hát Victoria Legrand Husky giống như Nico và Alex Scalley, không kém phần kết cấu âm nhạc. Nó giống như đi chơi bên trong một lều phúc âm bên bờ biển, một tia sáng chiếu sáng hy vọng của chúng ta qua những đám mây cumulonimbus sấm sét màu xám. Gonzalez

23. Lykke Li, những vần điệu bị thương

Ngay từ khi đi, Lykke Li, những vần điệu bị thương của Lykke Li, nhận được một số. "Thanh niên không biết đau." Thanh niên cung cấp nó. Slinging những dây thanh âm cứng nhắc của cô ấy như một truncheon, nữ ca sĩ người Thụy Điển chắc chắn biết cách đưa một bữa tiệc xuống, rụng và nài nỉ Đối với những người đàn ông của cô ấy trong tình yêu không được đáp lại, anh ấy đã rút lui vào một chiếc thùng rác bị nhiễm trùng hề buồn bã trong bản nhạc clip, caps im lặng của tôi. Nếu Betty đến được ngày tận thế cảm xúc của cô ấy khi nghe Rebekah del Rio, bạn có thể chắc chắn rằng tinh thần của Diane Selwyn giờ đây luôn bị xé toạc với các chủng mà tôi biết. Henderson

22. Carly Rae Jepsen, Cảm xúc

Cảm xúc, cảm xúc của Carly Rae Jepsen, đã được so sánh với Taylor Swift, 1989. Cả hai đều thu hút âm nhạc của những năm sáng tạo của họ được sinh ra để tạo ra những album pop gần như hoàn hảo mà bằng cách nào đó có vẻ đương đại. Tuy nhiên, có rất ít sự khác biệt chính mà phân biệt cảm xúc với bộ phim bom tấn retro của Swift. Đối với một người, những bài hát như Sax-Fueled, Run Run Away With Me, và R & B Slaight Jam, tất cả những gì đó (một sự hợp tác với Dev Hynes và Ariel Rechtshaid nghe có vẻ như được ghi lại vào năm 1985) Thập niên 80 theo cách 1989 chỉ gợi ý tại. Album của Jepsen rất tiến hóa hơn là sự tái tạo: Trong khi nguồn gốc đất nước của Swift được chà hiệu quả khỏi album mới nhất của cô ấy Có lẽ." Và với những câu thơ hơi thở, rãnh nhà sâu và giọng hát nổi bật, sự nổi bật của Blood Blood Blood cũng mang đến cảm xúc một điều gì đó vắng mặt một cách dễ thấy từ năm 1989: Kháng cáo tình dục. Cinquemani

21. Beyoncé, nước chanh

Đi kèm với một bộ phim đầy đủ phức tạp, Beyoncé Lemon Lemonade là một bài diễn văn có khuôn mặt mở nhất về sự không chung thủy của chồng cô và sự bất an của chính cô. Nếu không, uốn khúc về mặt phong cách, đạp xe từ R & B hiện đại hóa (Ging giữ, Hồi giáo xin lỗi) đến Quốc gia Sự tàn phá tình cảm của Beyoncé, và sự kết hợp của sự thể hiện thương hiệu của cô với một bộ phim thân mật quyến rũ. Tuy nhiên, có lẽ điều ngạc nhiên lớn nhất là triều đại Knowles/Carter có vẻ khỏe mạnh hơn bao giờ hết, và do đó, di sản phức tạp của nước chanh ngay lập tức là cá nhân, khả thi về mặt thương mại và sân khấu, một chương trình được hình thành và năng động hoàn hảo ban đầu được ngụy trang như một câu nói. Wroble

20. Lady Gaga, sinh ra theo cách này

Để gọi sinh ra theo cách này, một trong những album hay nhất của thập kỷ sẽ đến với tư cách là dị giáo của người phụ nữ, người phụ nữ, người phụ nữ đã tấn công trong suốt Magnum Opus này với lực của một khẩu súng gatling. Một cách tự giác, một số người có thể nói là Warholian, hành động tái sử dụng, sinh ra theo cách này nổi lên một cách vui vẻ và vui nhộn giống như Phoenix từ súp nguyên thủy của nó, bao gồm các khối của Cher, Madonna, David Bowie, Nữ hoàng, Klaus Nomi, Grace Jones, thậm chí chết hay còn sống. Với những nhịp đập không ngừng và vô số sự đổ vỡ dữ dội, điều cổ điển hồi sinh này sẽ hoàn toàn hài lòng khi nhạc nền cho các tuần lễ thời trang và các ngục tối tình dục dưới lòng đất trên toàn thế giới, mặc dù nó thực sự được dự định là một câu chuyện chân thành đối với những trái tim của những người ngoài cuộc trong quá khứ và hiện tại, thực tế và tưởng tượng. Gonzalez

