Bách khoa toàn thư mở Wikipedia Show
 YouTube là một trang web chia sẻ video của Mỹ có trụ sở tại San Bruno, California. Khi nó được thành lập vào năm 2005, trang web có phần "được xem nhiều nhất", liệt kê các video được xem nhiều nhất trên trang web. Mặc dù video được xem nhiều nhất ban đầu là các video lan truyền, chẳng hạn như Evolution of Dance và Charlie Bit My Finger, nhưng khi Lady Gaga ra mắt " Bad Romance" vào năm 2009 thì các video được xem nhiều nhất ngày càng liên quan đến video âm nhạc. Mặc dù các video được xem nhiều nhất không còn được liệt kê trên trang web, nhưng vẫn đạt được vị trí đầu danh sách vẫn được xem là một kỳ công to lớn. Vào tháng 11 năm 2005, một quảng cáo của Nike có cầu thủ bóng đá người Brazil Ronaldinho đã trở thành video đầu tiên đạt một triệu lượt xem.[1] Câu lạc bộ tỷ lượt xem[sửa | sửa mã nguồn]Một thước đo về sự nổi tiếng của một video được nói là Câu lạc bộ tỷ lượt xem, chỉ ra các video có trên 1 tỷ lượt xem từ ngày tải lên của nó.[2] Vào tháng 12 năm 2012, "Gangnam Style" trở thành video đầu tiên vượt qua mốc 1 tỷ lượt xem.[3] Đến tháng 6 năm 2015, chỉ có hai video "Gangnam Style" và "Baby" đã đạt tới một tỷ lượt xem. Tuy nhiên, đến tháng 9, có tới 10 video đã làm như vậy.[4] Tính đến tháng 9 năm 2019, 167 video trong danh sách đã vượt quá một tỷ lượt xem, trong đó có 78 trong số đó vượt quá hai tỷ lượt xem; tám trong số đó vượt quá ba tỷ lượt xem. "Despacito" đã trở thành video đầu tiên đạt tới ba tỷ lượt xem vào ngày 4 tháng 8 năm 2017, tiếp theo là "See You Again" vào ngày 6 tháng 8 năm 2017[5][6], và sau đó vào ngày 25 tháng 11 năm 2017, "Gangnam Style" trở thành video thứ ba cán mốc ba tỷ lượt xem, theo sau là "Shape of You" vào ngày 7 tháng 1 năm 2018, thực hiện điều đó trong 343 ngày; vào ngày 31 tháng 3 năm 2018, "Uptown Funk" trở thành video thứ năm vượt mốc 3 tỷ lượt xem.[5][6][7] Vào ngày 11 tháng 10 năm 2017, "Despacito" đã trở thành video đầu tiên vượt quá 4 tỷ lượt xem.[8] Vào tháng 10 năm 2017, năm video đạt được một tỷ lượt xem nhanh nhất là "Hello" (87 ngày), "Despacito" (96 ngày), "Shape of You" (97 ngày), "Mi Gente" (102 ngày) và "Échame la Culpa" (111 ngày)[9] Năm video đạt được hai tỷ lượt xem nhanh nhất là "Despacito" (154 ngày), "Shape of You" (187 ngày), "Chantaje" (379 ngày), "Sorry" (394 ngày) và "See You Again" (515 ngày).[10] Vào tháng 1 năm 2018, Justin Bieber là nghệ sỹ duy nhất có năm video vượt quá một tỷ lượt xem, trong khi đó Katy Perry, Nicky Jam, Shakira và Taylor Swift có bốn. Calvin Harris, Ariana Grande, Bruno Mars, Adele, BTS, The Chainsmokers và BLACKPINK cùng có ba, và Fifth Harmony, Psy, Ellie Goulding, The Weeknd, Ed Sheeran, Eminem, Maluma, J Balvin, Ricky Martin, kênh Get Movies, Sia, Rihannah, Twenty One Pilots và Luis Fonsi đều có hai. Taylor Swift, Shakira, Katy Perry và Ed Sheeran là những nghệ sĩ có hai video vượt quá hai tỷ lượt xem. Đặc biệt Ed Sheeran dạo gần đây đã đạt được thành tích có video ca nhạc mang tên ''Shape Of You'' đã vượt quá 4 tỷ lượt xem. Đầu tháng 11 năm 2020, Baby Shark vượt Despacito trở thành video có nhiều lượt xem nhất YouTube. Những video hàng đầu[sửa | sửa mã nguồn]Bảng dưới đây liệt kê hơn 30 video có nhiều lượt xem nhất Youtube, với tổng cộng được làm tròn đến 10 triệu lượt xem gần nhất, kênh và ngày tải lên.[A] Top 30 video có nhiều lượt xem nhất Youtube[11]
Các video được xem nhiều nhất trong lịch sử[sửa | sửa mã nguồn]Bảng dưới đây liệt kê các video đã từng là video được xem nhiều nhất của YouTube, từ tháng 10 năm 2005 đến nay. Kỷ lục hiện tại (⁂) Kỷ lục cũ (*) Video đã bị xóa khỏi YouTube (‡)
*Số lượt xem gần đúng của mỗi video đã trở thành video được xem nhiều nhất của YouTube. Dòng thời gian video được xem nhiều nhất (tháng 10 năm 2005 – tháng 11 năm 2021) Xem thêm[sửa | sửa mã nguồn]
Chú thích[sửa | sửa mã nguồn]
Tham khảo[sửa | sửa mã nguồn]
CLEVELAND, Ohio - Tổng hợp một danh sách các bài hát vĩ đại nhất mọi thời đại là một nhiệm vụ hoành tráng. Số lượng các bản ghi cần thiết để lựa chọn dường như là vô tận. Tầm quan trọng hoặc chất lượng chủ quan của một bài hát có thể chuyển từ ngày này sang ngày khác, thời đại này sang thời đại khác. Không ai trên hành tinh này sẽ nghĩ rằng danh sách của bạn là chính xác 100%. Tuy nhiên, điều đó đã ngăn chúng tôi cố gắng. Đầu tiên, các quy tắc. Kể từ khi chúng tôi sống ở Cleveland, đây là những bài hát nổi tiếng nhất của Rock 100 Rock & Roll, có nghĩa là họ phải đến từ những người giới thiệu Rock Hall được bầu vào bảo tàng với tư cách là người biểu diễn (bao gồm cả lớp 2022). Điều đó có những giai điệu mang tính biểu tượng như Kingsmen trong thời gian Louie Louie Louie, Hồi Derek và Dominos, Lay Layla, và Don McClean trong thời gian của người Mỹ. Tương tự như vậy đối với các nghệ sĩ, những người không đủ điều kiện cho Hội trường danh vọng Rock & Roll (xin lỗi, Beyonce, Kanye West và Taylor Swift Fan). Chúng tôi cũng quyết định giới hạn nó ở một bài hát cho mỗi nghệ sĩ. Không có quy tắc như vậy, The Beatles sẽ thống trị. Nhưng chúng tôi đã không muốn điều này trở thành một chương trình giới thiệu cho Fab Four, Bob Dylan, Prince, Madonna hoặc Led Zeppelin (cộng với, chỉ chọn một bài hát từ những nghệ sĩ đó là một thử thách thú vị). Điều đó vẫn còn rất nhiều nghệ sĩ và bài hát tuyệt vời trong danh sách. Không có khách sạn California? Hãy để những email ghét đi vào. Khói trên mặt nước ở đâu? Không phải ở đây. Không có AC/DC, Van Halen, Billy Joel hay Janis Joplin? Tin tưởng chúng tôi, đó là một cách dễ dàng. Như mọi khi, đây chỉ là một bài hát hay nhất mà chắc chắn sẽ được tuyên bố sai. Nhưng này, nó chỉ có nhạc rock. Hồ sơ sceptor 100. The Shirelles - "Bạn sẽ yêu tôi vào ngày mai" (1960) Danh sách các nghệ sĩ đã bao gồm Gerry Goffin và Carole King đã viết thư cho bạn sẽ yêu tôi vào ngày mai, là một người mà các ca sĩ tuyệt vời, từ Smokey Robinson đến Dionne Warwick đến Roberta Flack (và chính Carole King trên Tap Tapestry). Nhưng không ai trong số họ quản lý để đứng đầu bản gốc, cảm giác như bài hát của nhóm cô gái hoàn hảo. Trên thực tế, lịch sử gợi ý cho Shirelles ra mắt thể loại nhóm nữ với một bản thiết kế không thay đổi nhiều kể từ phiên bản của họ sẽ yêu tôi vào ngày mai, một sự pha trộn tuyệt đẹp của doo-wop và tâm hồn, trở thành người đầu tiên Bài hát của một nhóm toàn nữ màu đen để đánh số 1. Hồ sơ sử thi 99. Thủ thuật giá rẻ - đầu hàng trực tiếp (1978) Có rất nhiều bài hát giận dữ tuổi teen khó xử như người đầu hàng. Có rất nhiều người tốt hơn. Một số người đầu hàng là tất cả về một cuộc đụng độ văn hóa, cụ thể là thế hệ Thế chiến II so với các loại trẻ em bạn thấy trong bộ phim Dazed và bối rối. Nhưng bài hát lừa đảo giá rẻ cũng có thể là vượt thời gian cho cả thông điệp và năng lượng của nó. Nó nói về một bài hát rock and roll vui nhộn mà bạn sẽ từng nghe phải được chơi với âm lượng lớn. Nó không thể không hát theo. Hồ sơ hoành tráng 98. Roy Orbison - Khóc khóc (1961) Ngay từ đầu, Roy Orbison đã khác với những người tiên phong nhạc rock and roll. Cho dù đó là giọng nói của anh ấy hay việc sử dụng sự ủng hộ của dàn nhạc trong một số bản hit lớn nhất của anh ấy, nhạc pop của Orbison đã có thể khai thác những cảm xúc khác nhau và sâu sắc hơn. Trên Crying Crying, Orbon Orbison đã phá vỡ một trong những bài hát Rawest và cảm xúc nhất trong thời đại của nó. Phong cách của Orbison, cho phép anh ta đóng gói bộ phim trong những vụ nổ ngắn. Crying Crying đồng hồ trong vòng chưa đầy ba phút, nhưng nó loại bỏ mọi thứ ra khỏi bạn. Hồ sơ Brunswick 97. Jackie Wilson - Hồi (Tình yêu của bạn luôn nâng tôi lên) Cao hơn và cao hơn (1967) Jackie Wilson đã khởi động sự nghiệp solo của mình sau khi Dominoes với những bài hát tình yêu khá đơn giản sẽ thành lập anh ấy như một giọng nói đặc trưng và người biểu diễn vào cuối những năm 1950. Nhưng đó là 10 năm sau khi ra mắt solo, cuối cùng anh cũng đạt được Dirt. Nếu là (tình yêu của bạn luôn nâng tôi lên) ngày càng cao hơn, thì phát hành trên Brunswick Records, có một cảm giác motown quyết định với nó, nó nên. Wilson đã thuê một số thành viên của ban nhạc Motown Records, The Funk Brothers, những người đang tìm kiếm thêm tiền. Wilson ban đầu tiếp cận bài hát như một bản ballad. Nhưng nhà sản xuất Carl Davis đã thúc đẩy anh ta theo dõi bộ gõ nổi bật của Funk Brothers. Wilson bắt buộc, tạo ra một trong những bài hát hay của mọi thời đại. Elektra 96. Cửa ra vào - Light Light My Fire (1967) Có rất nhiều bài hát xuất hiện trong tâm trí nhanh hơn khi nghĩ về nhạc rock ảo giác so với cửa ra vào Light Light My Fire. Nó nói tất cả về những rung cảm trippy và Jim Morrison hát về sự giao thoa giữa tình yêu, sự sống và cái chết. Ở dạng album, Light Light My Fire, là tất cả mọi thứ của cánh cửa. Robby Krieger đã viết phần cốt lõi của bài hát, cho phép các đồng nghiệp của mình xây dựng nó và giải phóng sự điên rồ bên trong của họ. Morrison luôn không bị xáo trộn, nhưng nhà tổ chức Ray Manzarek phù hợp với con thú ảo giác bên trong của anh ta, tạo cho ánh sáng của tôi. Hồ sơ sử thi 95. Pearl Jam - Jeremy Jeremy (1991) Pearl Jam, nổi tiếng là một bản dựng chậm. Ban nhạc đã lưu diễn với sức mạnh của hai đĩa đơn đầu tiên từ Hồi Ten, - Alive Alive và và thậm chí là dòng chảy - trong một thời gian. Tuy nhiên, một khi Jeremy Jeremy tấn công, tất cả các cược đã bị tắt. Phần lớn điều đó phải làm với video âm nhạc, sự nổi tiếng của họ sẽ khiến Pearl Jam ra khỏi ánh đèn sân khấu. Nhưng như một bài hát, Hồi Jeremy, là một lực lượng đáng kinh ngạc của tự nhiên vượt lên trên grunge. Eddie Vedder didn chỉ trở thành giọng nói đặc trưng của nhạc grunge nhưng đối với tất cả các rock thay thế. Màn trình diễn giọng hát đen tối của Jeremy Jeremy và Vedder sẽ sinh ra hàng trăm ban nhạc mà mọi người sẽ ghét tốt vào thế kỷ 21. Cho dù họ có tốt hay không (hầu hết người sói), họ chỉ đơn giản là không bao giờ sống theo những gì Vedder và các bạn cùng nhóm của anh ta hoàn thành. RCA 94. ABBA - Nữ hoàng nhảy múa (1976) ABBA luôn thông minh hơn nhiều người đã mang lại cảm giác pop. Nhóm của nhóm Mega Mega-hit, Dancing Dancing