10 bộ phim hài đen hay nhất mọi thời đại năm 2022

Với thế giới khóc lóc trong đau khổ và cái chết nhấn chìm tất cả thông qua sự tra tấn to lớn; Hài hước làm cho chúng ta mỉm cười với sự diệt vong của chính mình. & nbsp; nó đòi hỏi một lượng thiên tài khổng lồ để tạo ra một vấn đề nhạy cảm và biến nó thành một tác phẩm hài. Cái chết, khốn khổ, tra tấn, đau đớn và đau đớn không phải là vấn đề bị chế giễu, nhưng một số nhà làm phim tạo ra một khía cạnh hài hước khiến xương sườn của chúng ta bị nhột.

Hài kịch đen hoặc hài kịch đen là một thể loại nghệ thuật liên quan đến một chủ đề thường được coi là điều cấm kỵ, nhạy cảm và tối tăm; và hài hước trình bày nó. Được đặt ra bởi nhà lý luận siêu thực André Breton vào năm 1935, các nhà phê bình đã tìm thấy nguồn gốc của nó trong các tác phẩm nổi tiếng của Jonathan Swift. Chuyên về sự kỳ cục và giải trí xoắn, hài kịch đen thường giải quyết các vấn đề xã hội như bạo lực, giết người, lạm dụng, bạo lực gia đình, hiếp dâm, tra tấn, chiến tranh, diệt chủng, khủng bố, tham nhũng, phân biệt đối xử, chủ nghĩa phân biệt chủng tộc, phân biệt chủng tộc, đồng tính Tự tử, ác mộng, lạm dụng ma túy, cắt xén, khuyết tật, bệnh nan y và sự điên rồ, để kể tên một số.

Trong khi hài kịch đen xuất hiện trong văn học, với Swift, một đề xuất khiêm tốn (1729) và ‘Một thiền định về một cây chổi (1710) là tác phẩm sớm nhất, Black Comedy đã được xử lý rộng rãi trong điện ảnh. Được giới thiệu từ những năm 1930, một số tác phẩm sớm nhất như ‘Một giờ với bạn (1932),‘ Tội ác của Đức Bà Lange, (1936) và Devil Devil và Daniel Webster, (1941) đã gây ra thể loại này.

Tuy nhiên, với các bộ phim như ‘Arsenic và Old Lace, (1944) và‘ Trái tim và coronets tốt bụng (1949), Black Comedy đã tự mình đến với các liên doanh đạo diễn chính thống và về cơ bản được chuyển thành một thể loại nổi tiếng. Kể từ đó, các giám đốc kỳ cựu như Quentin Tarantino, Martin McDonagh, Stanley Kubrick, John và Ethan Coen, và Slobodan Šijan đã sản xuất một số tác phẩm nổi tiếng nhất của thể loại này và đã vĩnh cửu nó.

Phim hài đen thực sự tốt rất khó tìm. Đối với danh sách này, tôi đã tính đến bóng tối của chủ đề và mức độ mà những bộ phim này đã được hình thành hài hước. Việc lựa chọn các bộ phim là về tiêu chí của sự hợp nhất của sự đánh giá cao, liên doanh thương mại và tác động văn hóa của họ. Dưới đây là danh sách các bộ phim hài đen hàng đầu từ trước đến nay. Bạn cũng có thể tìm thấy một số bộ phim hài đen hay nhất này trên Netflix, Hulu hoặc Amazon Prime.

15. Trái tim tử tế và coronets (1949)

Thích ứng 'Israel Rank của Roy Horniman: cuốn tự truyện của một tên tội phạm' (1907), bộ phim năm 1949 này ghi lại câu chuyện về một người họ hàng nghèo của Công tước D'Ascoyne, & nbsp; giết chết tám người thừa kế khác trước anh ta trong dòng kế tiếp.

Phát hành tại các rạp chiếu phim Luân Đôn, bộ phim dựa trên sự hài hước của mình trong bối cảnh của Edwardian England, nơi chứng kiến ​​sự gia tăng của nhập cư thương mại do sự phát triển của chủ nghĩa công nghiệp ở Anh. Với nhận thức chính trị đang gia tăng trong giai cấp công nhân đã đặt câu hỏi về sự đàn áp tinh thần của họ dưới các chủ sở hữu công nghiệp, Giám đốc Robert Hamer đã vẽ hình ảnh tương tự về đạo đức phân cực của thời đại Edwardian. Đại diện cho bóng tối hài hước thông qua nhân vật chính, Mazzini có vẻ như là một quý ông trẻ người Anh quyến rũ đáng yêu, người thực sự là một kẻ giết người không thể, tính toán.