19. FKA cành cây, LP1

FKA Twigs (a.k.a. Tahliah Barnett) làm cho R & B, tôi đoán, nhưng nó là mối đe dọa, câu thần chú và thử nghiệm như bất cứ điều gì mà Björk đã làm. Các rãnh có thể nhảy được bị bắt giữ, giải cấu trúc và được giải phóng một lần nữa trong sự hỗn loạn rối loạn nhịp tim, được bao quanh bởi báo động xe hơi, bùn âm thanh kỹ thuật số và synths frosted. Lời bài hát của Twigs, cũng không kém phần siêu thực: trên hai tuần, cô ấy đe dọa đến việc rút khỏi răng cửa và hứa rằng trong hai tuần, bạn đã giành chiến thắng nhận ra cô ấy. Bàn chải đầu tiên của cô với sự nổi tiếng là một vũ công cho Ed Sheeran và Jessie J, và sự ẩn danh công nghiệp của vị trí vẫn tồn tại trong âm nhạc của chính cô, đặc biệt là trong video của Video Video, mà lặp lại câu hỏi, cô ấy có phải là cô gái từ video không? " Và câu trả lời, tôi có thể nhận ra tôi. Đối với phần còn lại của chúng tôi, cô ấy không thể nhầm lẫn. Caldwell

18. Lana del Rey, sinh ra để chết

Tuy nhiên, rất nhiều sự ghét bỏ mà cô có thể đã tích lũy cho mình, mỉa mai về ngôi sao nhạc pop, Lana Del Rey nổi lên như một trong những câu chuyện thành công thực sự của thập kỷ, đẩy qua những lời buộc tội Flash-in-the-Pan vào một nhân vật hậu hiện đại hấp thụ độc đáo, Thành công không phải là bất chấp sự phơi bày đáng kể, tự do khai thác âm nhạc của cô, nhưng vì nó. Sinh ra để chết nổi bật như một nỗ lực ra mắt sáng tác đáng kinh ngạc, một tuyên bố táo bạo, chết chóc từ một người yêu nhau, người mặc đồ của mình trên tay áo, khiến mình miễn nhiễm với những kẻ gièm pha bằng cách phóng đại tình dục, tính nhanh chóng và nhân tạo đối Cấp độ hoạt hình, một album của nhạc pop của dàn nhạc tươi tốt được giới thiệu bởi Del Rey, giao hàng buồn ngủ một cách vô nghĩa. Cataldo

17. Lorde, melodrama

Lorde sườn 2013 ra mắt, Pure Heroine, là một ảnh chụp nhanh của những thanh niên không bị ảnh hưởng bị chấm dứt bởi sự hài hước đen sardonic ngoài những năm ca sĩ New Zealand. Hoạt động theo cách tương tự như những nỗ lực có tiêu đề số lượng của Adele, Melodrama nắm bắt được Lorde trên đỉnh cao của tuổi trưởng thành, khi loại bỏ khỏi ngôi sao qua đêm được nhắc nhở bởi album đầu tiên của cô. Danh tiếng có tiềm năng để giữ cho bộ óc sáng tạo được niêm phong một cách ẩn dật khỏi cuộc sống cũ của họ, thế giới quan của họ cận thị và mất liên lạc với phần còn lại của xã hội, nhưng điều ngược lại dường như là đúng ở đây. Cho dù đó là do hậu quả của sự khét tiếng đó hay đơn giản là kết quả của sự trưởng thành không thể tránh khỏi có được gần bốn năm giữa các album, Lorde bên trong tiết lộ về melodrama là phong phú hơn và, theo nhiều cách, dễ tiếp cận hơn so với bản trình bày trên Nữ anh hùng. Với những câu chuyện về những cuộc gặp gỡ say xỉn và những buổi sáng lộn xộn sau đó, Melodrama là một kỷ lục của bữa tiệc tại nhà bất ngờ theo chủ đề, nếu không phải là về mặt âm thanh. Nhưng cho dù đó là một bản thu âm được ngụy trang thành một album chia tay hay một album chia tay được ngụy trang thành một bản thu âm của bữa tiệc, thì đó là Cathartic, kịch tính và mọi thứ khác mà bạn có thể muốn một album có tựa đề Melodrama. Cinquemani