Queen Coasts trong sự rung cảm vũ trường của nó. Nhưng chính việc tiêm Europop Sound làm cho nó vượt thời gian. Có một lý do khiến Nữ hoàng nhảy múa trên thế giới đã vượt qua mốt disco (và không chỉ vì Mam Mamma Mia! Đây là một bài hát hoàn hảo về việc có thời gian của cuộc đời bạn, đã báo trước những điệu nhảy tươi tốt mà Lôi thống trị đài phát thanh kể từ đó. Hồ sơ mặt trời 93. Jerry Lee Lewis - Những quả bóng tuyệt vời của lửa (1958) Jerry Lee Lewis đã giúp thiết lập tiêu chuẩn cho Rock and Roll năng lượng cao với những năm 1957, ở đó, một số người Lotta Shakin, đang diễn ra. Nhưng đó là bài hát tiếp theo của bài hát, những quả bóng lửa tuyệt vời, đó sẽ chứng minh một tuyên bố xác định về một thể loại vẫn còn xuất hiện. Lewis đã có một cách làm cho những người khác sáng tác - trong trường hợp này, của Otis Blackwell và Jack Hammer - và biến chúng thành của riêng mình. Những quả bóng tuyệt vời của Fire Fire xây dựng đến kết luận tuyệt vời của nó, nơi Lewis và piano chơi biên giới trên đường viền. Như một kỷ lục biểu diễn, những quả bóng tuyệt vời của lửa lửa là ngoạn mục. Hồ sơ Interscope 92. Eminem - Hồi Stan (2000) Stan Stan cảm thấy như một ngoại lệ cho Eminem khi nó được phát hành vào năm 2000. Được thành lập như một rapper lớn nhất thế giới, Eminem đang thống trị MTV và các bảng xếp hạng với các bài hát rap am hiểu pop . ” Nhưng màn trình diễn trữ tình xuất sắc của anh ấy về một người hâm mộ bị ám ảnh sẽ chứng tỏ là bài hát bền bỉ nhất của anh ấy. Về mặt thực tế, Stan Stan đã sử dụng rất nhiều ca sĩ người Anh Dido, bài hát cảm ơn, cảm ơn, đưa ra những rung cảm lạnh lùng với Eminem rap từ quan điểm của người hâm mộ của anh ấy khi mọi thứ trở nên bi thảm với Phil Collins, trong không khí Tối nay. Một số người Stan Stan rất có ảnh hưởng, nó vẫn là thuật ngữ khi mô tả fandom cực đoan. Hồ sơ phổ 91. Muddy Waters - "Got My Mojo Work" Muddy Waters đã tạo được dấu ấn của mình trong lịch sử âm nhạc trong phần tốt hơn của một thập kỷ rưỡi. Nhưng đã có được mojo của tôi làm việc, đó là khoảnh khắc Waters, đã truyền cảm hứng cho một thế hệ các ngôi sao nhạc rock and roll. Bằng cách hợp nhất một nhịp điệu blues truyền thống với một sự tiến triển hợp âm đơn giản, Waters, bản tái hiện của Got Got My Mojo Work, đã tạo ra cây cầu cuối cùng từ blues đến rock and roll. Nó không thể lắng nghe và không nghe thấy tác động của nó đối với những người như Eric Clapton, Jeff Beck, Keith Richards, Jimmy Page, Brian May, Angus Young và vô số người khác. Elektra 90. Metallica - Master Master of Puppets (1986) Một đoạn riff mở đầu hạ đầu bạn. Bốn chuyển động tuyệt đẹp giúp bạn ở cạnh ghế trong tám phút rưỡi. Đây là kim loại nặng ở đỉnh cao nhanh chóng với mức độ tinh tế mà các nghệ sĩ giỏi nhất trong bất kỳ thể loại nào cũng có thể đánh giá cao. Được viết bởi tất cả bốn thành viên của đội hình cổ điển của Metallica, Master Master of Puppets, đánh dấu sự nâng cao khoảnh khắc của quán bar, không chỉ cho Thrash Metal mà nói chung cho Hard Rock. Metallica sẽ tiếp tục có những cú đánh lớn hơn. Nhưng Master Master of Puppets là bài hát đi đầu trong ban nhạc di sản tuyệt vời. RCA 94. ABBA - Nữ hoàng nhảy múa (1976) ABBA luôn thông minh hơn nhiều người đã mang lại cảm giác pop. Nhóm của nhóm Mega Mega-hit, Dancing Dancing Queen Coasts trong sự rung cảm vũ trường của nó. Nhưng chính việc tiêm Europop Sound làm cho nó vượt thời gian. Có một lý do khiến Nữ hoàng nhảy múa trên thế giới đã vượt qua mốt disco (và không chỉ vì Mam Mamma Mia! Đây là một bài hát hoàn hảo về việc có thời gian của cuộc đời bạn, đã báo trước những điệu nhảy tươi tốt mà Lôi thống trị đài phát thanh kể từ đó. Roswell/Capitol Hồ sơ mặt trời 93. Jerry Lee Lewis - Những quả bóng tuyệt vời của lửa (1958) Tuff cành 87. Bình rừng bê tông, người Viking là người ngay lập tức hấp dẫn như Bob Marley, sau này là sự nghiệp. Bạn phải chú ý hơn đến ca khúc mở đầu từ những năm 1973, Vô nhiễm Nguyên tội bắt lửa. Nhưng, cuối cùng, các chủ đề, thông điệp và ý tưởng chìm trong và áp đảo bạn. Marley và Wailers vẽ một bức tranh tuyệt đẹp về xã hội có thể dịch trên toàn cầu. Và trong khi lời bài hát của Marley, đứng đầu: Không có chuỗi vòng quanh chân tôi, nhưng tôi không tự do. Tôi biết tôi bị ràng buộc trong việc nuôi nhốt ... Bản nhạc của bài hát (đặc biệt là bản solo guitar) cũng không kém phần hấp dẫn. Jungle bê tông là âm thanh của một giọng nói của thế hệ xuất hiện trong chính mình. RCA 86. Eurythmics - Những giấc mơ ngọt ngào (được làm từ này) Khi nói đến đỉnh cao của synth-pop và làn sóng mới, một vài điều cảm thấy cao chót vót như chữ ký của Eurythmics. Với sự quan tâm ngày càng tăng đối với âm nhạc điện tử, Dave Stewart đã sản xuất bài hát trên các bộ tổng hợp mới. Sau khi nghe nó, Annie Lennox muốn vào. Âm thanh synth đấu tay đôi đó là bài hát bánh mì và bơ, định hình những giấc mơ ngọt ngào của Hồi như một bức chân dung ám ảnh. Bài hát cũng trực quan tạo được dấu ấn với Annie Lennox trở thành một ngôi sao nhạc pop với vẻ ngoài khác biệt cô với bất kỳ nghệ sĩ nào khác ngoài kia. Một đĩa đơn quái vật, những giấc mơ ngọt ngào của người Hồi giáo đã đưa Eurythmics lên bản đồ và đẩy nhạc điện tử lên một tầm cao mới. London/A&M 85. Ike & Tina Turner - Sông Deep - Núi cao (1966) River River Deep - Núi High là âm thanh của Tina Turner được đặt tự do âm nhạc. Lần đầu tiên, Ike Turner không liên quan gì đến một trong những bài hát của cô, đã được nhà sản xuất Phil Spector trả hết để bước sang một bên. Chính Spector đã xem Tina là khoảng trống lý tưởng cho bức tường sản xuất âm thanh của mình được hỗ trợ bởi phi hành đoàn phá hoại. Khi phát hành ban đầu, Spector dường như sai. River River Deep - Núi High không phải là một hit, cho phép Ike nói rằng tôi đã nói với bạn như vậy. Nhìn lại, bài hát được công nhận là kiệt tác vinh quang, từ một trong những nhà sản xuất vĩ đại nhất mọi thời đại và là một ca sĩ cuối cùng đã có được khoảnh khắc tỏa sáng. Chess/WaxTime 84. Bo Diddley - Hồi Bo Diddley (1955) Bo Diddley đã không phát minh ra nhịp điệu đặc trưng của Rock và Roll. Nhưng anh chắc chắn khi Heck hoàn thiện nó đến mức nó được đặt theo tên anh. Nhìn bề ngoài, có rất nhiều điều cho bài hát rock and roll huyền thoại Bo Diddley đặt tên cho mình. Lời bài hát không thể đơn giản hơn, dựa trên em bé Lullaby Hush Hush. Nhưng phép thuật nằm trong âm thanh Diddley tạo ra với cây đàn guitar của mình. Ngay lập tức, Bo Bo Diddley đã nhảy ngay vào phần cốt lõi của nó, ngay lập tức móc nối bạn. Lấy tín hiệu từ âm nhạc Afro-Cuban, Diddley đã đưa ra một nhịp âm nhạc được kết hợp sẽ mang lại cho rock và cuộn xương sống của nó. Gordy/Motown 83. Martha và Vandellas - nhảy múa trên đường phố (1964) Trên bề mặt của nó, Dancing Dancing in the Street là một bài hát được điều khiển bởi niềm vui không bị kìm hãm, được viết một cách xuất sắc như một bản ballad dưới dạng dự thảo của William Hồi Mickey Hồi Stevenson. Với sự thúc giục của Marvin Gaye, bài hát đã được chuyển thành một giai điệu khiêu vũ, nơi nó đạt đến cấp độ ma thuật. Martha Reeves Hiệu suất đầu mối mạnh mẽ được hỗ trợ bởi Motown, Funk Brothers sẽ có một cuộc sống của riêng mình với tư cách là một quốc ca dân quyền, kêu gọi nước Mỹ đến với nhau, bất kể chủng tộc, trong một thời gian đầy biến động, có lẽ, có thể được chữa lành bởi âm nhạc tuyệt vời. Phillips 82. Dusty Springfield - Con trai của một người thuyết giáo người Hồi giáo (1968) Với sự nghiệp dường như sắp chết, Dusty Springfield đã tham gia Atlantic Records với hy vọng làm việc với Jerry Wexler, người đàn ông đã giúp Aretha Franklin đạt được tiềm năng đầy đủ của cô. Wexler, cùng với các nhà văn John Hurley và Ronnie Wilkins đã cho Dusty một nhóm các bài hát như Son Son of a Preacher Man, khiến Springfield sợ hãi. Sáp nhập pop truyền thống của cô với âm nhạc linh hồn mạnh mẽ là vùng thoải mái của Springfield Springfield. Nhưng với sự thúc giục của Wexler, cô đã ném mình vào đó. Con trai của một người đàn ông thuyết giáo sẽ đến để xác định âm thanh của linh hồn mắt xanh, ảnh hưởng của nó cảm nhận trong thế kỷ 21 trong sự nghiệp của những người đứng đầu bảng xếp hạng như Amy Winehouse, Adele, Sam Smith và những người khác. Decca/WaxTime 81. Buddy Holly và dế - Hồi đó sẽ là ngày (1957) Buddy Holly lần đầu tiên ghi lại, đó là một ngày vào năm 1956 vào thời điểm sự nghiệp của anh ấy, vẫn còn ở giai đoạn trứng nước, dường như không đi đến đâu. Thật là một sự khác biệt một năm làm. Phiên bản được phát hành trên một hãng thu âm khác và dưới cái tên Crickets sẽ chứng minh tinh tế hơn nhiều, không chỉ với nhạc cụ của nó (được đánh dấu bằng cách chơi guitar chính của Holly) mà còn với phong cách hát Hiccup đặc trưng sẽ truyền cảm hứng cho vô số nhạc rock and roll vô tận Ca sĩ tiến về phía trước. Holly đã phát hành một số đĩa đơn huyền thoại trong thời gian ngắn trên hành tinh này. Nhưng tất cả bắt đầu với số 1 đầu tiên của anh ấy, đó là ngày đó. Hồ sơ Geffen 80. Guns Nát Roses - Chào mừng bạn Grunge nhận được tất cả tín dụng để giết kim loại tóc. Nhưng Guns n, hoa hồng cũng nên bắt một số cú đánh (hoặc tín dụng) đó. Chắc chắn, họ cũng có mái tóc dài. Nhưng Gn hèr đã bị cuốn vào sự quyến rũ. Từ những âm thanh mở đầu của Chào mừng đến với khu rừng, đó là những khẩu súng rõ ràng là hoa hồng là khác nhau. Nổi lên từ khía cạnh nghiệt ngã của khung cảnh đá cứng của Los Angeles, đã được một thời gian kể từ khi thế giới thấy một ban nhạc thể hiện tình dục, ma túy và rock & roll khá giống như những khẩu súng trong khi cũng nghe như một trong những ban nhạc rock vĩ đại nhất mọi thời đại. Chào mừng bạn đến với Jungle Jungle cảm thấy như một thứ gì đó bị xé toạc trong những năm 1970 theo cách tốt nhất có thể tưởng tượng được. RCA/Victor 79. Lou Reed - Đi bộ trên đường hoang dã (1972) Giống như nhiều bài hát đặc trưng của Lou Reed,, Walk Walk On the Wild Side, sẽ trở thành một bài hát cho người ngoài. Tuy nhiên, nó vẫn không giống bất cứ thứ gì khác mà anh ta ghi lại, hợp nhất glam-rock quyến rũ với thẩm mỹ doo-wop. Ca khúc này là tự truyện, với mỗi câu thơ tham khảo một ai đó trong Vòng tròn