10 phim hàng đầu năm nay năm 2022

Các rạp chiếu phim chính thức trở lại. Khi các dịch vụ điện ảnh dần trở lại màn hình lớn so với các dịch vụ phát trực tuyến và các nhà bán lẻ cho thuê kỹ thuật số khác nhau, chúng tôi đã ở đây để sắp xếp những gì mà thực sự là tiếng nổ tốt nhất cho bạn tại phòng vé.

Một năm mới và một biến thể covid mới đang diễn ra đầy đủ, vì vậy bây giờ có thể là thời điểm tốt để thực hiện sự kiềm chế ngay cả khi có các dịch vụ ngân sách lớn hơn chạm vào màn hình lớn.

Tất nhiên, hãy sử dụng phán đoán của bạn khi chọn xem có quay lại phim hay không, nhưng có một tỷ lệ ngày càng tăng của những người xem phim được tiêm phòng đang vô địch để quay trở lại trước màn hình lớn. Và tôi rất vui khi nói rằng chúng tôi đã trở lại, ở đây để giúp đỡ.

Điều đó nói rằng, mọi thứ trong phân phối sân khấu là một chút kỳ lạ ngay bây giờ, vì vậy ngoài một số bộ phim bom tấn gần đây, còn có một sự pha trộn của những người chiến thắng giải Oscar, phát hành kéo dài, Ấn Độ và kinh điển đã đặt trước, tất nhiên, trên nhà hát. Nhưng may mắn thay, có đủ những bộ phim hay thực sự được phát hành gần đây trong năm nay rằng bạn không có vấn đề gì khi tìm kiếm thứ gì đó tuyệt vời để xem.

10. Barbarian

Tiền đề đơn giản của Barbarian, sự ra mắt kinh dị từ nhà văn/đạo diễn Zach Cregger, là đủ để gây ra những kẻ nổi tiếng chân chính. Tuy nhiên, Cregger có một ý tưởng đáng sợ và pha chế một câu chuyện đột phá về khủng bố không thể chối cãi, mang đến cho khán giả đánh đòn với mỗi tiết lộ không thể đoán trước. Khi Tess (Georgina Campbell) đến Detroit Airbnb của mình vào một đêm bão tố mạnh mẽ, cô thấy rằng không có chìa khóa nào trong hộp khóa được mã hóa để cho phép mình vào. . Tess điên cuồng reo chuông cửa, và Keith gần đây (Bill Skarsgård) lúng túng trả lời cánh cửa. Nhận ra họ vô tình đặt hai lần cho thuê trong vài ngày tới, Keith ngay lập tức khẳng định rằng Tess thoát khỏi mưa và đi ngủ trong đêm (tất nhiên, anh ấy hoàn toàn hài lòng với việc đi chiếc ghế dài). Đáng ngạc nhiên, cô đồng ý. Mặc dù rất ít người xem có thể đưa ra quyết định tương tự như nhân vật chính của bộ phim, nhưng Barbarian không lãng phí thời gian để tạo ra cảm giác sợ hãi dày đặc cho đến khi các khoản tín dụng cuộn. Để tiết lộ bất kỳ chi tiết nào khác về cốt truyện của bộ phim sẽ cản trở sự cuộn dây, ngày càng gây sốc kể chuyện được tạo ra bởi Cregger. Với mỗi tiết lộ đáng sợ, cảm giác tươi sáng và kỳ dị hơn lần cuối, nó đã khuyến khích đi vào man rợ với nền tảng và bối cảnh ít nhất có thể. Ngay cả việc trích dẫn các tài liệu tham khảo kinh dị của Cregger, cũng sẽ phục vụ cho gợi ý không cần thiết về những ca làm việc chói tai trong câu chuyện của bộ phim, mặc dù so sánh với tác phẩm của các nhà làm phim kinh dị James Wan, Tobe Hooper và George Romero đặc biệt thích hợp. Barbarian cung cấp nhiều thức ăn cho suy nghĩ trong bữa tiệc ôi thiu từ địa ngục. Có một sự cắn của xã hội có ý thức về mặt xã hội, giải quyết vấn đề hiện có của một người phụ nữ ở Hoa Kỳ. Không cảm thấy một nốt hay khó hiểu. Thậm chí ấn tượng hơn, Cregger kết hợp điều này thông qua với một liều lượng hài hước nặng nề, không nghi ngờ gì được hỗ trợ bởi nhiệm kỳ của anh ấy với tư cách là một thành viên của bộ phim hài phác họa IFC cho thấy những đứa trẻ trắng nhất mà bạn biết. Barbarian đưa ra một sự hấp dẫn đối với những người đàn ông không được nói đến từ lâu đã tin rằng họ có cơ thể phụ nữ. Nó thực hiện một công việc tuyệt vời trong những lời bào chữa tầm thường cho bạo lực giới tính với các hợp kim ghê tởm, ghê tởm để tước đi quyền tự chủ của cơ thể họ (và chính nhân tính của họ), phơi bày bản chất xấu xa của sự nhầm lẫn văn hóa sâu sắc này. Với những vết thương vẫn còn nguyên từ sự bãi bỏ gần đây của Roe v. Wade, sự cố định của Barbarian về mối đe dọa cưỡng hiếp ở khắp mọi nơi trong xã hội của chúng ta đã gây khó khăn như nó (hy vọng) có thể. Không bao giờ tham gia vào sự tàn bạo mà nó tố cáo, bộ phim có trái tim đúng chỗ. Nó từ chối mô tả vi phạm tình dục trên màn hình, minh họa khéo léo tính phổ biến của thực tế khốn khổ này mà không khai thác nó vì giá trị sốc nông. Tuy nhiên, ngay cả với ý định tốt nhất, Barbarian sẽ không thương tiếc điều khiển bạn qua máy vắt, để cho những khía cạnh nổi bật của nước Mỹ tàn phá màn hình và sự tỉnh táo của bạn trong 102 phút căng thẳng đáng kể.