16. Chromatics, Giết cho tình yêu

Một sự lan man quá dài, khôn ngoan của một album, hoặc một tuyên bố tuyệt vời về cải tạo và suy đồi, kiệt sức và cảm hứng? Dù bằng cách nào, Kill for Love chứa đựng sự bối rối của sự giàu có, đầy đủ các bài hát vượt ra ngoài chủ nghĩa tôn sùng thập niên 80 điển hình, biến những vùng nhiệt đới đó thành những bài tập kỳ quặc, lặp đi lặp lại trong thể loại. Mở đầu với một phiên bản nổi bật đáng kể của Neil Young's Into the Black, nhóm nhóm sử dụng việc tái hiện tài của thời gian, sử dụng giọng nói cô đơn của Ruth Radelet như một tiếng còi báo động kỳ lạ. Cataldo

15. Grimes, Art Angels

Trong khi Claire Boucher, công việc trong quá khứ khi Grimes cảm thấy bị che khuất một cách cố ý, có lẽ là một cách để chống lại bản năng nhạc pop không thể phủ nhận của cô, các thiên thần nghệ thuật không biết xấu hổ. Boucher dường như đã nuông chiều cô ấy mọi ý thích bất chợt: những cây đàn guito bom bổ nhào trên con đường Nü-metal-gone-right của Scream Scream . ” Ở mỗi lượt, cô ấy đã thử thách bản thân để phát minh ra một bảng màu Sonic mới, một bản mashup mới của các thể loại. Nó không bao giờ cảm thấy bị đánh cắp hoặc bị ép buộc, vì Boucher đã nội tâm hóa những ảnh hưởng của cô ấy, như bất kỳ thư viện nhạc du lịch Internet nào trên Shuffle, và tái sử dụng chúng thành một tác phẩm cảm thấy được chào đón trong thử nghiệm của nó thay vì loại trừ. Art Angels là âm thanh của một ngôi sao nhạc pop thực sự tự phong nổi lên từ phòng ngủ, kỳ lạ như mọi khi. Rainis

14. Jessie Ware, tận tụy

Một cách lặng lẽ, gần như lén lút, một làn sóng hiện đại của linh hồn người Anh đã lóe lên trở lại với Vogue âm nhạc. Thành công của Adele chắc chắn đã giúp ích, nhưng các bản nhạc hiện đang được đặt ra bởi XX, Burial, SBTRKT, Roses Gabor và Jessie Ware dường như là một chỉ định đa dạng hơn và đa dạng hơn về sự phục hưng của Soul-Pop: Simple, ớn lạnh, Các pha chế truyền dịch tại nhà mượn tự do từ cả Indie Electronica và Sade Style R & B. Với sự tận tâm giống như tiếng còi báo Hoặc giả định, nhanh chóng thiết lập mình là người có triển vọng và linh hoạt nhất của đội tiên phong trẻ tuổi. Nói dối

13. Janelle Monáe, Archandroid (Suites II và III của IV)

Điều gì với các mối quan hệ pompadour và gầy (và đồng phục phù hợp cho ban nhạc) và James-Brown-by-Of-Prince-Of-Andre3000 mánh lới trên. Nhưng toàn bộ Archandroid, với tầm nhìn không sợ hãi, có tư duy tiến bộ về nhạc rock và R & B đương đại và hình ảnh khoa học viễn tưởng co giật của nó, đã chứng minh điều khác. Cô gái trở nên thật kỳ lạ với nó, nhưng sự tự tin và sự vênh vang mà cô ấy hét lên, tôi đã từng tin rằng có điều gì đó không ổn với tôi! Ở giữa cuộc chiến tranh lạnh lẽo của Hồi giáo chứng minh rằng Monáe thoải mái trong làn da đặc biệt nhất của cô. Keefe