Reed, trong những ngày của anh ta đi chơi tại Andy Warhol, nhà máy ở New York. Mặc dù hầu hết chúng ta đều ở đó, nhưng đi bộ trên đường hoang dã, khiến chúng ta cảm thấy là một phần của một điều gì đó đặc biệt. Grand Royal/Capitol 78. Beastie Boys - Sab Sabotage (1994) Rap-rock không có danh tiếng tốt nhất. Nhưng khi được thực hiện tốt, nó có thể là một lực lượng của tự nhiên. Vào năm 1994, The Beastie Boys sẽ tạo ra một âm thanh mờ nhạt, không ngừng trên trên Sab Sabotage, sẽ tìm thấy nền tảng hoàn hảo giữa Punk và Rap. Điều quan trọng là khả năng của Beasties để phá vỡ từng thể loại thành nguyên thủy nhất của chúng trước khi đánh sập chúng với nhau. Tất cả mọi thứ về Sab Sabotage, cảm thấy mang tính biểu tượng, từ dòng bass đáng kinh ngạc đến màn trình diễn giọng hát ly kỳ của Ad Rock, đến video do Spike Jonze đạo diễn. Ngay lập tức, Sab Sabotage đã đến vào thời điểm mà các chàng trai Beastie được cho là trong giai đoạn của họ. Nhưng bạn có thể làm một cái gì đó như thế này mà không phải là một tình yêu vui tươi của âm nhạc không bao giờ biến mất. RCA 77. Dolly Parton - Hồi Jolene (1973) Lịch sử Rock and Roll có đầy đủ các bài hát mà đàn ông cầu xin phụ nữ của họ không nên rời xa họ và ngược lại. Như bạn có thể mong đợi, bài hát được bảo hiểm nhất của Dolly Parton, Hồi Jolene, Hồi là một câu chuyện khác về đau lòng. Nó đòi hỏi Parton phải ở trạng thái dễ bị tổn thương nhất với tư cách là một người kể chuyện, tạo ra một câu chuyện về một người phụ nữ cầu xin người khác không ăn cắp chồng mình. Ca khúc chỉ được làm cho đau lòng hơn bởi âm thanh guitar có ngón tay cái của Chip Young, Haunting. Hồ sơ Columbia 76. Simon & Garfunkel - Âm thanh của sự im lặng (1965) Nếu Brid Bridge trên Water Water gặp rắc rối, là Simon & Garfunkel's Ngày hôm qua - bài hát mà mọi người đều biết rằng đó đã được sử dụng để ghi được hàng triệu sự kiện cuộc sống buồn - thì âm thanh của sự im lặng là bộ đôi Eleanor Rigby - một thứ gì đó tối hơn, ám ảnh và đáng tin cậy hơn nhiều. Cho dù bạn nghĩ rằng điều đó làm cho âm thanh của sự im lặng của Simon Simon & Garfunkel, bài hát hay nhất phụ thuộc vào sở thích của bạn. Nhưng Paul Simon sườn đánh bại sự cô đơn vẫn ở bên bạn nhiều như bất kỳ bài hát dân gian nào có thể. “Xin chào Darkness, người bạn cũ của tôi ... không có gì lạ khi các ban nhạc kim loại bị thu hút bởi điều này. Hồ sơ A & M 75. Janet Jackson - Miss Miss You rất nhiều (1989) "Đạt mục đích? Tốt. Nhảy đi." Để hoàn toàn nắm bắt được sự tuyệt vời của Miss Miss You nhiều, anh ấy là người dẫn đầu trong album bom tấn của Janet Jackson, bộ phim bom tấn Rhythm Nation 1814, bạn cần phải nghe bản interlude xuất hiện trước đó. Voi Let Let Dance Dance/người nhớ bạn rất nhiều điểm đánh dấu vào khoảnh khắc của Rhythm Nation 1814 ″ Tria từ Art Jackson có khái niệm cao đã được đưa ra cùng với bộ đôi sản xuất Jimmy Jam và Terry Lewis. Hơn bất kỳ bài hát nào trong album, Miss Miss You Nhiều người đứng một mình như một nỗ lực pop hoành tráng. Gọi nó là New Jack Swing hoặc Dance-Pop, Miss Miss You Nhiều là một người bắt đầu bữa tiệc đánh dấu Janet Jackson, Thăng thiên là biểu tượng tình dục và Megastar ngang hàng với anh trai hoặc bất kỳ ai khác. Hồ sơ Đại Tây Dương 74. Otis Redding - Hãy thử một chút dịu dàng (1966) Khi Kanye West cắt một mẫu giọng nói của Otis Redding, để xem The Throne. Có nhiều sức mạnh trong một đoạn giọng nói của Redding, hơn hầu hết các ban nhạc rock năm mảnh có thể tập hợp được. Mẫu đó đến từ Redding, Monster Soul Anthem, hãy thử một chút dịu dàng. Redding, được hỗ trợ bởi Booker T. & The M.G., và nhà sản xuất Stax Isaac Hayes, đã làm lại phiên bản gốc của Dàn nhạc Noble Noble trong một bản thu âm để xây dựng tiếng nổ giọng hát của Redding. Hồ sơ Argo 73. Etta James - "Cuối cùng" (1961) Cuối cùng, ban đầu được viết và ghi lại như một giai điệu của dàn nhạc cho bộ phim âm nhạc năm 1941, Sun Sun Valley Serenade. Phiên bản Etta James, hoạt động với một giai điệu tương tự (lịch sự của Riley Hampton), nhưng giọng nói của cô thổi nó ra khỏi nước. James hát bài hát theo cách làm cho sự lãng mạn của nó trở nên phổ biến. Nhưng bài hát rõ ràng là của cô ấy. Không ai từng đến gần với hình thức trang bìa này (xin lỗi, Beyonce, Celine Dion và những người khác). Một vài bài hát tình yêu mang tính biểu tượng hơn. Roc-a-fella/def Jam 72. Jay -Z - 99 99 vấn đề (2004) Truy xuất vào những gì được cho là dự án cuối cùng của anh ấy, album The Black Album, Jay Jay-Z muốn làm việc với một người mà là người của hoàng gia sản xuất hip hop. Có lẽ sự lựa chọn kỳ lạ nhất là Rick Rubin. Jay hiếm khi lao vào trường học cũ, Hip Hop trước những năm 1990. Tuy nhiên, đó là một trận đấu được thực hiện trên thiên đường. Rubin đã mang đến những đoạn riff guitar nặng và tiếng trống đập mà anh sử dụng để giúp đưa Beastie Boys và LL Cool J lên bản đồ. Jay đã mang thiên tài trữ tình của mình, dệt một câu chuyện về những vấn đề và sự ghen tị đi kèm với màu đen trong khi bật giọng nói và phát ra để chơi nhiều phần trên đường đua. Ngay cả khi anh ta gọi nó thoát (theo lý thuyết), Jay-Z vẫn chứng minh anh ta có khả năng bất ngờ. Sussex 71. Bill Withers - Hồi Ain không có ánh nắng mặt trời (1971) Một người khác không có ánh nắng mặt trời tìm thấy những bản nhạc blues tỏa ra với tâm hồn. 30 giây đầu tiên hoặc lâu hơn bị tước đi với giọng điệu của Bill Withers, giọng nói gợi lên cảm xúc tàn khốc. Thiết bị được cung cấp bởi Donald xông Duck Duck Dunn trên bass, Al Jackson Jr. trên trống, Stephen Stills trên guitar và Booker T. Jones sắp xếp các chuỗi làm cho bóng tối dường như thậm chí còn hoành tráng hơn. Sự cố giọng hát tuyệt vời của Withers, (tôi biết, tôi biết, tôi biết, tôi biết, tôi biết) tạo ra cảm giác hoang tưởng trong một bài hát làm tan nát trái tim bạn. Và tất cả xảy ra chỉ trong hơn hai phút. Hồ sơ Arista 70. Whitney Houston - Hồi Tôi muốn nhảy với ai đó (người yêu tôi) (1987) Chương đầu tiên của sự nghiệp Whitney Houston, được xây dựng trên những bản ballad. Nhưng sau khi phát hành How How I will Knows, là đĩa đơn cuối cùng trong album đầu tay có tựa đề Houston, nhóm tại Arista đã nhanh chóng biết được giọng hát của ca sĩ có thể đóng gói một bức tường trên sàn nhảy. Tham gia vào trò chơi Tôi muốn nhảy với ai đó là đĩa đơn thứ hai từ năm 1988, Whit Whitney, một vụ nổ của điệu nhảy với giọng nói hoàn hảo của Houston, là động lực. Bài hát được phát trên Radio Non-Stop với video đưa Houston Charisma vào màn hình đầy đủ. Houston đã ghi được ba đĩa đơn số 1 trước khi tôi muốn nhảy với ai đó được phát hành. Nhưng bản nhạc, được sản xuất bởi Narada Michael Walden, đã làm mọi thứ đến trước khi nó cảm thấy nhỏ. Nothing/TVT 69. Móng tay chín inch - "Hurt" (1994) Hôm nay tôi đã tự làm tổn thương mình, để xem liệu tôi có còn cảm thấy không ... rất ít bài hát trong lịch sử âm nhạc phổ biến có được điều tối tăm này ngay từ khi bắt đầu. Và hiếm khi họ mạnh mẽ như vậy. Hurt Hurt, đóng cửa ra mắt chín inch Nails. Nó có một bài hát về sự tự gây hại và nghiện mà Trent Reznor mặc quần áo với lực lượng âm thanh thông thường của mình. Nhưng không có gì có thể lấy đi nỗi đau trong giọng nói của anh ấy, điều này cho vay một trong những bản cover lớn nhất mọi thời đại của Johnny Cash. Bạn có thể tranh luận cả ngày về phiên bản nào là tốt nhất. Cash Cash Cover dải mọi thứ xuống, đưa ý tưởng về một người đàn ông gặp kết thúc của mình lên hàng đầu. Nhưng bài hát sáng chói của bài hát trở lại với tầm nhìn ban đầu của Reznor, một thứ gì đó rất tối trong khi cũng không thể quay lưng lại. Motown 68. The Supreme - "Bạn giữ tôi lại trên" (1966) Các Supreme đã dành một thời gian dài để cố gắng leo lên Núi Motown, cuối cùng ghi được số 1 đầu tiên của họ với những năm 1964, tình yêu của chúng ta đã đi đâu. Từ đó trở đi, nó đã bị đánh sau khi đánh. Nhưng nhóm không bao giờ ngừng đổi mới. Bạn có thể giữ tôi lại trên mạng là một phần của làn sóng đứng đầu bảng xếp hạng thứ hai của tối cao. Như mọi khi, các hòa âm là đỉnh cao. Nhưng bài hát này sẽ khác biệt nhờ vào công việc sản xuất của Holland, Dozier, Holland, điều này sẽ chứng minh được ảnh hưởng trong việc phát triển âm nhạc Funk trong vài năm tới. Uni 67. Elton John - Vũ công nhỏ bé (1972) Người đàn ông Rocket Rocket, người Hồi giáo Levon, người Hồi giáo Bennie và Jets. Nhiều bài hát nổi tiếng nhất của Elton John, là các tác phẩm trình diễn được thiết kế để khiến đám đông trở nên điên cuồng. Nhưng không ai trong số họ có sức mạnh của vũ công nhỏ bé. Ngay từ khi bắt đầu sự nghiệp, đã có một cái gì đó ngay lập tức vượt thời gian về những bản ballad John và Bernie Taupin đã sản xuất (xem: Bài hát của bạn). Và vũ công nhỏ bé là một kiệt tác của họ. Bài hát do piano điều khiển là bài hát đơn lẻ cuối cùng. Và trong khi các ứng cử viên khác chờ đợi cho đến khi điệp khúc kết nối bạn, thì Tiny Dancer, sẽ khiến bạn phải đọc mọi lời ngay từ đầu, mời bạn bè của bạn tham gia. Emi/Sex Pistols 66. (1976) Album đầu tiên của Ramones, trước khi ra mắt Sex Pistols, một vài tháng. Nhưng bạn có thể làm cho trường hợp sau này có ảnh hưởng hơn. Tiêu đề cho bạn biết tất cả những gì bạn cần biết về sự xâm lược và lập trường chống thành lập. Nhưng Johnny Rotten chắc chắn sẽ lái xe về nhà với lời bài hát bốc lửa của anh ấy. Tôi là Antichrist, tôi là một người theo chủ nghĩa vô chính phủ. Bên cạnh màn trình diễn Rotten, điều nổi bật nhất về bài hát Anch Anarchy ở U.K. là cuộc tấn công guitar được giải phóng bởi Steve Jones và được tinh chỉnh bởi nhà sản xuất Chris Thomas. Đó là một lời mời đến bất cứ ai, bất cứ nơi nào đã thiếu kinh nghiệm (và tài năng) để chọn nhạc cụ. Puck Rock đã tắt và chạy. Motown 65. Những cám dỗ - Hồi Papa là một viên đá lăn (1972) Sau đó, Pap Papa là một viên đá lăn, bắt đầu như một ca khúc cho nhà sản xuất dự án thú cưng Norman Whitfield, The Untise Truth vào tháng 5 năm 1972. Bài hát đã đi xa trên bảng xếp hạng. Cảm thấy thoải mái hơn với các kỹ thuật sản xuất tâm hồn ảo giác của mình, Whitfield sẽ biến bài hát thành phiên bản 12 phút hoành tráng chưa đầy năm tháng sau đó cho những cám dỗ. Nhóm - có sự tham gia của