9. Giữ tôi thật chặt

A woman (Vicky Krieps) gets up, collects her things and leaves her family in a reckless hurry. She embarks on a road trip in the red family car and imagines what her family members are doing in her absence. As she drives toward the sea, Clarisse imagines herself encouraging her daughter Lucie (Anne-Sophie Bowen-Chatet) as she practices piano, watching her son Paul (Sacha Ardilly) measure his growing height and speaking to her husband (Arieh Worthalter) of love and loss in hushed tones. Sometimes they speak back to her and sometimes they don’t, as the line between what is real, imagined and mere memory becomes deliriously blurrier. Adapted from Claudine Galea’s unproduced play, Hold Me Tight is a visual and sonic poem that expresses the intricacies of how we communicate with loved ones across time, space, grief and memory. It is a true artistic accomplishment that writer/director Mathieu Amalric was able to take Galea’s text, originally meant for the stage, and spin it into a vivid piece with such a uniquely lush cinematic language. Amalric’s formal risks emotionally pay off tenfold each time a visual or auditory motif is repeated—such as falling snow or Lucie’s piano music. Superb performances from all four leads elevate Hold Me Tight’s emotional avalanche, but Krieps’ performance is a standout in its profound, elegiac devastation—one not seen since Juliette Binoche’s turn as a grieving woman in Krzysztof Kieslowski’s Three Colors: Blue. Amalric knew he wanted Krieps for the role ever since—as the filmmaker explained at a Lincoln Center post-screening Q&A—he saw her “walk through that door and take Daniel Day-Lewis’ order,” in Paul Thomas Anderson’s Phantom Thread. Grounded yet imaginative in her desolation, Krieps brings a soft yet strong benevolence to the role even in the woman’s darker moments of anguish. An enigmatic revelation about a woman’s descent into grief-stricken madness, Hold Me Tight packs an agonizingly painful wallop in the form of a complete reversal which would not work without Krieps’ deft skills or Amalric’s confident audiovisual risks. Right when the audience believes they’ve grasped Hold Me Tight’s dreamy threads, the film shifts into something totally new and nightmarish, yet still cohesive with the emotionally forthright throughline of the film overall.—Katarina Docalovich