12. Radiohead, A Moon Shaped Pool

Radiohead sidestepped headlines in favor of personal trauma on A Moon Shaped Pool, their most nuanced work to date. Apart from red herring “Burn the Witch,” which indeed skewers the times, the album cycles through grief, loss, and quiet anger, with exquisite orchestration that underscores—as opposed to obscures—Thom Yorke’s stunning melodies. Radiohead finally recorded some of its oldest skeletons for A Moon Shaped Pool (the glitchy “Identikit,” which becomes a muted, Eastern-tinged storm; “True Love Waits,” which simply and gorgeously hovers) and yet, given the album’s atmosphere of heartbreak, these songs sound less brought to life than just barely rescued from death. When Yorke laments plainly on “Daydreaming” that “this goes beyond you, beyond me,” he’s not singing about typical Radiohead themes like corruption and greed, but of the private world where he once escaped shattering before his eyes. Wroble

11. PJ Harvey, Let England Shake

Polly Jean Harvey has howled at the wind, men, cities, and scripture. Here she shakes her fists and barbed dulcet voice at England, the country of her birth. This bewitchingly strange album, so retrograde by design, not only invokes images of the Great War, both solemnly and sarcastically, to comment on a once powerful empire’s currently slacken political identity, but also sounds of yore—sounds, such as the perfectly utilized bugle from “The Glorious Land,” I’ve never heard referenced outside of old black-and-white Hollywood war dramas and Looney Tunes shorts. Of course, this being the product of Polly Jean, Let England Shake doesn’t simply rage against a nation’s history of war, past and present, and its place in the West. It’s also a canny confession from one of music’s greatest poets that her own evolution, as a woman and a musician, is forever intertwined with the light and dark of her birthland’s own. Gonzalez

10. Taylor Swift, 1989

Taylor Swift’s 1989 severed whatever vestiges of her country roots remained on 2012’s Red, replacing acoustic guitars and pedal steel with multi-layered synthscapes, drum machines, and densely packed vocal tracking. Swift, of course, got her start writing astutely observed country ballads, and these songs bolster her trademark knack for lyric-crafting with maximalist, blown-out pop production courtesy of main collaborators Max Martin and Shellback. 1989’s standout tracks retain the narrative detail and clever metaphor-building that distinguished Swift’s early songs, even amid the diversions wrought by the aggressive studio production on display throughout. Songs like “I Know Places” ride a reggae swagger and trap-influenced snare beats before launching into a soaring, Pat Benatar-esque chorus. It’s an effortless fusion that, like much of 1989, displays Swift’s willingness to venture outside her comfort zone without much of a safety net, and test out an array of sonic experiments that feel both retro and of the moment. Annie Galvin

9. Courtney Barnett, Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit

Courtney Barnett doesn’t waste even a second getting down to business on Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit. As soon as the needle drops on the album’s opening cut, “Elevator Operator,” she immediately embarks, in a laconic Aussie brogue, on a verbose slice-of-life tale replete with a great journalist’s eye for detail over an invigoratingly upbeat bed of wiry guitars and buzzing Wurlitzer. The result is the wittiest, rockingest, most life-affirming song that’s probably ever been written about a guy considering jumping off a roof. That infectious energy rarely lets up on the rest of the album, and Barnett never lets her wry, rambling wordplay, at times laugh-out-loud hilarious, get in the way of fashioning maddeningly catchy vocal hooks. “Put me on a pedestal and I’ll only disappoint you,” she claims over a ferocious guitar stomp on the single “Pedestrian at Best.” But we might have to anyway: Sometimes I Sit and Think is undoubtedly one of the most exciting debut rock albums to come along in ages. Winograd

8. Kendrick Lamar, Damn

Kendrick Lamar’s fourth album is less grandiose and novelistic than 2015’s To Pimp a Butterfly. But it’s still a Kendrick Lamar album, which means that it’s packed with lyrically dense meditations on death, God, fame, responsibility, and the African-American condition—and it’s also sequenced so you can listen to the tracks in reverse order. Even if Lamar remains the biggest overachiever in hip-hop, though, he’s also thrown a bone to those listeners who miss the more straightforward hooks from 2012’s Good Kid, M.A.A.D City. “Humble” and “DNA” are among his most club-ready bangers to date, pairing Mike Will Made It trap beats with the tireless flow of “Kung-Fu Kenny”; the Rihanna collab “Loyalty” fits right in with R&B radio while also expanding the genre’s thematic and emotional palate. Beyond the singles, Lamar narrows his focus from To Pimp a Butterfly’s dizzying kaleidoscope of styles to craft songs that sneak up on the listener, their solid construction belying layers of intricacy. At once accessible and demanding, a work of literary complexity with a mixtape-gritty presentation, Damn is Lamar’s third consecutive masterpiece. Hoskins