những người biểu diễn giọng hát hay nhất trong thời đại của họ - ghét nó. Cấm Papa là một viên đá lăn là một chương trình giới thiệu cho Whitfield hơn họ. Nhưng ở đó, không thể phủ nhận nó tuyệt vời như thế nào. Whitfield rút ra từng mánh khóe, ném vào tất cả tiếng chuông và còi mà anh ta có thể nghĩ ra. Những cám dỗ mang đến một màn trình diễn xuất sắc khác, ngay cả khi các lớp nhạc cụ Whitfield ăn cắp chương trình. Hồ sơ đảo 64. Tom Waits - Downtown Train Train (1985) Phong cách Tom Waits có thể là thách thức. Điều đó không thể nói rằng có một thứ gì đó hùng vĩ và hấp dẫn về ngay cả những bài hát khác thường nhất của anh ấy (Hồi What mà anh ấy xây dựng nắm giữ bạn ở cổ họng). Nhưng nó có ý nghĩa rằng bài hát vĩ đại nhất của anh ấy là phổ quát nhất của anh ấy. Và nó gần như xảy ra một cách tình cờ. Buổi biểu diễn giọng hát của Waits trên trung tâm thành phố Train Train là một người được ngâm trong sự rasp đặc trưng của anh ấy. Nhưng nó có âm thanh guitar sáng tương phản với giọng nói Waits, nâng nó lên một bài quốc ca buồn bã với sự trữ tình tuyệt vời của Waits, vẽ nên một bức tranh quyến rũ của New York vào ban đêm. Bạn bị lạc trong đó. Hồ sơ điểm 63. Máy bay Jefferson - Thỏ trắng (1967) Thỏ trắng là một chuyến đi axit xây dựng và xây dựng và xây dựng. Lấy cảm hứng từ các tác phẩm văn học của Lewis Carroll, Grace Slick đã viết ra White White Rabbit, khi hạ gục những câu chuyện cổ tích ngây thơ. Nhưng bài hát cũng phản ánh sự mất mát của sự ngây thơ đã bắt đầu hình thành trong nửa sau của những năm 1960. Sự rung cảm của bài hát chỉ phát triển tối hơn theo nghĩa hiện đại, mang một biểu tượng màu xanh hoặc màu đỏ. Nhưng ẩn bên dưới các tài liệu tham khảo về ma túy và ảo giác là một âm nhạc trơn bóng từ Miles Davis Hồi Hồi Phác thảo của Tây Ban Nha. Thỏ White White, bạn đã dụ dỗ bạn chỉ để bóng bẩy để đánh bóng bạn trong ruột với màn trình diễn của cô ấy trong bài hát cuối cùng. EMI/Capitol 62. Ban nhạc - Trọng lượng (năm 1968) Gram Parsons (cùng với Byrds) có thể là nghệ sĩ quan trọng nhất trong lịch sử của Country Rock. Nhưng bài hát đầu tiên bạn nghĩ đến khi nói đến thể loại này có thể là ban nhạc của nhóm nhạc. Nó là một bài hát sống động gợi lên ý tưởng của nước Mỹ cổ điển. Phần lớn nội dung trữ tình - một du khách, biên giới, hình ảnh tôn giáo và những sinh vật kỳ dị - là mở để giải thích. Nhắm mắt lại và để tất cả được thiết lập. Hồ sơ đảo 64. Tom Waits - Downtown Train Train (1985) Phong cách Tom Waits có thể là thách thức. Điều đó không thể nói rằng có một thứ gì đó hùng vĩ và hấp dẫn về ngay cả những bài hát khác thường nhất của anh ấy (Hồi What mà anh ấy xây dựng nắm giữ bạn ở cổ họng). Nhưng nó có ý nghĩa rằng bài hát vĩ đại nhất của anh ấy là phổ quát nhất của anh ấy. Và nó gần như xảy ra một cách tình cờ. Buổi biểu diễn giọng hát của Waits trên trung tâm thành phố Train Train là một người được ngâm trong sự rasp đặc trưng của anh ấy. Nhưng nó có âm thanh guitar sáng tương phản với giọng nói Waits, nâng nó lên một bài quốc ca buồn bã với sự trữ tình tuyệt vời của Waits, vẽ nên một bức tranh quyến rũ của New York vào ban đêm. Bạn bị lạc trong đó. Hồ sơ điểm 63. Máy bay Jefferson - Thỏ trắng (1967) Thỏ trắng là một chuyến đi axit xây dựng và xây dựng và xây dựng. Lấy cảm hứng từ các tác phẩm văn học của Lewis Carroll, Grace Slick đã viết ra White White Rabbit, khi hạ gục những câu chuyện cổ tích ngây thơ. Nhưng bài hát cũng phản ánh sự mất mát của sự ngây thơ đã bắt đầu hình thành trong nửa sau của những năm 1960. Sự rung cảm của bài hát chỉ phát triển tối hơn theo nghĩa hiện đại, mang một biểu tượng màu xanh hoặc màu đỏ. Nhưng ẩn bên dưới các tài liệu tham khảo về ma túy và ảo giác là một âm nhạc trơn bóng từ Miles Davis Hồi Hồi Phác thảo của Tây Ban Nha. Thỏ White White, bạn đã dụ dỗ bạn chỉ để bóng bẩy để đánh bóng bạn trong ruột với màn trình diễn của cô ấy trong bài hát cuối cùng. 62. Ban nhạc - Trọng lượng (năm 1968) Gram Parsons (cùng với Byrds) có thể là nghệ sĩ quan trọng nhất trong lịch sử của Country Rock. Nhưng bài hát đầu tiên bạn nghĩ đến khi nói đến thể loại này có thể là ban nhạc của nhóm nhạc. Nó là một bài hát sống động gợi lên ý tưởng của nước Mỹ cổ điển. Phần lớn nội dung trữ tình - một du khách, biên giới, hình ảnh tôn giáo và những sinh vật kỳ dị - là mở để giải thích. Nhắm mắt lại và để tất cả được thiết lập. 61. U2 - “Nơi đường phố không có tên” (1987) Hồ sơ Columbia 58. Miles Davis - Vang So What (1959) Loại màu xanh da trời, được coi là album nhạc jazz vĩ đại nhất mọi thời đại, là một trong những bản thu âm của Miles Davis. Những người sẽ đến sau. Nhưng nó vẫn là huyền thoại nhạc jazz chiến thắng vĩ đại nhất trong sự nghiệp chiến thắng và tái tạo. Kiểu của các tác phẩm đặc trưng của màu xanh da trời Nhưng tác động của nó sẽ được cảm nhận hàng thập kỷ trên. Một phần trong đó là một loạt các cầu thủ tuyệt vời, bao gồm Bill Evans, người chơi piano sáng tạo là một người thay đổi trò chơi, và nghệ sĩ saxophone tenor John Coltrane, người sẽ nhấn mạnh hơn vào Jazz Modal với các bản thu âm mang tính bước ngoặt trong tương lai của chính mình. Bởi vì loại màu xanh lam, và đặc biệt là những gì, những gì, đã phát triển và có một cuộc sống của riêng mình trong quá trình ghi âm, nó sẽ truyền cảm hứng cho sự ngẫu hứng và gây nhiễu trong tất cả các hình thức âm nhạc. Tắt tiếng 57. Chế độ Depeche - Hãy tận hưởng sự im lặng (1990) Depeche Mode từ Ode để trân trọng những gì bạn đã bắt đầu đủ đơn giản. Sau khi thu âm một bản demo, tay guitar Martin Gore và ban nhạc dự định bài hát này là một bản ballad. Biến nó thành một bài hát pop-pop có vẻ khó khăn cho đến khi nhà sản xuất lũ lụt bắt đầu làm việc với synth mô-đun roland mới của mình. Kết quả là bài hát nổi tiếng và hấp dẫn nhất của Depeche Mode, đang nói gì đó. Thưởng thức sự im lặng là một bài hát tình yêu có lợi từ việc giao hàng của Dave Gahan. Nhưng về mặt âm thanh, nó tạo ra một cảm giác hưng phấn phản ánh chủ đề bài hát. Những gì lúc đầu có vẻ giống như chế độ Depeche làm giảm xu hướng thử nghiệm của nó trở thành kiệt tác nhạc pop sáng tạo nhất của nó. HI Hồ sơ 56. Al Green - Hãy để Let Hãy ở lại với nhau (1971) Ngay sau khi mở cửa, bạn biết, hãy để Let ở lại với nhau. Cha mẹ của bạn biết rằng hãy để Let ở lại với nhau. Ông bà của bạn biết rằng hãy để Let ở lại với nhau. Bài hát đặc trưng của Al Green, đã là một người đứng đầu tâm trạng trong 50 năm. Trên giấy tờ, Let Let ở lại với nhau là một lời cầu xin cho một người phụ nữ ở bên cạnh anh ta. Tuy nhiên, không có cách nào để màu xanh lá cây để tránh nghe có vẻ tình dục, vì lợi ích của bài hát. Sự thay đổi giọng hát của anh ấy là thành thạo. Ngay cả khi màu xanh lá cây giống như anh ấy cầu xin, anh ấy không thể cưỡng lại được. Hồ sơ tưởng tượng 55. Creedence Clearwater Revival - Son may mắn (1969) Do chủ yếu là danh hiệu của nó, một số người may mắn đã bị một số người hiểu lầm khi trở thành một quốc ca yêu nước. Ngược lại, đó là một cuộc triệt phá tuyệt vời của chủ nghĩa giai cấp mà John Fogerty đã viết trong chưa đầy nửa giờ. Người ta có thể tưởng tượng năng lực sáng tác như vậy được thúc đẩy bởi sự thất vọng và tức giận với những gì đang diễn ra ở Mỹ. Buổi biểu diễn giọng hát mạnh mẽ của Fogerty, và chơi guitar khi lái xe đó cùng với tiếng trống xây dựng căng thẳng của Doug Clifford. Con trai may mắn là trung tâm của một giai đoạn gây sốc cho CCR đã xem album phát hành của ban nhạc sau album-tất cả là hàng đầu. Cậu bé hư 54. B.I.G. - "Juicy" (1994) Sau đó, Super Super Nintendo, Sega Genesis/Khi tôi đã chết, anh bạn, tôi không thể hình dung ra điều này ... Có thể là Emcee Hip Hop có năng khiếu tự nhiên nhất từng thấy. Anh ta có những sơ đồ vần điệu phức tạp và phức tạp hơn so với những người được nghe trên Juicy Juicy. Nhưng không có bài hát nào, bởi bất kỳ rapper nào, tốt hơn là gói gọn những khát vọng đi kèm với việc trở thành một rapper. Như Biggie đã nói, tôi đã thực hiện sự thay đổi từ một tên trộm/để gần gũi và cá nhân với Robin Leach. Một câu chuyện thiếu hông của Hip Hop, (qua một mẫu ma thuật của Mtume, 1983, Juicy Fruit Fruit Fruit Fruit) về việc đi từ không có gì đến một cái gì đó với mic trong tay bạn. Nếu bạn cần giải thích hip hop cho ai đó, hãy chơi bài hát này. Hồ sơ Columbia 53. Leonard Cohen - Hồi Hallelujah Hồi (1984) Leonard Cohen xông vào Hallelujah, đã được bảo vệ đến mức kiệt sức, cho phép người hâm mộ bỏ qua sức mạnh thảm khốc của bài thánh ca Cohen. Ngay cả khi được ca ngợi, thì Hall Hallujah, thường được xác định bởi các phiên bản bìa tuyệt vời của nó, đáng chú ý nhất là của Jeff Buckley và John Cale. Nhưng nó Cohen, người đã đặt nền tảng với thơ của mình. Sự kết hợp ban đầu của nhạc rock và roll và phúc âm đang di chuyển như với giai điệu của Cohen, cung cấp sự cân bằng giữa bài hát ánh sáng và bóng tối. Cuối cùng, nó chứng minh nâng cao. Giống như những bài hát hay nhất của Joni Mitchell và Bob Dylan, Cohen trong thời kỳ Hallelujah, được cấu trúc hoàn hảo để các trang bìa mê hoặc đến trong nhiều thập kỷ tới. Hồ sơ tái hiện 52. Neil Young - Mạnh Hey Hey, My My (Into the Black) (1979) Sau đó, Hey Hey, tôi của tôi (Into the Black), nhận được rất nhiều tín dụng như một bài hát proto-grunge thiết yếu và đúng như vậy (ban nhạc grunge đã không cướp được âm thanh guitar đó?). Nhưng nguồn cảm hứng của bài hát bắt nguồn từ các ban nhạc punk cuối cùng của những năm cuối thập niên 1970, Devo. Sự hợp tác của Neil Young, với thủ lĩnh của ban nhạc, Mark Motherbaugh trùng với sự yêu thích của Young, ngày càng yêu thích cảnh nhạc rock punk mới nổi. Young luôn chơi đủ thô để xoay tròn vào Hard Rock bất cứ khi nào anh ta muốn. Nhưng Hey Hey Hey, của tôi (vào màu đen) của tôi, đưa điều đó lên cấp độ tiếp theo, phù hợp với các chủ đề tử vong và mang ngọn đuốc cho Rock and Roll. Tamla 51. Smokey Robinson and the Miracles - “The Tracks of My Tears” (1965) No one in the 1960s (or maybe any other era) wrote songs that painted such a vivid picture in your mind as Smokey Robinson. “The Tracks of My Tears,” written with fellow Miracles members Pete Moore and