Xu hướng quý tộc bị lôi kéo vào tình dục quilted được xử lý bẩm sinh bởi đội ngũ đạo diễn sử dụng phong cách, gia đình và sự xuất hiện như công cụ hài của họ. Mặc dù ban đầu được coi là một sự châm biếm đơn thuần, các nhà sử học và nhà phê bình trong phim đã xác định được những âm thanh đen tối của nó, khiến nó trở thành một bộ phim hài đen tối tinh túy về cách cư xử và đạo đức của Edwardian. Alec Guinness, khéo léo miêu tả của chín thành viên của gia đình DiênAscoyne được các nhà phê bình đánh giá cao. Bộ phim đã dẫn đầu rạp chiếu phim Anh và giành giải thưởng cho thiết kế sản xuất tốt nhất tại Liên hoan phim quốc tế Venice lần thứ 10. Bộ phim có thể nói rõ về sự dí dỏm và hài hước đã mang lại cho nó sự khác biệt là một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất về văn hóa của điện ảnh Anh.

Đọc thêm: & NBSP; Phim cổ tích hay nhất mọi thời đại

14. Gia đình Marathon (1982)

Được đạo diễn bởi Slobodan Sijan, bộ phim đang tràn ngập thiên tài hài hước của mình. Điều chỉnh truyền thống thừa kế, gia đình marathon là một câu chuyện về gia đình Topalovic, người đã kinh doanh chôn cất qua nhiều thế hệ. Tuy nhiên, khi thành viên lớn tuổi nhất, Pantelija chết ở tuổi 150, năm thế hệ của những người thừa kế của anh ta chiến đấu với nhau để thừa kế. Được viết bởi Dušan Kovačević, bộ phim là một sự thích nghi của vở kịch của chính anh ấy. Điều này về cơ bản đã thiết lập nền tảng của một câu chuyện hấp dẫn, dẫn đầu toàn bộ bộ phim.

The film has been regarded as one of the classics with the splendid cinematography by Božidar Nikolić being called as an inspiration for generations of filmmakers. The film went on to win the “Jury Prize” at the Montréal World Film Festival and Seka Sablić’s portrayal of Kristina earned her the “Best Actress” award at the Pula Film Festival.

Read More: Best Spider Movies of All Time

13. Heathers (1988)

While 1980s saw a rise in teen films where the characters would suddenly break into dances and indulge into engaging love stories; ‘Heathers’ broke stereotype and presented a distorted vision of a quintessential teen flick. Directed by Michael Lehmann, this 1988 film is about Veronica Sawyer, played by Winona Ryder, who in order to get out of the snooty clique that is destroying her good-girl reputation, teams up with a sociopath essayed by Christian Slater to murder her friends under the façade of a suicide.

Establishing a strong foundation on Daniel Waters’ articulate screenplay, the film comments upon the over-the-top dreamy sequences presented in teen flicks. Academic critics have cited the film in cultural contexts, calling it as a remark on the portrayal of American democracy and American culture as an iconic symbol. The director and screenwriter brilliantly collaborated to create something as dark as ‘Heathers’. The film bases itself on the witty contextual references and artistically designed suicide notes. The dark and cynical matter attached to the teen culture was quite off-putting, with actors either unwilling to play the parts or unable to don the characters.

Receiving high critical praise, the film started out as a commercial flop but glacially gained a cult following over the years. Daniel Waters’ writing was immensely appreciated and has since credit to be the strongest weapon of Lehmann’s directorial venture. The film has been mentioned as one of the best high school movies and also earned the 412th spot on Empire’s list of “The 500 Greatest Movies of All Time”.

Read More: Best Ship Movies of All Time

12. Harold and Maude (1971)

Dark Humour was initially incepted to offend viewers by satirising and comically presenting dark content; and ‘Harold and Maude’ is the perfect archetype of it. Directed by Hal Ashby, this 1971 black comedy is the story of a rich runt Harold, who finds his life change forever when he meets the lively septuagenarian Maude at a funeral. An insanely twisted subject matter, collaborating writer Colin Higgins inventively manipulated death as a tool of humour. Harold, essayed by Bud Cort is obsessed with death; while 79 year-old Maude essayed by Ruth Gordon teaches him the value of life through her own obsession of death. The film brilliantly infuses a romantic drama with distorted comedy and presents the idea of existentialism and demise.