7. Frank Ocean, Channel Orange

In a decade where plenty of artists simply toyed with the seductive power of ’90s-style R&B, Frank Ocean full-on pursued, captured, and tamed it to produce the saga that is Channel Orange. But the album’s smooth confidence, evident in everything from the jazzy bounce of “Super Rich Kids” to the juiced-up funk of “Crack Rock” and “Pyramids,” is only part of the draw. The remainder is Ocean’s storytelling, where he breathes life into dozens of imperfect, alluring characters that are just as desperate, confused, and beautiful as their narrator. Channel Orange did more than just prove that Ocean is far and away the most talented of the Odd Future crew; it established him as a songwriter whose lyrical and musical craft borders on the literary. Liedel

6. Vampire Weekend, Modern Vampires in the City

In the halcyon days of the British Empire, there was a tradition among explorers of strange and uncharted lands to exhibit upon their return a so-called “cabinet of curiosities,” a hodgepodge of keepsakes, decontextualized and random but fascinatingly foreign. Vampire Weekend’s first two albums similarly possessed a magpie’s eye for the unusual, but with little that was revelatory below the surface charm of the unfamiliar. Modern Vampires of the City, by contrast, finds the band looking closer to home, as frontman Ezra Koenig traces a lyrical road trip across the U.S., from Providence to Phoenix. Scoring sardonic deconstructions of the rock-n’-roll myth with Dick Dale-style guitars (“Diane Young”), novelistic half-sketches of peripatetic romance with loping Gershwin-esque strings, (“Hannah Hunt”), and even a confrontation with the man upstairs with church organs and semi-ironic gospel choirs (“Ya Hey”), Vampire Weekend seems to have finally exhausted their wanderlust, and come home wiser, more soulful and more vital than ever. Mark Collett

5. Robyn, Body Talk

When music historians look back on the battle for ultimate electro-pop diva of the new millennium, they will inevitably reward the LED-encrusted tiara to Robyn. The Swedish dance club princess delivered her T.K.O. with her Body Talk series, three punchy releases essentially culled from the same big music party (and it is, unmistakably, Robyn’s party—the rest of us are just invited for a peek at all the fun). Body Talk represents both a culmination and perfection of today’s synth-driven Euro-pop craze, which has effectively become like crack for radio on this side of the Atlantic, obsessively mimicked and pushed through every thumping, Auto-Tuned R&B-rap-pop monstrosity climbing the charts. Rarely, however, is the genre delivered with as much snarky wit, steely beauty, and remarkable consistency as Robyn manages here. Both lost in the moment and yet keenly future-minded, Body Talk regularly provides a kind of self-aware accessibility that most pop musicians have lazily abandoned for the past decade. When Robyn finally pauses to whisper “kick drum” with deadpan nonchalance on “Don’t Fucking Tell Me What to Do,” the sorely missed lost art of not taking oneself too seriously comes roaring back with glee. Liedel

4. St. Vincent, St. Vincent

On her fifth album, Annie Clark trains her focus on contemporary media culture, critiquing the vapid, self-indulgent aspects of social networking and the alienation and boredom that it produces. Whether singing about selfies or death, Clark probes the existential convergence between humans and their digital devices, as when she laments, “I’m entombed in a shrine of zeroes and ones.” The gorgeously laconic torch song “Prince Johnny” finds Clark imploring, over layered backing vocals and a discretely funky guitar lick, for someone “to make me a real girl,” another nod toward the blurred lines between humans, animals, and machines that she explores throughout the album. Despite its thematic weight, St. Vincent wears its politics lightly, as Clark makes space for her trademark experiments with guitar effects and playful lines like “I prefer your love to Jesus.” She’s an auteur perfectly suited for the age we’re living in: a heretic with her own sense of ethics, an eccentric with a conscience. Galvin