Marv Tarplin, is a devastating song about the sadness that comes with longing for love. It’s Robinson the songwriter at his most vivid. But his singing doesn’t always get enough credit. Robinson’s falsetto is pure bliss, only matched by the subtle, yet fantastic instrumentation from The Funk Brothers and the Detroit Symphony Orchestra. “Tracks of My Tears” is one of a handful of songs that can make its case as Motown’s greatest. Pye Records 50. The Kinks - “Waterloo Sunset” (1967) On “Waterloo Sunset,” Terry and Julie meet at Waterloo Station every Friday night, while the song’s narrator looks on at mundane London life. Most great love songs are about a specific person. Yet, on The Kinks greatest song, Ray Davies finds himself overcome by the love between two other people. It’s so powerful and uplifting as a noble story that becomes transcendent thanks to a glorious arrangement. Whether you’re in a relationship or simply looking out at a city getting lost in its nothingness, “Waterloo Sunset” puts a smile on your face. You can’t ask much more of a song. Swan Song 49. Led Zeppelin - “Kashmir” (1975) It’s telling that Led Zeppelin’s two most popular songs are the ones that find them most openly trying to create rock and roll epics. One of those tracks is, of course, “Stairway to Heaven.” The other is “Kashmir.” Never released as a single, “Kashmir” is the sound of Led Zeppelin at its peak, opening with a thunderous drum beat that threatens to scorch the Earth. There is a myriad of Zeppelin tunes that try to incorporate everything the band could think of (Think: “Over the Hills and Far Away”). Some of those songs wear out their welcome. But “Kashmir” sustains its awe-factoring for eight-and-a-half mesmerizing minutes. Sire 48. Madonna - “Into the Groove” (1985) Madonna spent her career pushing boundaries. But perhaps the most impressive thing she did was create the most inviting dance song of the 1980s with “Into the Groove.” Lyrically, it’s one of Madonna’s simplest compositions. But the production is fantastic, merging synths and drums with clever vocal effects that make it feel like Madonna is armed with an army of backup singers. If there were a picture next to the word “bop” in the dictionary, the single cover of “Into the Groove” would surely be it. Curtom Records/Buddah REcords 47. Curtis Mayfield - “Move on Up” (1971) “Move on Up” wasn’t just the standout song from Curtis Mayfield’s debut album as a solo artist. It’s a full-on mission statement about perseverance during a time of struggle that would become the backbone of his label Curtom Records. Mayfield had already made a tremendous impact on music during his time with The Impressions. But he was constantly searching for something more. Much of his solo material would prove much darker. But “Move on Up” is the song where Mayfield opens things up for his incredible collection of studio musicians to deliver an overwhelming slice of progressive soul. Profile Records 46. Run-D.M.C. - “Sucker M.C.’s” (1983) “Sucker M.C.’s” is the sound of new-school hip-hop being born, painting the picture of what the genre would be moving forward from a sonic, attitude and style standpoint. And yet, it all sounds so primal. Thanks to Larry Smith’s hard-hitting DMX drums along with Jam Master Jay’s scratching, Run-D.M.C. fit right in with the edgy rock of the 1980s. Joseph “Run” Simmons and Darryl “D.M.C.” McDaniels would handle the rest, dripping with swagger on hip hop’s first diss record. They were bonafide the duo as rock stars. Warner Bros. 45. Black Sabbath - “Paranoid” (1970) Black Sabbath accomplished some groundbreaking things on its first album, giving birth to heavy metal through blues mixed with doom and gloom. But it was “Paranoid,” the song the band reluctantly recorded for its sophomore album that brought heavy metal to the masses. Tony Iommi’s drop-tuned guitar sound is still the backbone. But with things sped up, “Paranoid” established a groove that could rival anything that came out in the 1970s. It helps when you have a vocalist like Ozzy Osbourne whose wail gives the song a sense of urgency that few bands in hard rock could ever match. Sire 44. Ramones - “Blitzkrieg Bop” (1976) Ramones had played more than 100 live shows in New York in the two years leading up to the release of the band’s debut album. The punk scene was still functioning in the underground. But the Ramones’ desire to have an anthem it could call its own made all the difference. “Blitzkrieg Bop” pulled from the band’s classic pop influences (specifically the Bay City Rollers’ “Saturday Night”) while holding to punk’s street-edge battiness. In just over two minutes, Ramones proved punk rock was a viable art form that could endure. Hồ sơ sử thi 43. Sly & The Family Stone - Tôi muốn đưa bạn lên cao hơn (1969) Khi Sly Stone tuyên bố, tôi muốn đưa bạn lên cao hơn, anh ấy đã đùa. Bài hát không phải là một bài hát thông điệp, mà là một tuyên bố về việc tăng âm nhạc. Tôi muốn đưa bạn lên cao hơn, vẫn là một Sly độc thân hấp dẫn nhất và The Family Stone từng được phát hành với một mức độ cường độ sẽ khiến nó trở thành một đặc điểm nổi bật của linh hồn ảo giác và các thể loại funk. Không có gì đáng ngạc nhiên, bài hát sẽ phục vụ như một trung tâm cho các buổi biểu diễn huyền thoại của nhóm tại Woodstock và trên tàu Soul Soul. Emi 42. Nữ hoàng - Hồi giáo Bohemian Rhapsody (1975) Bohemian Bohemian Rhapsody không bao giờ là một người yêu quan trọng. Đó là quá nhiều trên đỉnh cao như một cú đâm rõ ràng vào sự bất tử của Rock mà những người hâm mộ âm nhạc cao cấp không thể giúp đỡ nhưng phẫn nộ. Nữ hoàng đã phải chiến đấu để nó được làm đĩa đơn ban đầu từ album tuyệt vời nhất của ban nhạc, A Night At the Opera. Tuy nhiên, một khi được tung ra trên thế giới, nó đã trở thành một bài quốc ca thế hệ không chỉ vào năm 1975, mà một lần nữa đối với Gen-X khi nó được giới thiệu trong thế giới Way Wayne. Một lần nữa, Bohemian Rhapsody đã tiếp tục cuộc sống mới khi bộ phim cùng tên năm 2018 trở thành một bộ phim bom tấn. Những kẻ gièm pha đã cố gắng loại bỏ Bohemian Rhapsody, như một mánh lới quảng cáo trong nhiều thập kỷ (có thể là số lượng bảo đảm của Galileo). Tuy nhiên, có một yếu tố con người chuyển động cho bài hát do Freddie Mercury cung cấp trong mỗi nốt nhạc anh hát. Hồ sơ Columbia 41. The Byrds - Cao tám dặm (1966) The Beatles lao vào các yếu tố nền tảng của nhạc rock ảo giác, trong khi Yardbirds đưa nó trở nên tập trung hơn. Nhưng đó là chiếc Byrds, trong tám dặm, đã thiết lập bản thiết kế cho âm nhạc có ảnh hưởng nhất của thời kỳ phản văn hóa. Trước năm 1966, các bài hát lớn nhất của Byrds đã là bản cover xuất sắc. Tuy nhiên, tám dặm là một con quái vật thôi miên riêng của ban nhạc - các bộ phận John Coltrane, Ravi Shankar và Fab Four. Tác động của bài hát là lý do chính khiến Byrds là một trong số ít các nghệ sĩ có ảnh hưởng thậm chí đến gần với The Beatles hoặc Bob Dylan. Kỷ lục Sugar Hill 40. Gang Sugarhill lần đầu tiên đưa hip hop lên bản đồ chính với rapper rapper năm 1979. Nhưng bài hát, đã cưỡi dòng bass đến thời gian tốt đẹp của Chic, thì là một phần mở rộng của vũ trường hơn là hướng đến một sự thống trị của thể loại mới. Điều đó cuối cùng đã xảy ra ba năm sau đó khi Grandmaster Flash và Furious Five gửi tin nhắn. Là đĩa đơn thứ ba trong album nhóm cùng tên, The The The Message Tay đã rap đằng sau bối cảnh của Đảng New York và biến thành một hình thức nghệ thuật có ý thức xã hội có thể thể hiện rõ ràng các cuộc đấu tranh của Mỹ da đen. Không có bài hát nào ảnh hưởng đến thể loại hip hop nhiều hơn. Polydor 39. James Brown - Hãy đứng dậy (tôi cảm thấy như là) một cỗ máy tình dục (1970) Trong tất cả các bài quốc ca Funk khổng lồ mà James Brown sản xuất, đây là một. Không có gì có vẻ vui hơn. Brown đặt nền tảng cho Funk với các bản nhạc của những năm 1960 như Trò chơi Cold Sweat, và Papa Papa có một chiếc túi hoàn toàn mới. Tuy nhiên, vào những năm 1970, anh ấy đã biết khi nào nên mang lại ánh đèn sân khấu cho ban nhạc của mình. Tôi cảm thấy như là một cỗ máy tình dục, thường đi kèm với khẩu hiệu, có sự tham gia của J.B. ,. Như là nó phải như thế. Phần guitar bẩn thỉu của Phelps Cat Catfish, Collins Collins là định nghĩa của Funky. Trên cơ sở Get Get Up (Tôi cảm thấy như là) một cỗ máy tình dục, chuyển đổi màu nâu từ thủ lĩnh sang người lãnh đạo ban nhạc trong nửa bài hát thứ hai, chỉ đạo mọi phần nhạc cụ thiết yếu. Và J.B., đã đưa vào một chương trình hoàn hảo trong gần 11 phút, chỉ làm cho đáng kinh ngạc hơn bởi thực tế nó đã được ghi lại trực tiếp. Hồ sơ Arista 38. Patti Smith - Hồi Gloria (1975) Để gọi Patti Smith, một trong những trang bìa là một chút sai lệch. Phiên bản Smith của bài hát, được viết bởi Van Morrison và ban đầu được thu âm bởi ban nhạc của anh ấy, chỉ giữ hợp xướng Morrison Morrison. Smith chịu trách nhiệm cho các phần mang tính biểu tượng nhất của bản nhạc, bao gồm cả phần giới thiệu từ nói của JAW: Chúa Jesus đã chết vì ai đó tội lỗi, nhưng không phải của tôi. Một lần nữa, Gloria Gloria chắc chắn theo họ. Nhưng đó là Smith Smith, người biến thành một bài quốc ca xứng đáng với cảnh nhạc punk mới nổi. Nhiều năm trước khi Hoàng tử và Madonna bắt đầu hợp nhất các chủ đề của tôn giáo và tình dục trong hồ sơ, Smith đã biến những tranh cãi như vậy thành nghệ thuật cao cấp, bốc lửa. Về hướng tây 37. Funkadelic - Hồi giáo Maggot Brain (1971) Nếu ai đó bảo bạn chơi nhạc như thể mẹ bạn vừa chết, bạn sẽ phản ứng thế nào? Bằng cách nào đó, tay guitar Eddie Hazel biết cách trả lời khi một George Clinton ném đá đã đưa ra yêu cầu như vậy cho ca khúc mở đầu cho album phòng thu thứ ba của Funkadelic. Bộ phim Maggot Brain là một nhạc cụ 10 phút (tiết kiệm cho một đoạn giới thiệu ngắn, nói) tập trung vào tác phẩm guitar phồng rộp của Hazel với sự hỗ trợ tối thiểu từ phần còn lại của ban nhạc Clinton. Hazel kênh thần tượng Jimi Hendrix của anh ấy cho một màn trình diễn mà khó có thể mô tả ngoài việc nó có những gì rất có thể là cây đàn guitar tuyệt vời nhất chơi bên