8. Dos Estaciones

The lush, rolling hills of Western Mexico set the scene in Juan Pablo González’s Dos Estaciones, the director’s first foray into narrative filmmaking. More specifically, the rows of agave plants that speckle these highlands are what bring the film into sharp focus, as the succulent plant’s most prized byproduct—tequila, named after the town in Jalisco it was first distilled in—is the lifeblood of the film’s namesake, a tequila factory named Dos Estaciones. González takes his sweet time bringing characters and their motivations to the forefront, relishing in the details of the laborious process inherent to producing the coveted spirit coupled with the surrounding natural beauty of his home state. Having grown up in Atotonilco El Alto, Jalisco, across the street from a tequila factory owned by his grandfather, González imbues the film with intimate touches gleaned by a native to the state and its most lucrative industry—blending his sparse yet stirring narrative with the observational eye typical of his previous documentary work. The director’s personal history is also evident in the setting of the titular tequila factory, which is actually owned by González’s extended family. However, for the purposes of Dos Estaciones, the factory’s owner is María García (a superb, shattering performance by Teresa Sánchez). She oversees everyone—from the fieldhands to the women who hand-affix stickers on each bottle—with a brusque directness, yet is clearly respected and admired by her workers despite her inability to promise paychecks on time. Gruff demeanor and dwindling finances notwithstanding, María is a beloved pillar of her community: she loans out her own equipment to workers, regularly supports other local businesses, and even attends the birthday parties of her employee’s kids. Dos Estaciones is Mexican slow cinema that defies conceptions often projected onto the country by Americans, while simultaneously criticizing the role the U.S. has played in destabilizing a vital industry in its financial and cultural infrastructure. Whether a tequila factory is owned by American corporations or a local independent business, those responsible for the laborious process of actually making tequila will likely always be Mexicans. What was once a mode of production that sustained a community is now having its resources depleted, with all gains flowing into one corporation’s pocket instead of the land which cultivated it—certainly something to keep in mind before buying Kendall Jenner’s recently launched tequila brand.—Natalia Keogan

7. Sirens

Trộn vào tiếng rên rỉ của báo thức, tiếng rít của những giọt nước mắt và tiếng sấm sét cho sự sụp đổ của chế độ ở Beirut, một âm thanh khác đang chảy qua không khí ban đêm, và điều này xuất phát từ độ sâu của chính địa ngục. Gặp gỡ Lilas, Shery, Maya, Alma và Tatyana của Slave to Sirens, Beirut, ban nhạc kim loại thrash toàn bộ bằng da mới nhất (và duy nhất). Bộ phim tài liệu mới của Rita Baghdadi, là một cái nhìn thông minh, cực kỳ thú vị về ban nhạc khi nó trải qua những cơn đau ngày càng tăng, chiến đấu để đặt chỗ và điều hướng bộ phim Dyke giữa các ban nhạc trong bối cảnh của một thành phố dưới sự đe dọa liên tục của cuộc tấn công. Bộ đôi ngôi sao của bộ phim tài liệu là tay guitar nhịp điệu Lilas và tay guitar chính của Shery, người đã gặp nhau trong sự điên rồ của một cuộc biểu tình. Mặc dù tất cả các thành viên rõ ràng là tài năng, và có bất kỳ lý do nào cho một số chủ đề nhất định trong phim tài liệu để cung cấp hoặc tiếp cận nhiều hơn với những người khác, tập trung vào người khởi tạo ban nhạc là một lựa chọn hợp lý và thành công. Lilas là một người cầu toàn 25 tuổi, một giáo viên âm nhạc đang nghiền ngẫm nhưng thích thú với các học sinh và một phụ nữ trẻ muốn giành lấy sự độc lập của mình bên ngoài gia đình mà cô cảm thấy bị mắc kẹt trong quá khứ. Shery hai mươi bảy tuổi cảm thấy bị mắc kẹt trong những kỳ vọng của chính mình về bản thân, và trong một mối quan hệ không đồng đều với người bạn thân, người bạn cùng nhóm, và cựu người yêu bí mật, Lilas. Cả hai có một hóa học sinh sản, lấp lánh, điều khiển ban nhạc với sự ngớ ngẩn, đam mê tốt nhất và đe dọa sẽ xé nó ra ở mức tồi tệ nhất. Sirens rất đáng chú ý từ đầu đến cuối, đặc biệt là một bức chân dung của tình bạn và biểu hiện queer, ngay cả khi mọi thứ đe dọa phát nổ theo nghĩa đen xung quanh nó. Hãy đến cách mạng hoặc tiếp tục kháng cự, đến mưa hoặc tỏa sáng, sống lâu và có thể tầm nhìn của họ về một kim loại không tưởng được xây dựng giữa các tòa nhà bị bỏ hoang của Lebanon một ngày nào đó đã trở thành sự thật.