A film ahead of the 70s era of filmmaking was panned by critics and audience for its “immature” perception of death.  Adding to its misfortune, noted film critics such as Roger Ebert and Vincent Canby slammed and berated every aspect of the film; calling the characters “off-putting” and criticizing the writing as poor. As a result, ‘Harold and Maude’ was a commercial failure.  However, through time, the film gained a cult following with an 86% rating on Rotten Tomatoes. With intrinsic research came greater acclaim. Writers Guild of America ranked the screenplay 86 on its list of “101 Greatest Screenplays ever written”. ‘Harold and Maude’ redeemed the absence of awards and initial praise with several inductions in “top lists”, with American Film Institute recognising them in “100 Years… 100 Laughs”, “100 Years…100 Passions” and “10 Top 10” to name a few.

Read More: Best Danish Movies of All Time

11. American Psycho (2000)

A film often misinterpreted for its eye-boggling violence, sexual themes and disturbing sequences; ‘American Psycho’ employs a variety of allusions, themes and motifs to sketch out the story of Patrick Bateman – a wealthy New York investment banking executive, who has an alternate dark side hidden from all – a side indulging in murder, torture and hedonistic fantasies.

The Bret Easton Ellis novel adapted flick stars Christian Bale, Willem Dafoe and Jared Leto as the primary lead, with several other actors acting as the supporting cast. ‘American Psycho’ unequally bases itself in the horror genre, with its grotesqueness causing a stir among many. Director Mary Harron and writer Guinevere Turner collaborated to iterate the dark comedy through the film’s primary character, Christian Bale’s Patrick Bateman. The film uses the Bateman and his experiences to showcase the director’s ideas. Bateman is a narcissist, who can go to extreme lengths in order to achieve his aim. He displays his talents as a banker by the day, and turns into pleasure-seeking monster by night. The character humours himself with materialism, purchasing the finest cloth and dining in the classiest restaurants. Patrick Bateman takes innate care of his skin, hair and body; applying body products and exercising daily. However, the man is unreliable, who lives off the violent death of other people. He tortures women, sexually assaults them and doesn’t blink an eye before chopping a man’s head off. Bale’s character is a dexterous compulsive liar.

Debuting in the Sundance Film Festival, the film received polarising reviews due to its unabashed violence. However, Bale earned immense accolade for his twisted portrayal, making the role his career’s turning point. Critics praised the adaptation, commenting the film’s maturity in not sensitizing the plot.

Read More: Best Filipino Movies of All Time

10. The Ladykillers (1955)

Directed by Alexander Mackendrick, this 1955 black comedy details the story about five diverse criminals who plan a bank robbery, rent rooms from an octogenarian widow under the guise that they are classical musicians.

A classic of British comedy genre, the film does not seem as an intentional comedy, but as a classic heist film which is encapsulated by the comedic intellectually. While Cecil Parker’s as Major Claude Courtney is the definitive sly criminal, Peter Sellers adds to a cultural variety with his cockney Harry Robinson, a callous and goofy criminal. Danny Green’s muscular character ‘One-Round’ Lawson is comedic gold with his sluggish wit and impaired thinking capacity. Herbert Lom’s impatient Louis Harvey layers the plot with his hurried approach and distaste towards the planned heist. Mackendrick’s film bases the humour on the annoying diversity which essentially makes them quite incompetent to successfully pull off a back robbery.  The inept group is dexterously moulded by the polar-opposites – Alec Guinness’ Professor Marcus and Katie Johnson’s Mrs Louisa Wilberforce. With Guinness’ creep buck toothed suspiciousness and Johnson’s ginormous politeness; the gong of comedy strikes itself.

Written by William Rose, the movie adeptly employs comedy when the notorious group start lying to Mrs Louisa Wilberforce. The unabashed merciless nature of the miscreants combined with the soulful gullibility of the widow masterfully produces one of the greatest comedic works. With the overlapping plot, the film could’ve easily gone quite messy; but with the excellent writing of Rose and the maturity of the leads, the film has often been called the one of the greatest British films of all time, especially receiving praise from British Film Institute. The triumph of the film won it “BAFTA Award for Best Actress in a Leading Role” earned by Katie Johnson and “BAFTA Award for Best British Screenplay” earned by William Rose.