này của Hendrix mà Rock and Roll đã thấy. Stax Records 36. Isaac Hayes - “Walk on By” (1969) Dionne Warwick’s original version of “Walk on By” is a simple, beautiful soul song. What Isaac Haye did with it is a testament to his genius as a composer. A few years before Marvin Gaye released “What’s Going On” and Stevie Wonder began his amazing 1970s creative run, Hayes took soul to a new progressive peak with “Walk on By.” He turns the song into a 12-minute, funk-leaning powerhouse. Not only would it become one of Hayes’ signature songs. But his version of “Walk on By” is as a slow-burner of epic proportions and the first true showcase of auteurism in the soul genre. Tamla 35. The Jackson 5 - “I Want You Back” (1969) The greatest bass line in pop music history kicks off one of the most amazing instrumental openings to any song. And it all happens before the true star of “I Want You Back” arrives. Michael Jackson was just 10 years old when he recorded “I Want You Back.” And yet, he delivers a vocal better than most adult men could muster. Motown’s The Corporation (led by Berry Gordy) was known for giving its best acts proper backing from a production standpoint. But even they outdid themselves with “I Want You Back,” a song that would raise the ceiling on how high a Motown act’s star could rise. Polydor 34. The Who - “Baba O’Riley” (1972) Pete Townshend had witnessed the teenage wasteland firsthand. He saw it during Woodstock in 1969 when young people were strung out on acid. He saw it again that same year in the trash that covered the field at the Isle of Wight Festival. That gave Townshend all the lyrical inspiration he needed for another classic anthem about teenage disillusionment. What made “Baba O’Riley” different from, say, “My Generation,” was that the former originated in an abandoned rock opera that was to follow up “Tommy.” Those origins give “Baba O’Riley” its cinematic feel as something more than just a song about teenage angst. It’s a rock and roll powerhouse that’s stood the test of time. Columbia Records 33. Johnny Cash - “Folsom Prison Blues (Live)” (1968) Despite being a live recording, the 1968 version of Johnny Cash’s “Folsom Prison Blues” (performed at Folsom Prison) benefits from a few studio enhancements, most notably the prisoner cheers added during certain portions of the track. It all adds to the energy of Cash’s stunning performance, which takes the original version of “Folsom Prison Blues” on Sun Records in 1995 and kicks the tempo up a notch. You can almost hear the train “a-comin’” thanks to Cash and his band’s signature tempo. In a live setting, Cash’s voice sounds like it came from up above (or below) to deliver a story for the ages that only Cash could put the appropriate emphasis on. Motown Records 32. Public Enemy - “Fight the Power” (1989) Much has been made in recent years about Spike Lee’s “Do the Right Thing” being as poignant as it was when released in 1989, which is both an acknowledgment of Lee’s ability as a filmmaker and a condemnation of modern society. Yet, that’s nothing compared to how the movie’s theme song still packs a massive wallop today. “Fight the Power” is the musical form of taking the gloves off. Just read the one-liners: “Our freedom of speech is freedom or death,” “Elvis was a hero to most but he never meant s*** to me…” Chuck D is a lyrical master with Flavor Flav providing the knockout punch (“Motherf*** him and John Wayne!”). Meanwhile, The Bomb Squad’s production finds a balance between brilliant sampling and a drum beat that hits you like a machine gun. “Fight the Power” isn’t just the modern blueprint for Black protest music. It’s still the modern blueprint for a great rap song. Columbia Records 31. Bruce Springsteen - “Born to Run” (1975) While several great rock acts in the 1970s were making darker songs about what it was like to live in the post-hippie era of the 1960s, Bruce Springsteen was celebrating life. “Born to Run” was the first track to prove Springsteen had mainstream staying power thanks to its emotionally charged summary of the youthful unrest that drives you to get out there and pursue the American dream. Springsteen was still chasing his blissful “Be My Baby” moment, and “Born to Run” contained a sentiment anyone could latch onto. The song combines the magical pop of the 1960s with the fist-pumping of the 1970s like no other tune could. Chrysalis 30. Blondie - “Heart of Glass” (1979) Blondie came up as regulars at New York’s CBGB, aka the epicenter of punk’s formation in the mid-1970s. Members Debbie Harry and Chris Stein had worked on “Heart of Glass” prior to Blondie coming into its own. During the recording sessions for the album “Parallel Lines,” producer Mike Chapman discovered the song which he saw as a perfect addition given disco’s rise to the top of the charts. Blondie was about as New York as you could get and noticed the changing musical landscape as dance music took hold committing to making a go-to anthem. “Heart of Glass” would become a defining moment in synth-pop and new wave, and Blondie was at the forefront of popular music heading into the 1980s. Atlantic Records 29. Ray Charles - “What’d I Say” (1959) Everything Ray Charles had been working on in the 1950s set the stage for him to establish soul music as a defining sub-genre of R&B. Prior to the release of “What’d I Say,” a catchy R&B tune was typically a slow burner that set you up for pop supremacy. But even though Charles made music while sitting at a piano, he wanted to make people move. “What’d I Say” combines elements of gospel, soul and jazz with the added touch of rhumba. It made all the difference as the first mainstream soul song that was guaranteed to consume the dance floor. Hib-Tone 28. R.E.M. - “Radio Free Europe” (1981) It wasn’t just that R.E.M. was a no-name band only popular on college radio stations before “Radio Free Europe.” It’s that alternative and indie rock as a whole wasn’t visible in the mainstream at all. That all began to change with “Radio Free Europe,” the song that earned R.E.M. its record deal and first position on the charts. “Radio Free Europe” might seem like one of the more mild entries on this list to spark the boom of a genre that would become much more aggressive in the 1990s. But there’s an urgency to “Radio Free Europe” to go along with its signature notes that would lay the groundwork for the bulk of indie rock that’s dominated music blogs for the past 40 years. Specialty Records 27. Little Richard - “Tutti-Frutti” (1955) The origins of rock and roll date back to the 1940s. But no one had put it all together from a performance standpoint – the energy, massive vocal, beat and rhythm – quite like Little Richard on “Tutti Frutti.” Right from the start, it’s a bop: “Whop bop b-luma b-lop bam bom!” “Tutti Frutti” is as influential a performance record as you’ll find. Richard so emphatically embodies the spirit of rock and roll that even his fellow pioneers who covered the track – from Elvis and Jerry Lee Lewis to The Beatles – couldn’t touch him. Atlantic Records 26. Aretha Franklin - “Respect” (1967) Aretha Franklin’s signature song has been praised as the ultimate anthem of female empowerment and was even ranked as the greatest song of all time by Rolling Stone in 2021. And yet, “Respect” still doesn’t get enough...well, respect. It’s more than just a stunning vocal performance. Franklin rewrote the book on interpreting someone else’s song. Her version of Otis Redding’s “Respect” isn’t as much a cover as it is a mind-blowing transformation. Knowing that Redding’s original reinforced the archetypal view of an American marriage, Franklin flipped the gender of the lyrics, gave the rhythm section a new direction, played piano and even came up with (along with her sisters Erma and Carolyn) the iconic “sock it to me” lines and spelling out of “R-E-S-P-E-C-T.” It’s a lesson in how you make someone else’s song your own. CBS/Epic 25. The Clash - “London Calling” (1979) What made The Clash a different kind of punk rock band wasn’t just its eclectic sound. It was that Joe Strummer was such a news junkie. “London Calling,” the title track from The Clash’s landmark album, goes beyond bratty, punk subject matter. It turns the Sex Pistols’ call for a revolution into something more sophisticated and visceral, as Strummer lays out how the world could end in multiple ways, from an ice age to a nuclear war. It’s the sound of The Clash fully realized as something powerful that also veers into classic rock territory with just how accessible it is. Tamla 24. Marvin Gaye - “What’s Going On” (1971) Soul music had established a winning formula during the 1960s. So, when Marvin Gaye approached Berry Gordy about doing something socially conscious and political, the Motown founder was perplexed. Gaye had a reason for his change in direction. He was depressed following the death of his friend/singing partner Tammi Terrell and the failure of his marriage, which led to drug addiction and financial troubles. The rest of the world wasn’t a joy to look at either. “What’s Going On,” both the song and album, was conceived while Gaye was on tour and witnessed police brutality against Vietnam War protesters. In crafting his new album’s title track, Gaye was summing up the state of a country in turmoil, something no soul singer before him had done so eloquently. But the song’s magnetism wasn’t just the subject matter. “What’s Going on” – with its layered vocal and instrumentation work – reshaped R&B. Fiction Records 23. The Cure - “Just Like Heaven” (1987) The Cure had merged elements of alternative rock and pop on its previous album “The Head on the Door.” But “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” marked a true breakthrough in terms of Robert Smith coming up with the melody and sound that would define the band’s greatest song. “Just Like Heaven” isn’t just a perfect pop song. It stands as one of the greatest love