6. Tóc vàng

Có những mảnh của Marilyn Monroe ở khắp mọi nơi: trong các cống phẩm, nhại lại và tôn kính; Trong các bộ phim của cô, bị cắt thành các clip mang tính biểu tượng khiến họ có thể nhận ra ngay cả với những người đã thực sự theo dõi chúng; Trong những hồi ức thương tiếc của các ngôi sao đã dập tắt quá sớm. Đây là một câu đố ghép hình, nhưng bạn không phải là người đặt nó lại với nhau, anh ấy nói phiên bản của Marilyn do Ana de Armas thủ vai ở Blonde. Không phải mọi câu đố hay hình ảnh trong kính vạn hoa Monroe đều biến nó thành bộ phim Andrew Dominik, đây không phải là bộ phim tiểu sử nổi lên truyền thống cũng không phải là tôi không phải là người giải mã tiểu sử kiểu. Nhưng sự chuyển thể của cuốn tiểu thuyết (không phải tiểu sử) của Joyce Carol Oates (không phải là tiểu sử) bị phân mảnh và đủ phong phú để truyền đạt những gì Dominik và Oates dường như là sau: Làm thế nào quyền sở hữu tập thể mà khán giả cảm thấy đối với các biểu tượng yêu dấu của nó có nguồn gốc vô cùng và thường là kết thúc phá hủy. Chúng ta thấy những cái nhìn thoáng qua của Monroe là một phụ nữ trẻ chu đáo, được đọc tốt; một nữ diễn viên đam mê; Một người sống sót lạc quan và vì tất cả những lý do này và hơn thế nữa, mọi người loại bỏ cô, hoặc cố gắng chiếm hữu cô. Sau một chuỗi thời thơ ấu kết thúc bằng việc thể chế hóa mẹ cô (Julianne Nicholson), Blonde nhảy đến đầu những năm 1950, với De Armas đóng vai Norma Jeane Baker trước đây, hiện là một người mẫu và nữ diễn viên sắp tới có nghĩa là được đối xử, Theo lời của cô ấy, như thịt của người Hồi giáo. Đôi mắt của De Armas, có một ham muốn cầu xin, và cạnh của giọng nói của cô ấy thông qua việc bắt chước giọng nói của Monroe, hoàn toàn phù hợp, thậm chí đáng yêu, cho một nhân vật đã truyền cảm hứng cho rất nhiều ấn tượng. Phiên bản Marilyn này coi nghệ danh của cô là một sáng tạo tách biệt với bản thân chân thật của cô, và đang tìm kiếm tình yêu vĩnh viễn sẽ lấp đầy khoảng trống kép do người mẹ và người cha lạm dụng mà cô không bao giờ biết. Càng ngày, cô ngày càng thấy rằng sự quảng cáo của hàng triệu người đối với Marilyn Monroe không nhất thiết phải tính cho Norma Jeane. Tóc vàng có thể là một vị trí khó khăn, cho sự đơn điệu 166 phút của hình ảnh lạm dụng và khốn khổ của nó gần như chính sự khốn khổ. Đồng thời, sự bùng nổ của các ý tưởng thị giác không bao giờ làm hao mòn sự chào đón của nó. Dominik đã tạo ra phiên bản Dark-Flipside của riêng mình của sự phân chia Norma Jeane/Marilyn, có lẽ gần như quá gọn gàng: bộ phim vừa là một sự giải mã táo bạo và đồng cảm của biểu tượng Monroe được neo bởi một màn trình diễn tuyệt đẹp từ De Armas, cũng như một bức tường. khai thác. Giống như chủ đề hư cấu của nó, các đường giữa hai người buồn, mờ và đánh vần.

5. Decision to Leave

A detective finds himself falling for his murder suspect, who is fingered for killing her husband. If that sounds like a plot ripped straight from an Alfred Hitchcock film, that’s because it’s textbook Park Chan-wook. The Korean director has been taking inspiration from Hitchcock for much of his career, one defined by twisty mysteries and perverse thrillers that the Master of Suspense likely could never have fathomed. Park’s latest is perhaps the director’s most Hitchcockian in the most crucial aspects, though also more subdued compared to his track record. Hae-jun (Park Hae-il) is an overworked detective who is—in true clichéd, noir form—married to his job more than to his actual wife. The latter lives in quiet, foggy Iso while the “youngest detective in the country’s history” works weeks in Busan, where the crime and murder that sustains him runs rampant. The couple tends to talk about how to keep their marriage lively instead of actually acting upon it. Hae-jun’s wife (Lee Jung-hyun) relays helpful facts about the health benefits of having regular sex, suggesting that they commit to “doing it” once a week. Still, Hae-jun spends more time on stake-outs than in his own bed due to insomnia, which plagues him as a symptom of his pile of unresolved cases. Concurrently with another active case, Hae-jun finds himself adding another crime to his growing folder: A mountain-climber who fell tragically to his demise. Though by all appearances an accident (despite the late climber’s proficiency), the mountaineer’s much younger Chinese wife, Seo-rae (Tang Wei), quickly elicits suspicion from Hae-jun and his hot-head partner Soo-wan (Go Kyung-Pyo). Park introduces the film’s femme fatale in the most unassuming way: Camera on Hae-jun, with her measured voice off-screen as she enters the morgue to identify her deceased husband. Hyper-stylized, surprisingly funny and a little convoluted, at its heart, Decision to Leave is a tragic story about love, trust and, of course, murder. Arguably, Decision to Leave is more of a romance than anything else; the crime/mystery aspect of the narrative is the least interesting part, though one could assume that’s entirely intentional. While not negligible, the crime is more of a conduit through which the real meat of the story, the relationship between Hae-jun and Seo-rae, is catalyzed and slowly evolves. Their romance is dependent upon requited longing and looming, unresolved threat—the kind of threat that fuels Hae-jun’s sleepless life, the kind that he can’t live without. From the string-centric score to the noir archetypes, to the themes of romance, betrayal, obsession and voyeurism, Decision to Leave is Park’s most clear evocation of Hitchcock to date. Because of this, it becomes somewhat evident where the story will go, even when things take a turn. But the familiarity of the crime narrative reads as intentionally superficial, a vehicle for a more unconventional exploration of the standard detective/femme fatale romance which has laid the foundation for Park’s own sumptuous spin. While not Park’s best work, nor a masterpiece, Decision to Leave is an extravagant and hopelessly romantic thriller that weaves past and present into something entirely its own.—Brianna Zigler