Read More: Best Country Music Movies of All Time

9. Who’s Singin’ Over There? (1980)

A Yugoslav black-comedy, ‘Who’s Singin’ Over There?’ is the story about a group of passengers, who while traveling by bus to Belgrade in 1941, come across an event which changes their lives forever. Set during the last days of the Kingdom of Yugoslavia, just before the Axis occupation of Yugoslavia, the Slobodan Šijan directed flick is widely considered as one of the best Serbian movies ever made.

This 1980 black comedy brilliantly employs the thematic representation of characters and situations and draws a parallel with it. Featuring an ensemble cast, the film presents character quirks and development to adroitly sketch out a satirical image of the Yugoslavian era of change. Written by Serbian playwright Dušan Kovačević, Who’s Singin’ Over There?’ ridicules and parody’s Nazi Germany, Nazi authoritarian figures and societal change of norms through it’s quite iconic characters.

Screened at the 1981 Cannes Film Festival, the film was unanimously praised by critics and audience. Šijan’s mature direction and Kovačević’s articulate writing has aged like fine wine, becoming one of the most celebrated Serbian successes. Often cited as a culturally dominant force which impacted the society at a humongous scale, the film has gained the distinction of being one of the most quoted and enacted flicks ever made. An instant classic, ‘Who’s Singin’ Over There?’ bagged a “Special Jury Award” at the 1981 Montréal World Film Festival and was voted as the “Best Serbian movie made in the 1947-1995 period” by the Yugoslavian Board of the Academy of Film Art and Science (AFUN).

Read More: Best Roman Movies of All Time

8. Inglourious Basterds (2009)

Nazism is no joke. Nazi Germany has been eternalised as one of the darkest realities impacting world history. With German dictator Adolf Hitler and the Nazi Party (NSDAP), Germany was transformed into a totalitarian state and German history witnessed its most grotesque and torturous periods.

However, with Quentin Tarantino, the darkest subject matters are unsettlingly funny and comical; and ‘Inglourious Basterds’ is product of that twisted mind. A black satirical comedy on Nazi Germany, the film employs alternate history to essentially mould the events according to the comedic morality. The director reiterated his commanding grasp on screenplays and successfully created memorable characters with the required amount of comedic timing. Starring Brad Pitt, Christoph Waltz, Michael Fassbender, Eli Roth, Diane Kruger, Daniel Brühl, Til Schweiger and Mélanie Laurent; the film is set in Nazi-occupied France during World War II, where the plan of a group of Jewish U.S. soldiers mystically coincide with a theatre owner’s personal vengeful plans to assassinate Nazi leaders and essentially, Adolf Hitler.

Lấy cảm hứng từ đạo diễn người Ý Enzo G. Castellari, ‘The Inglorious Bastards, (1978), Tarantino đã bỏ đi với sự miêu tả về tinh thần và chiến tranh của Đức Quốc xã, và thêm sự hài hước gây tranh cãi. Bộ phim chia rẽ toàn diện thành các phần đặc biệt, nâng cao sự hài hước theo ngữ cảnh. Cái chết, tra tấn và dằn vặt bằng lời nói là những chủ đề lặp đi lặp lại cân bằng sự nghiêm túc và tầm nhìn hài hước.

Bài viết đã nói ở trên là vũ khí văn học mạnh nhất được báo cáo đã chiếm một thập kỷ để Tarantino phát triển, và nó đã được đền đáp một cách quyến rũ. Với các nhân vật được chế tác một cách thuần thục và cốt truyện được viết hài hước, bộ phim đã đi kiếm được nhiều giải thưởng từ các nhà phê bình và khán giả. Buổi biểu diễn của Christoph Waltz với tư cách là Đại tá SS của SS Hans Landa đã tạo ra những làn sóng hoan nghênh và kiếm được anh ấy là một diễn viên phụ xuất sắc nhất tại Giải thưởng Học viện, diễn viên xuất sắc nhất trong vai trò hỗ trợ của Austin, các nhà phê bình phim Boston, Giải thưởng Phim của Học viện Anh , Các nhà phê bình phim phát sóng, Liên hoan phim Cannes, Nhà phê bình phim Chicago, Giải thưởng Empire, Giải thưởng Quả cầu vàng, Liên hoan phim Hollywood, Nhà phê bình phim London 'Circle và Los Angeles Phim phê bình đặt tên cho một vài người. Thêm vào công trạng của mình, Liên minh phim & Truyền hình độc lập đã chọn bộ phim là một trong những bộ phim độc lập quan trọng nhất của 30 năm trong 30 năm qua.