songs ever made. Smith sings about a love so overpowering that it leaves you incapacitated. Smith and his bandmates deliver every aspect of “Just Like Heaven” in mesmerizing form, the individual introduction of each instrument to the descending guitar line to those awesome keyboards. It’s pure bliss. RCA Records 22. Sam Cooke - “A Change Is Gonna Come” (1964) Sam Cooke knew how to play the music industry game. He began his career as a gospel and soul singer. Eventually, he morphed his elegant voice into something mainstream white audiences could digest, giving him a sense of power and independence few Black artists experienced in the early 1960s. Amidst all of it, Cooke was very much involved in the Civil Rights Movement throughout his career. And, in 1964, he gave the cause its most poignant anthem. Cooke was inspired to write “A Change Is Gonna Come” after being turned away from a whites-only motel in Louisiana. Simply put, he’d had enough. But “A Change Is Gonna Come” isn’t packed with anger. It’s a song backed with brilliant orchestration that tackles the trials and tribulations of Black people. Cooke’s amazing vocal performance delivers the message that there is something better out there, whether in this life or the next. Elektra 21. The Stooges - “I Wanna Be Your Dog” (1969) Iggy Pop was a blues kid at heart. Only, upon forming his own band, did Pop’s version of the blues become a tumbling force of despair in the form of The Stooge’s garage rock that would foreshadow punk and heavy metal. “I Wanna Be Your Dog” was The Stooges’ first jaw-dropping example of this. Pop’s vocals along with Ron Asheton’s guitar, Dave Alexander’s bass and Scott Asheton’s drums created a muddy and sinister texture highlighted by producer John Cale’s piano and sleigh bells. Cale was the appropriate guy to produce “I Wanna Be Your Dog,” considering the song picks up where The Velvet Underground’s “Venus in Furs” left off. But Iggy and The Stooges were cracking the whip much harder on “I Wanna Be Your Dog.” Tamla 20. Stevie Wonder - “Superstition” (1972) The greatest creative period for any artist in popular music history begins with “Superstition.” As the story goes, Stevie Wonder was in the studio working with Jeff Beck on the former’s now-iconic “Talking Book” album. Beck came up with the drum beat for “Superstition,” a song that was intended to go on Beck’s next album. But the always wise Berry Gordy wanted Wonder to record it. Wonder then went into virtuoso mode with a Hohner Clavinet model C and Moog synthesizer bass (Trevor Lawrence and Steve Madaio would provide saxophone and trumpet work, respectively). The result was Wonder’s first No. 1 hit as an adult on the pop charts, kick-starting a barrage of chart-toppers and classic albums that would cement him as the artist of the decade. Sire Records 19. Talking Heads - “Psycho Killer” (1978) At the time of releasing their breakthrough song “Psycho Killer,” Talking Heads were still rooted in the New York punk scene. But the members’ art school influences were starting to show. David Byrne, Chris Frantz and Tina Weymouth had been tinkering with “Psycho Killer” for a few years before its release. The final product is a precise new wave masterpiece unlike other songs in its genre. Byrne taps into the mind of a serial killer and the creepy energy that comes with it. After all these years, it’s still his most thrilling vocal performance, which comes over one of the great bass lines in music history. Talking Heads would go on to record more expansive material, but the anxious energy of “Psycho Killer,” powered by the synergy of a group coming into its own, remains unmatched. Geffen 18. Nirvana - “Smells Like Teen Spirit” (1991) In the late 1990s and 2000s, the legacy of grunge morphed into something that inspired some of the most loathed rock bands of the time. Yet, that hasn’t done anything to diminish Nirvana’s legendary status. The genre peaked with Kurt Cobain and company’s ascension and the success of “Smells Like Teen Spirit” as a generational anthem and game-changing music video. But it went beyond that. Cobain remains an icon whose influence feels even more present today in artists outside of the rock genre, from Jay-Z and Lil Wayne to Lana Del Ray and Lil Nas X. No matter how deep their knowledge of Nirvana’s catalog runs, it all starts with “Smells Like Teen Spirit.” As famously noted, the tune was Cobain’s attempt to write the “ultimate pop song” and rip off the Pixies. The fact that he did that so brilliantly is worthy of all the praise. “Smells Like Teen Spirit’s” impact was immediate. Grunge took over the word, kicking classic rock and hair bands to the side, and Cobain became rock’s biggest icon, even if it only lasted a few years. Parlophone 17. Radiohead - “Paranoid Android” (1997) “Paranoid Android” was originally written to be a 14-minute epic, which, judging by just how great it is in 6-and-a-half-minute form, would have probably worked. It was the first single from Radiohead’s “OK Computer.” The band that had made “Creep” before redefining its sound on “The Bends.” But with its third album, Radiohead had seemingly gone nuts. What opens as a typical indie-rocker quickly jettisons into a 4/4-time signature that threatens to combust the further you get in. “Paranoid Android” has since been viewed as indie rock’s “Bohemian Rhapsody.” But it’s modeled after The Beatles’ “Happiness Is a Warm Gun” in how it is divided into multiple parts. As for the subject matter, Thom Yorke was inspired by a group of cocaine-using people he encountered at a Los Angeles bar he’d come to view as inhuman and boring. Out of that came the most interesting song of the 1990s. Hồ sơ Casablanca 16. Donna Summer - "Tôi cảm thấy tình yêu" (1977) Tôi cảm thấy tình yêu, đã phát minh ra âm nhạc điện tử. Nhưng sau khi phát hành, sàn nhảy (và bảng xếp hạng pop) sẽ không bao giờ giống nhau. Donna Summer và nhà sản xuất Giorgio Moroder đã tung ra một bản hit nhảy hoành tráng với tình dục năm 1975, Euro-Disco Anthem Hồi tình yêu yêu em bé. Nhưng tôi cảm thấy tình yêu, thậm chí còn đáng kinh ngạc hơn. Nó đã vượt xa vũ trường nhờ bộ tổng hợp Moog Moog và giọng hát thôi miên mùa hè, trở thành cầu nối giữa tác phẩm đột phá mà Kraftwerk đang làm vào cuối những năm 1970 với âm nhạc điện tử hiện đại. Trong một vũ trụ nhạc pop, nơi sự hiện diện của âm nhạc điện tử hiện ra lớn hơn và lớn hơn mỗi ngày, tác động tỏa ra của tuyên bố chữ ký mùa hè. RCA/Victor 15. Elvis Presley - Chó chó săn (1956) Elvis Presley đã tạo ra bất cứ điều gì mới với chú chó chó săn. Bản ghi âm Big Mama Thornton ban đầu đã được bao phủ gần hàng chục lần. Tuy nhiên, Presley và nhà sản xuất Stephen H. Soles đã nhấn mạnh vào việc tăng tốc nó, một điều mà các nhà văn Jerry Leiber và Mike Stoller weren của người hâm mộ. Nhưng Presley đã có sự vênh vang, cùng với tác phẩm guitar tiên phong của Scotty Moore, để kéo nó ra. Những màn trình diễn ly kỳ của Presley, trong bài hát đã lan truyền trong sự xuất hiện năm 1956 của ông trên Elvis trên chương trình The The The The The The Milton Berle Show. Khi phần còn lại của đất nước thấy hông anh di chuyển và nghe thấy giọng nói đó, cuộc cách mạng Rock and Roll đã chính thức bắt đầu. Verve 14. The Velvet Underground - Hồi heroin (1967) Mục đích của nó rất táo bạo - một bài hát được thiết kế để gói gọn những gì nó cảm thấy khi được sử dụng heroin. Velvet Underground trong thời gian heroin, là người ủng hộ việc sử dụng thuốc, nhưng thay vào đó là một tài liệu về lịch sử với một chủ đề vẫn còn bị cấm kỵ cho đến ngày nay. Bị phá vỡ âm nhạc, người Hồi giáo là rất xuất sắc. Trên bộ gõ xây dựng chậm, Lou Reed và Sterling Morrison Trade Guitar Riff trước khi John Cale xuất hiện với âm thanh viola thôi miên. Giữ cho tất cả không bùng nổ là lời bài hát của Reed, được kết hợp với một màn trình diễn giọng hát được kiểm soát không bao giờ chịu thua áp lực. HEROIN, là cái chết của tôi ngay lập tức cảm thấy như một bản phát hành hưng phấn trong khi cũng là một tiếng kêu cứu. Một cách phù hợp, tất cả kết thúc với âm thanh tương đương với một vụ tai nạn xe hơi. Philles 13. The Ronettes - "Be My Baby" (1963) Nhà sản xuất Phil Spector đã phát hành một số bản thu âm tuyệt vời trước khi kết nối với Jeff Barry và Ellie Greenwich để tạo ra Ronettes Hồi Hồi Be My Baby. Nhưng bài hát là lần đầu tiên anh đạt đến sự hoàn hảo. Nó được nhiều người coi là ví dụ nguyên mẫu về kỹ thuật ghi âm của anh ấy. Spector từ thiên tài đã được ghi nhận tốt. Nhưng anh ấy cũng có giọng nói cần thiết để làm cho tất cả hoạt động. Veronica Bennett, người mà thế giới sẽ biết đến với cái tên Ronnie Spector, bước đi một cách chặt chẽ giữa giọng hát tuyệt đẹp và việc khai thác cảm xúc tiêu thụ bạn. Giọng nói của cô kết hợp với sự trọn vẹn của âm thanh Phil Spector, mang lại cho em bé của tôi. Track/Reprise 12. Trải nghiệm Jimi Hendrix - Haze Purple Haze (1967) Blues trên steroid, được lọc qua một chuyến đi axit dễ cháy. Đó là Jimi Jimi Hendrix, Haze Purple Haze. Hendrix đã làm nhiều điều đặc biệt trong những năm 1960, bao gồm cả việc biến đổi Bob Dylan, tất cả cùng với Tháp Canh và đưa ra thập kỷ, có lẽ, bài hát nặng nhất của nó trong Trầm cảm Manic. Nhưng Haze Purple Haze, vẫn là bản nhạc tinh túy của anh ấy vì ảnh hưởng và bản chất sấm sét của nó. Đàn guitar của Hendrix, có vẻ như nó có thể tiêu diệt bất cứ điều gì trên đường đi của nó, trong khi phiên bản Amped-up của anh ấy sẽ đặt ra một tiêu chuẩn mới cho bất kỳ bản nhạc nào khó hoặc nặng. Có một lý do tại sao Hendrix hát bài xin lỗi trong khi tôi hôn bầu trời rất tuyệt vời. Bởi vì chỉ có các vị thần mới có thể làm điều đó. (CBS) 11. Bob Dylan - Giống như một viên đá lăn (1965) Trống bẫy mở đầu khi bắt đầu của giống như một viên đá lăn đánh dấu sự khởi đầu của một điều gì đó đặc biệt. Trước khi phát hành bài hát và Lễ hội dân gian Newport nổi tiếng năm 1965, Dylan là một ngôi sao nhạc dân gian. Heck, anh là ngôi sao nhạc dân gian mà ít người có thể tưởng tượng được trong một