3. Lana Del Rey, Norman Fucking Rockwell

Norman Rockwell’s vision of America defined much of the 20th century, with illustrations that often depicted a sentimental—some might say naïve—interpretation of American life. Despite its parodic title, though, Lana Del Rey’s Norman Fucking Rockwell doesn’t so much subvert an idealistic notion of the American dream as perform a postmortem of it. On “Venice Bitch,” which is rife with references to quintessential American icons like Robert Frost, Del Rey pines for a world that had already coughed its last gasp by the time she was born. And she wistfully delivers a eulogy for both pop culture and the planet itself on the apocalyptic “The Greatest”: “The culture is lit and if this is it, I had a ball,” she laments with a shrug. Distilled to their barest elements, the songs reveal themselves not to be hollow vessels for vapid self-absorption, but frank assessments of the psychic effects of a world spiraling into chaos. Del Rey has long cemented her status as a cult icon in the vein of a Tori Amos or Fiona Apple, whose influence on the title track is unmistakable, and she inspires the kind of fanaticism that often leaves her detractors perplexed. With Norman Fucking Rockwell, however, she’s made an album with the unfettered focus and scope worthy of her lofty repute. Cinquemani

2. Kendrick Lamar, đến một con bướm

Vài album trong bộ nhớ gần đây dường như rất mạnh mẽ và quan trọng như Kendrick Lamar, để ma cô một con bướm. Trên LP thứ ba của mình, Lamar giải quyết cả bạo lực và thức tỉnh với sự khéo léo kết hợp danh tiếng của anh ta không chỉ là MC vĩ đại nhất của thế hệ trẻ của anh ta, mà còn là một tiếng nói chính trị năng động và lương tâm xã hội của đất nước. Kết hợp chủ nghĩa trữ tình thơ mộng và trí tuệ cao cả của mình với một tham vọng âm nhạc to lớn kết hợp funk, jazz và sự linh hoạt bằng giọng hát chưa từng có, nó không có gì ngạc nhiên khi ma quái một con bướm chỉ sau chín tháng như một tác phẩm kinh điển hiện đại. Càng Alright, đã là một bài hát kinh điển về hy vọng cho công lý và niềm tin vào sự cứu chuộc trong tương lai. King Kunt Kunta là một bài hát hiếm hoi áp dụng như nhau cho câu lạc bộ đối với các cuộc biểu tình của các cuộc biểu tình đang càn quét đô thị Mỹ. Đối với một con bướm là một trong những album hay nhất của thập kỷ; Nó là một chương tuyệt vời trong việc tạo ra một huyền thoại. Nee-Vogelman

1. Kanye West, Fantasy Twisted Twisted xinh đẹp của tôi

Khăng khăng, trên bất kỳ căn cứ nào, rằng tưởng tượng đen tối tuyệt đẹp của tôi là một trong những cột mốc tuyệt vời của Rap không làm công lý album, ít nhất là trong chừng mực như vậy mời những thách thức không thể (có thực sự tốt hơn là sợ một hành tinh đen hay không? Có thể nói chắc chắn?) Không cần chú ý đến những điểm mạnh mà album có thể gặp họ. Vì vậy, hãy để tôi cung cấp những điều sau đây, hơi ít hào phóng hơn: Không có album Rap mà tôi đã nghe có thể tự hào về sản xuất tốt hơn bản này. Âm nhạc rất phấn khởi, thường bị mài mòn, không bao giờ có thể dự đoán được, đôi khi tuyệt đẹp tuyệt vời. Tưởng tượng xoắn đen tuyệt đẹp của tôi cho phép Kanye một bảng màu chuyên đề đủ rộng để đối đầu với niềm tự hào và nỗi thống khổ của anh ấy. Album tập trung vào Siêu thực (tưởng tượng tối tăm của Hồi giáo tưởng tượng một trung tâm mua sắm và bầu trời bị diệc) và tôn giáo (bên cạnh chính Kanye, đó là Satan Satan có nhiều tên nhất ở đây). Đó là tất cả trong việc phục vụ một cuộc thi mệt mỏi giữa sự tự trung bình và tự làm hiệu quả, Kanye nắm lấy nhân vật nhạc pop/siêu giám mục độc thân của mình trong khi đấu tranh để kết nối với tiềm năng sáng tạo khiến anh ta đáng chú ý để bắt đầu. Cole

Album nào được bán nhiều nhất trong những năm 2010?

Album nào đã giành được album của thập kỷ 2010?

Những gì được coi là album hay nhất mọi thời đại?

Album số một trong năm 2010 là gì?