Đọc thêm: & NBSP; Phim công chúa hay nhất mọi thời đại

7. & nbsp; ở Bruges (2008)

Với Martin McDonagh đã giành chiến thắng trong kịch bản gốc hay nhất tại Giải thưởng Phim của Học viện Anh, không có gì có thể sai với ‘ở Bruges. Được hỗ trợ bởi McDonagh, bộ phim kể về câu chuyện về hai hit Ailen, Ray và Ken Daley được viết bởi Colin Farrell và Brendan Gleeson, và ông chủ mob điên rồ của họ, Harry Waters do Ralph Fiennes thủ vai. Nằm trong thành phố Bruges, bộ phim dựa trên sự hài hước của nó với bộ đôi Farrell và Gleeson. Đạo diễn McDonagh đã thiết lập một cách xuất sắc trong nhóm người Anh cứng nhắc của Anh chống lại sự thô lỗ và không thể hiện của các nhân vật phim. Chuyển thể các tài liệu tham khảo nhất định từ Harold Pinter, ‘Người phục vụ ngu ngốc (1957) và bộ phim Nicolas Roeg‘ Don lồng Look Look Now (1973), The Flick là một bình luận châm chích về xã hội. Bài viết tập trung vào các chất tương tự tối của nó, được ban hành một cách tuyệt vời bởi các cuộc đối thoại sắc nét.

Phát hành trong Liên hoan phim Sundance năm 2008, bộ phim đã nhận được sự khen ngợi to lớn từ các nhà phê bình, với tất cả đều hoan nghênh sự hài hước đen tối của nó. Dàn diễn viên chính được đánh giá cao vì sự trưởng thành của họ đối với những lý tưởng của McDonagh; Với các nhà phê bình phim Roger Ebert, Tasha Robinson và Claudia Puig đặc biệt ca ngợi các màn trình diễn của Farrell và Gleeson. Với nhà hát như một nền tảng vững chắc cho các kỹ thuật đạo diễn McDonagh, bộ phim miêu tả các cuộc đối thoại với sự khéo léo. Trong số các giải thưởng của gallon, McDonagh đã giành được khá nhiều cho kịch bản của anh tại Giải thưởng Phim của Học viện Anh, Giải thưởng Phim độc lập Anh, Giải thưởng Edgar, Giải thưởng Điện ảnh Tiêu chuẩn Anh và Giải thưởng Điện ảnh & Truyền hình Ailen.

Đọc thêm: & NBSP; Phim Vikings hay nhất mọi thời đại

6. Trainspotting (1996)

Dựa trên cuốn tiểu thuyết của Irvine Welsh, ‘Trainspotting, kể về câu chuyện về một nhóm người nghiện heroin trong một khu vực bị trầm cảm về kinh tế của Edinburgh. Nó liên quan đến kinh nghiệm và cuộc sống của họ trong khi miêu tả nghiện ma túy, nghèo đói đô thị và bẩn thỉu của Edinburgh. Được đạo diễn bởi Danny Boyle ngày càng tuyệt vời, bộ phim bình luận về Hiệp hội Edinburgh giàu văn hóa rõ ràng của người Hồi giáo, và làm hài lòng khán giả với sự miêu tả của những người nghiện ma túy và nghiện thuốc. Trong khi Boyle hoàn toàn nắm bắt được xã hội và những bí mật đen tối của nó, nhà văn John Hodge xứng đáng nhận được sự tín nhiệm to lớn cho kịch bản xuất sắc của mình mà anh ta đã nhận được một đề cử cho Giải thưởng Học viện cho kịch bản phù hợp nhất. Bộ phim đã thông qua việc làm phim indie Way cổ điển, khá phổ biến trong những năm 90. Với điều này, Boyle đã thêm ảnh hưởng mạnh mẽ của mình về nhạc punk rock và pop. Điều này tiếp tục nâng cao mục tiêu của ông là vẽ một sự châm biếm về chiều sâu văn hóa dường như của Edinburgh. Kỹ xảo điện ảnh Brian Tufano, đã được đánh giá cao vì những cú nhảy phong cách sáng tạo, ảnh phóng to, khung đóng băng và góc rộng làm tăng thêm tốc độ ảo giác và nhịp độ phổ biến trong các bộ phim của Boyle.