mốt như rock and roll. Nhưng giống như một viên đá lăn, đã thay đổi tâm trí của mọi người. Âm thanh đá nặng hơn của nó phát ra từ sự cần thiết. Dylan là một fan hâm mộ của các phiên đầu tiên mang lại cho bài hát một cảm giác nhẹ nhàng hơn. Nhưng tất cả đã kết hợp với nhau khi tác phẩm guitar của Dylan và Mike Bloomfield, được kết hợp với Riff Organ Hammond B2 ngẫu hứng của Al Kooper. Các nhạc cụ khuấy động kết hợp với giọng nói của Dylan, không giống như bất cứ điều gì thế giới đã nghe, giúp xác thực Rock and Roll và khởi động thời kỳ nghệ thuật vĩ đại nhất của nó. Hồ sơ sử thi 10. Michael Jackson - Hồi Billie Jean (1982) Các bài hát pop và, cụ thể hơn, các bản hit số 1 có thể được đánh giá bởi những gì đã đến trước khi Bill Bill Jean Jean và những gì đến sau đó. Đĩa. Jackson đã làm điều Ngôi sao nhí. Anh ấy đã định nghĩa lại vũ trường trên trên tường. Điều duy nhất còn lại là sự thống trị thế giới. Và Jackson biết sự pha trộn giữa hậu Disco, R & B, Funk và Dance-pop của mình sẽ là một hit với rãnh trơn bóng và móc quyến rũ của nó. Làm thế nào lớn? Vâng, rất ít người có thể dự đoán rằng. Tiết kiệm Billie Jean đã đưa Jackson lên đường để trở thành ngôi sao nhạc pop lớn nhất mọi thời đại và tăng cường ante cho bất kỳ nhạc sĩ nào muốn tuyên bố quyền lực tối cao sau đó. Wagram 9. Chuck Berry - Hồi Johnny B. Goode, (1958) Rock & Roll đã được thành lập vào năm 1958. Tuy nhiên, không ai đã thiết lập hoàn toàn kế hoạch chi tiết cho âm thanh hiện đại của Rock and Roll, lấy mọi thứ đến trước và đóng gói nó thành thứ mà mọi người sẽ theo trong nhiều thập kỷ. Nhập Chuck Berry, trong thời gian Johnny B. Goode, một bài hát hoàn toàn nguyên bản trong cấu trúc. Phần solo một nốt nhạc mở đầu đã xé toạc tay guitar Carl Hogan, tác phẩm của Louis Jordan, một người giống như một người phụ nữ xuất hiện vào năm 1946. Nhưng Berry chắc chắn đã đưa nó lên một tầm cao mới về cả sự ồn ào và chất lượng. Tất cả những năm sau đó-ngay cả với sự xuất hiện của Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Beck và rất nhiều người khác-không có gì đã chứng minh được sự tan vỡ trái đất, hấp dẫn và vui vẻ. Keith Richards từng nói rằng anh ta đã đánh cắp mọi thứ anh ta từng làm từ Berry. Anh ấy và mọi người khác. Warner Bros. 8. Fleetwood Mac - Giấc mơ ”(1977) Tất cả những người đã từng nghe Fleetwood Mac Hồi tin đồn có một ca khúc yêu thích. Điều làm cho những giấc mơ của người Viking trở thành người giỏi nhất trong nhóm là bài hát mà những người không thích nghe tin đồn có thể yêu. Từ bản trống mở đầu cho đến lời bài hát của Stevie Nicks, thì Dream Dreams cảm thấy vừa thoải mái vừa đáng lo ngại. Nó là một trong những bài hát đơn giản nhất của Fleetwood Mac, và một chương trình giới thiệu cuối cùng cho giọng hát và bài hát hoàn hảo của Nicks. Đối với tất cả các bộ phim, các thành viên của Fleetwood Mac đã trải qua trong quá trình tạo ra những tin đồn, đó là những lời bài hát mà Thunder Thunder chỉ xảy ra khi trời mưa ... điều đó trở nên ảnh hưởng nhất. Ai không ghét yêu, hay yêu một ngày bão? Decca 7. The Rolling Stones - Shel Gimme Shelter (1969) Với nơi trú ẩn của Gimme, Mick Mick Jagger và Keith Richards muốn viết một kiệt tác tận thế. Để nói rằng họ đã đạt được điều đó là hiển nhiên. Nhưng nó cũng thú vị về cách bài hát diễn ra. Những đoạn riff guitar bình tĩnh của Richards mở ra đường đua làm chậm cảm giác thảm khốc của nó. Giọng nói của Jagger, biến thành một thế lực của tự nhiên. Nhưng ngay cả Jagger cũng nhận được một phần phụ thuộc của Merry Clayton. Lời bài hát hiếp dâm, giết người/Nó chỉ là một cú sút xa ... là đủ để làm bạn rung động. Nhưng cách cô ấy hát chúng cho bạn ớn lạnh mỗi lần. Càng Gimme Shelter, rất đẹp và ám ảnh cùng một lúc, trong khi đó là điều tuyệt vời nhất mà bạn đã từng nghe trong đời. Warner Bros. 8. Fleetwood Mac - Giấc mơ ”(1977) Tất cả những người đã từng nghe Fleetwood Mac Hồi tin đồn có một ca khúc yêu thích. Điều làm cho những giấc mơ của người Viking trở thành người giỏi nhất trong nhóm là bài hát mà những người không thích nghe tin đồn có thể yêu. Từ bản trống mở đầu cho đến lời bài hát của Stevie Nicks, thì Dream Dreams cảm thấy vừa thoải mái vừa đáng lo ngại. Nó là một trong những bài hát đơn giản nhất của Fleetwood Mac, và một chương trình giới thiệu cuối cùng cho giọng hát và bài hát hoàn hảo của Nicks. Đối với tất cả các bộ phim, các thành viên của Fleetwood Mac đã trải qua trong quá trình tạo ra những tin đồn, đó là những lời bài hát mà Thunder Thunder chỉ xảy ra khi trời mưa ... điều đó trở nên ảnh hưởng nhất. Ai không ghét yêu, hay yêu một ngày bão? Decca 7. The Rolling Stones - Shel Gimme Shelter (1969) Với nơi trú ẩn của Gimme, Mick Mick Jagger và Keith Richards muốn viết một kiệt tác tận thế. Để nói rằng họ đã đạt được điều đó là hiển nhiên. Nhưng nó cũng thú vị về cách bài hát diễn ra. Những đoạn riff guitar bình tĩnh của Richards mở ra đường đua làm chậm cảm giác thảm khốc của nó. Giọng nói của Jagger, biến thành một thế lực của tự nhiên. Nhưng ngay cả Jagger cũng nhận được một phần phụ thuộc của Merry Clayton. Lời bài hát hiếp dâm, giết người/Nó chỉ là một cú sút xa ... là đủ để làm bạn rung động. Nhưng cách cô ấy hát chúng cho bạn ớn lạnh mỗi lần. Càng Gimme Shelter, rất đẹp và ám ảnh cùng một lúc, trong khi đó là điều tuyệt vời nhất mà bạn đã từng nghe trong đời. (Phlips) 4. Nina Simone - Hồi Sinnerman (1968) Hồi Sinnerman là một bài hát tâm linh đen rất lâu đời với lịch sử thu âm có từ những năm 1950 và mang một trọng lượng cảm xúc to lớn. Có lẽ chỉ Nina Simone mới có thể đưa sức mạnh của mình lên một tầm cao mới. Sin Sinnerman là về sự xuất hiện của ngày phán xét. Điều làm cho phiên bản Simone, tuyệt đẹp là cảm giác cấp bách và đau khổ. Các nhạc cụ không có gì là ly kỳ với những chiếc tay đầy ám ảnh và piano Simone, chơi như những điểm nổi bật. Tuy nhiên, đó là sự hỗn loạn bùng nổ từ giọng nói của cô ấy khiến bạn ớn lạnh. Phiên bản của Simone, của Sin Sinnerman, có một trong những sự sắp xếp tuyệt vời của bất kỳ bài hát nào trong lịch sử, cũng như một trong những màn trình diễn giọng hát cảm xúc nhất (đặc biệt là phần kết thúc tuyệt vời) từng được cung cấp. Hồ sơ Parlophone 3. The Beatles - Ngày mai không bao giờ biết đến (1966) Có vẻ như mọi mốt âm nhạc kể từ những năm 1960 (vâng, ngay cả hip hop) có thể, theo một cách nào đó, được truy nguyên trở lại Beatles. Ngày mai không bao giờ biết được, đã được gọi là ví dụ đầu tiên về Rockselic Rock. Nó cũng ảnh hưởng đến sự phát triển trong tương lai của âm nhạc điện tử, Avant-pop, Kraut, Raga và Acid Rock. Để đưa điều đó vào viễn cảnh, tất cả mọi thứ từ cánh cửa của The End End và Jefferson Airplane's's White Rabbit Rabbit đến cho đến Kraftwerk's Trans-Europe-Express lòng biết ơn. Nó đánh dấu khoảnh khắc The Beatles ngừng bị ám ảnh bởi những gì họ có thể làm với một bài hát pop và bắt đầu thay đổi ý tưởng về một bài hát pop thực sự là gì. Tái hiện 2. Joni Mitchell - Một trường hợp của bạn (1971) Có lẽ đã từng có một ca sĩ kiêm nhạc sĩ trung thực và không được lọc hơn Joni Mitchell trên Blue Blue. Và bài hát đã lôi cuốn mọi người hơn bất kỳ ai khác trong 50 năm là một trường hợp của bạn, bài hát tình yêu vĩ đại nhất từng được viết. Nó mở ra với một tiết lộ về một mối quan hệ: Ngay trước khi tình yêu của chúng ta bị mất ... Đây là một câu chuyện cổ tích. Vào thời điểm Mitchell hát xong, thì Oh Oh, bạn có trong máu của tôi như Holy Wine ... Lần đầu tiên, bạn là một xác tàu hoàn toàn. Tình yêu không bao giờ hoàn hảo. Điều tốt và xấu đi kèm với mối quan hệ là những gì mà một trường hợp của bạn là tất cả. Và nó thực sự là một bài hát của nhạc sĩ, như đã được chứng minh bởi một loạt các bản cover đa dạng tồn tại. RCA 1. David Bowie - Cuộc sống trên sao Hỏa? (1973) "Sự sống trên sao Hỏa?" Wasn đã phát hành như một đĩa đơn cho đến gần hai năm sau khi nó được ghi lại và một năm rưỡi sau khi xuất hiện lần đầu tiên trên Hun Sunky Dory. Nhưng bạn có thể đổ lỗi cho RCA Records vì đã trễ bữa tiệc. Âm nhạc Bowie sườn đã đưa Art-pop đến một tầm cao mới. "Sự sống trên sao Hỏa?" phải nghe giống như một thứ hoang mang nhất trên thế giới vào thời điểm đó. Đó là, tất nhiên, sự hấp dẫn chính của nó. Nó có một ca khúc kết hợp hoàn hảo với tất cả các cầu thủ phù hợp, bao gồm Mark Ronson trên Guitar và Rick Wakeman trên piano. Và Bowie là người kỳ lạ nhất và đáng tin cậy nhất, hát về sự thoát ly trong khi trở thành một giọng nói hấp dẫn cho sự giận dữ và tước quyền. "Sự sống trên sao Hỏa?" Sẽ là lần cuối cùng Bowie định nghĩa lại nhạc pop. Nhưng đó là khoảnh khắc mang tính bước ngoặt mà anh đặt nền tảng cho việc trở thành tiếng nói trong nhiều thế hệ. Nếu bạn mua sản phẩm hoặc đăng ký tài khoản thông qua một trong các liên kết trên trang web của chúng tôi, chúng tôi có thể nhận được bồi thường. Bài hát số 1 Hot 100 của mọi thời đại là gì?Top 10 bài hát của mọi thời đại (1958 Từ2021). Bài hát phổ biến nhất số 1 của mọi thời đại là gì?Theo Guinness World Records, "White Christmas" (1942) của Irving Berlin được thực hiện bởi Bing Crosby là một sản phẩm bán chạy nhất trên toàn thế giới, với doanh số ước tính hơn 50 triệu bản.White Christmas" (1942) as performed by Bing Crosby is the best-selling single worldwide, with estimated sales of over 50 million copies.
Bài hát số 1 của thế kỷ là gì?Danh sách. Bài hát được chơi nhiều nhất mọi thời đại là gì?Nó chưa bao giờ là một bản hit và hầu như không có lối chơi trên top 40 radio.Thậm chí còn có một tranh chấp về tiêu đề chính xác.Tuy nhiên, đó là một thế giới nhỏ, còn được gọi là một thế giới nhỏ bé, nhỏ bé và một thế giới nhỏ bé (sau tất cả), rất có thể là bài hát được chơi nhiều nhất trong lịch sử âm nhạc - gần 50 triệu lần.It's a Small World,” also known as “It's a Small, Small World” and “It's a Small World (After All),” is very likely the most played song in music history — nearly 50 million times.
Ai đã có nhiều bài hát nhất trong top 100 cùng một lúc?Drake làm nên lịch sử với 27 bài hát trên bảng xếp hạng đơn cùng một lúc. Makes History With 27 Songs On The Singles Chart At The Same Time. |