Sàng chiếu tại Liên hoan phim Cannes năm 1996, bộ phim ban đầu gặp khá nhiều vấn đề. Nó đã bị chỉ trích vì chủ đề của nó, kỹ thuật phim buồn nôn và ngôn ngữ thô bỉ. Sự nhấn mạnh vào heroin và thuốc chứng tỏ là quá tối đối với các nhà phê bình tại liên hoan phim. Tuy nhiên, thông qua phát hành, bộ phim là một hit lớn cả về mặt cực kỳ và thương mại. Kịch bản của John Hodge đã nói ở trên được đánh giá cao, với việc anh giành được giải thưởng kịch bản tại Giải thưởng Phim của Học viện Anh năm 1996 và Giải thưởng Điện ảnh Tiêu chuẩn Buổi tối của Anh, và cũng được đề cử tại Giải thưởng Học viện. Khác với điều này, bộ phim đã giành chiến thắng trong Vàng Golden Space Neak tại Liên hoan phim quốc tế Seattle năm 1996 và Ewan McGregor được đặt tên là diễn viên xuất sắc nhất của Hồi giáo từ The London Circil Circle Circle, BAFTA Scotland Awards và Empire Magazine.

Đọc thêm: & NBSP; Phim khúc côn cầu hay nhất mọi thời đại

5. The Cook, The Thief, vợ và người yêu của cô ấy (1989)

Phát hành vào năm 1989, Cook Cook, The Thief, vợ và người yêu của cô ấy là một cú sốc đối với các nhà phê bình và khán giả với hình ảnh chân dung và sự trơ trẽn của nó. Bộ phim vẫn được coi là một sáng tạo trước thời đại của chúng ta. Được đạo diễn bởi nhà làm phim người Pháp-Pháp Peter Greenaway, bộ phim xây dựng nền tảng của nó trên một câu chuyện dường như đơn giản về một người vợ của một tay xã hội đen và tội phạm người Anh lạm dụng, người tìm thấy sự an ủi trong vòng tay của một vị khách thường xuyên trong nhà hàng chồng của cô. Tuy nhiên, một kiệt tác trong quá trình thực hiện, bộ phim áp dụng hài kịch đen với biểu tượng, họa tiết và hình ảnh não. Vẽ một hình ảnh song song giữa ngoại hình sang trọng và gà và tâm lý kỳ cục của xã hội sang trọng; Bộ phim sử dụng điện ảnh ngông cuồng. Greenaway dựa trên những ý tưởng của mình dựa trên kiến ​​thức về mặt kỹ thuật về chủ nghĩa hình thức của bộ phim, nơi ông chú ý nội tại về ánh sáng, ghi điểm, thiết kế âm thanh và thiết kế, sử dụng màu sắc, thành phần bắn và chỉnh sửa hình thành kỷ nguyên hiện đại của làm phim.

Định hình một bộ phim lãng mạn với con mắt trần trụi, các nhà phê bình đã vô cùng say mê với bộ phim chuyển thể thông minh của bộ phim hài kịch Black Black, với Roger Ebert của Chicago Sun-Times thừa nhận nó như một cơn gió thay đổi Xung đột là một sự khởi đầu từ các bộ phim não và trí tuệ điển hình của Greenaway. & NBSP; Công việc thủ công khéo léo của đạo diễn với nhà quay phim Sacha Vierny đã bao quát một cách đáng sợ đồ họa, bạo lực và những cảnh khỏa thân có thể dễ dàng làm hỏng bộ phim để đạt được ngôi sao quan trọng.

Đọc thêm: & NBSP; Phim đám cưới hay nhất mọi thời đại

4. Con dấu thứ bảy (1957)

Một bộ phim tràn ngập chủ đề, họa tiết và biểu tượng; Hải sản thứ bảy thường được coi là một trong những bộ phim hay nhất trong điện ảnh thế giới. Được đạo diễn bởi nhà làm phim lập dị Ingmar Bergman, bộ phim kể về một người đàn ông, người thông qua việc theo đuổi việc tìm kiếm câu trả lời về sự sống, cái chết và sự tồn tại của Thiên Chúa, bắt gặp chính cái chết - The Grim Reaper, và phải chơi một trò chơi cờ vua trong để đạt được mong muốn của mình.

Bộ phim chiếm các chủ đề của Kitô giáo và Tân Ước, lấy cảm hứng từ ‘Sách Khải Huyền. Một tác phẩm nghệ thuật được làm thủ công, đạo diễn nhờ sự giúp đỡ của những ảnh hưởng văn hóa để vẽ ra ý tưởng của mình. Các nhà sử học phim Thomas W. Bohn và Richard L. Stromgren nổi tiếng xác định bộ phim là bắt đầu cho đạo diễn của nhóm các bộ phim liên quan đến câu hỏi hóc búa của đức tin tôn giáo. Xây dựng một câu chuyện ngụ ngôn bị lôi kéo vào sự đại diện theo chủ đề của cái chết, sự tồn tại, đức tin và tôn giáo; Bộ phim là tưởng tượng trong trí tưởng tượng.

Thiết lập một nền tảng vững chắc trên các nhân vật của Antonious Block và The Grim Reaper, bộ phim hài khái niệm tự viết. Bộ phim được điều khiển bởi Antonious Block, một hiệp sĩ trở về từ các cuộc thập tự chinh với niềm tin vào nhân loại và Thiên Chúa bị vỡ tàn bạo. Anh ta được đặc trưng như một người đàn ông nghiêm túc, một người theo chủ nghĩa lý tưởng đang tìm kiếm các câu hỏi để hiểu được sự tàn sát vô nghĩa của chiến tranh. Mặt khác, cái chết mặc quần áo trang trọng, nói một cách đáng lo ngại tối tăm. Cái chết gượng gào thách thức chặn mỗi khi anh ta đặt câu hỏi về Chúa hoặc ý nghĩa của cuộc sống. Anh ta lừa anh ta để tiết lộ chiến lược cờ vua của mình, và liên tục tự hào về mệnh lệnh của anh ta mà cuối cùng sẽ giành chiến thắng trong trò chơi. Bộ phim thành lập Ingmar Bergman với tư cách là một đạo diễn hàng đầu, và được coi là một kiệt tác nghệ thuật.

Đọc thêm: & NBSP; Phim thể dục hay nhất mọi thời đại

3. Tiểu thuyết bột giấy (1994)

Với bộ phim, bụng đau bụng, bạo lực, hình ảnh đổ máu và kỳ cục trên đỉnh cao; Nó khá khó để xem bộ phim hài thực sự áp dụng ở đâu? Tuy nhiên, đó là những gì làm cho Quentin Tarantino như đạo diễn lập dị. Một người tạo ra hình ảnh nghệ thuật xuất sắc, đạo diễn dường như đã thành thạo nghệ thuật hài kịch đen với ‘Pulp Fiction. Được chấp nhận bởi Tarantino và Roger Avary, tiểu thuyết Pulp, ghi lại câu chuyện về một số tội phạm ở Los Angeles, và cách họ gặp nhau trong một ngày định mệnh. Hãy tỏ lòng tôn kính với các tạp chí Pulp adrenaline nổi tiếng và tiểu thuyết tội phạm cứng rắn của giữa thế kỷ 20, bộ phim đã thiết lập nền tảng về những cuộc đối thoại sắc sảo, xuống cấp và mạnh mẽ, phác họa sự hài hước đen tối.

Tarantino không xa lạ gì khi trình bày những cảnh hài trong hoàn cảnh dường như nghiêm trọng. Nghệ thuật ở đây nằm trong việc phân phối đối thoại nói trên. Bộ phim nhằm vẽ ra đạo đức bẩm sinh và sự vô tội của ngay cả những tên tội phạm ghê tởm nhất. Với sự tham gia của một dàn diễn viên của John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, Maria de Medeiros, Ving Rhames, Eric Stoltz, Rosanna Arquette, Christopher Walken và Bruce Willis; Đạo diễn khá khôn ngoan đã chọn diễn viên ngôi sao của mình. Với Jackson, Roth, Willis và Wlaken thường được ca ngợi vì tầm nhìn hài hước của họ về hài kịch, mọi thứ phải trở nên bạo lực và lộn xộn.

‘Pulp Fiction’ is the archetypical product of Tarantino. The film pays an intensive focus on human conversations and the sudden loss of interest of human psychologically. Throughout the film, the characters engage in a sudden chat, which has often nothing to do with the problematic situation. Whether discussing about the quality of coffee while disposing off a body, or appreciating a burger just before a shooting massacre; ‘Pulp Fiction’ is unsettlingly comical.

The film’s stinging combination of humour and eye-popping violence earned it a mass following, with many calling it as Tarantino’s cinematic masterpiece. The film’s celebrated screenplay and narrative structure swept the art of filmmaking; breathing new life in independent and parallel cinema and re-inventing postmodern literature.

The artistic genius of ‘Pulp Fiction’ earned it quite a many accolades. Samuel L. Jackson and duo Quentin Tarantino and Roger Avary won the Best Supporting Actor and Best Original Screenplay respectively at the Oscar’s, the Palme d’Or for Tarantino at the Cannes Film Festival and 3 awards at the National Society of Film Critics. It has also been inducted in a variety of lists, with AFI’s “100 Years…100 Movies” and preservation in the United States National Film Registry being the most prestigious.

Read More: Best Bank Robbery Movies of All Time

2. Fargo (1996)

Directed by the black-comedy veterans Coen brothers, Joel and Ethan Coen; ‘Fargo’ portrays the story of a pregnant Minnesota police chief, played by Frances McDormand, who is  investigating the link between a mysterious kidnapping and a series of grotesque roadside murders. Embroiling the crime thriller with comedy, the directors perfectly bring the comical contrast between the case and its dealers. While the murders and kidnapping showcase the grim reality of the alarmingly vaulting crime, the primary protagonists show an unsettling politeness in their demeanour.

The directing duo crafts the shady comedy by employing a variety of themes, allegories, motifs and satire to adroitly sketch out the contrast. With Minnesota as the base location, the Coen brothers exploit the concepts of “Minnesota nice”, which a stereotypical behaviour of being annoyingly courteous, reserved and mild-mannered. They also employ the “family-oriented” lifestyle followed by Minnesota as to comically present a parallel storyline while reflecting it on the murders. Adding to the film’s stinging humour, ‘Fargo’ uses the wintery backdrop to depict the degrading dead bodies and the extremely “polite” investigation conducted by the officers. The directors deftly pay intrinsic focus on the crimes committed, with an initial declaimer claiming the “story is based on real events”, despite of the movie being pure fiction with several innuendoes to 1986 murder of Helle Crafts of Connecticut and the case of T. Eugene Thompson, a St. Paul attorney convicted of hiring a man to murder his wife in 1963.  The film’s strength is not in its characters, but how the creators exploited the geographical locations, human tendencies and mannerisms.

Premiering at the 1996 Cannes Film Festival, ‘Fargo’ stars Frances McDormand as the pregnant Minnesota police chief, William H. Macy as the notoriously mysterious salesman, Steve Buscemi and Peter Stormare as the two criminals and Harve Presnell as the fether-in-law. Upon its release, the film was widely praised for the witty dark humour; and many even termed as one of the best films ever made. Gene Siskel and Roger Ebert named ‘Fargo’ the best film of 1996. It was inducted in American Film Institute’s “100 Years…100 Movies” and “00 Years…100 Laughs”. Among its many accolades, the film won “Prix de la mise en scène” (Best Director Award) at the 1996 Cannes Film Festival. McDormand won the “Best Actress Oscar”, and the Coens won the “Best Original Screenplay”. The iconic success of the masterpiece, as said by National Film Registry was “culturally, historically, or aesthetically significant” and has established itself as one of the best works of all time.

Read More: Best Baseball Movies of All Time

1. Dr. Strangelove (1964)

It requires some sorcery for a director to create humour. Stanley Kubrick is a sorcerer. A political satire – black comedy film commenting on the Cold War which bears of a nuclear conflict between the Soviet Union and the United States, the movie dazzlingly observes the Cold War ideology.

Military strategist and former physicist Herman Kahn in his book, ‘On Thermonuclear War’ (1960) spoke about Kubrick’s exploitation of the “Missile gap” theory which was termed by the World War II’S Supreme Allied Commander in Europe Dwight D. Eisenhower. Kubrick sharply articulated the doomsday machine to illustrate the theory of Mutual assured destruction which is a military strategy and national security policy where two or more military sides are allowed to use nuclear weapons which would cause the complete annihilation of both the attacker and the defender. The director artistically drew a parallel between military strategies and the hideous outcomes of war. The director fashioned out quirky characters which transformed the seriousness of the matter into a comic situation. The trio of Stanley Kubrick, Terry Southern and Peter George creatively adapted Peter George’s thriller novel ‘Red Alert’ (1958), and with actors Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan Wynn and Slim Pickens, and brought out a masterpiece.

Tiến sĩ Tiến sĩ Strangelove, là một cột mốc quan trọng và biến đổi thể loại hài kịch và châm biếm. Nó đã giành được một số giải thưởng, với cấp bậc 3 trên AFI 100 năm của AFI Grand Prix của Hiệp hội phê bình phim Bỉ, Circle phê bình phim New York và các tập đoàn quốc gia Ý của các nhà báo phim. Thêm vào đó, bộ phim là một trong những nhóm phim đầu tiên được giới thiệu để bảo quản trong Cơ quan đăng ký phim quốc gia.

Đọc thêm: & NBSP; Phim bóng rổ hay nhất mọi thời đại