4. TÁR

Lydia Tár’s fabled career can be summed up in one four-letter word: EGOT. The all-consuming subject of writer-producer-director Todd Field’s TÁR joins rank with Tracy Jordan as one of the only fictional forces of gravity to pull it off. A career composer, Tár (Cate Blanchett) climbed the ranks from prestigious orchestra to more prestigious orchestra until she mounted the top of the totem. A titan of the medium, a la Leonard Bernstein (her mentor), she’s managed to usurp critique through sheer contribution, an untouchable virtuoso. But power is fleeting. Once a symbol of modernity, a harbinger of artistic progress breaking ground for women conductors, now she breathes smoke. She doesn’t see it, but everyone else can—uncritical, exploitative, out of touch, legendary debris from an imploding generation hellbent on teaching a lesson. She’s come full circle in her philosophies by the time we meet her in her 50s. On a scale from The Assistant to TMZ, TÁR is as much the former as a Hollywood-made cancel-culture narrative can be. Most of the film snails along with a still yet compelling subtlety, hovering in the consequential despair of actions past, the spaces in between. The dry, tense tone is interrupted every so often by the discordant tuning of an orchestra, or an explosive performance at the conductor’s podium in Berlin, or a rare crumb of confession, until the mood suddenly shifts from slow spiral to imminent plane crash and the drama sets in. Field’s first film in 16 years lands with a thud. Not a crack, or a bang, or a boom, but a lead-heavy thud—the kind that shakes the earth after the toppling of a giant, slow-falling tree, one that takes two hours and 38 minutes to hit the ground. If we measured the maestro’s intelligence the way Schopenhauer did, by one’s “sensitivity to noise,” she’s all but illiterate at this point, incapable of sitting down at the piano without looking over her shoulder or going for a run in fear of her own footsteps. We witness it in slow motion with rapt attention, always out of the loop, Tár’s every move taking on more severity, more self-assurance, more insecurity, until it can’t.—Luke Hicks

3. Top Gun: Maverick

Not quite four years since Mission: Impossible—Fallout and much of Tom Cruise’s purpose remains the same—if it hasn’t exactly grown in religious fervor. In Top Gun: Maverick, the sequel to Tony Scott’s 1986 original, Cruise is Captain Pete “Maverick” Mitchell, a man trapped in the past, refusing to advance his career as resolutely as he refuses to do much of anything besides continue to prove he’s the greatest pilot in the world—a title the film never forgets to remind the audience that Maverick earned long ago—and mourn his best friend, Goose (Anthony Edwards), who died 35 years ago in an accident for which Maverick still feels responsible. Tom Cruise is also, simply, “Tom Cruise,” the only notable show business scion left to throw his body into mind-numbing danger to prove that it can be done, to show a younger generation that this is what movies can be, what superstars can do. Must do. The more modern action films teem with synthetic bodies bursting apart at the synthetic seams, the more Tom Cruise builds his films as alters upon which to splay his beautiful sacrificed flesh. To that end, Joseph Kosinski is the precisely correct director to steer Cruise’s legacy sequel. As was the case with Kosinski’s Tron: Legacy, Maverick seems to exist to justify its existence, to update an IP that seems to only work in the past. For Top Gun this means translating Scott’s vision of sweat-drenched beach volleyball and unmitigated military spectacle into a soberer IMAX adventure, moving from the halcyon days of Reagan’s America to a world with no more need of a man like Maverick. “The future’s coming, and you’re not in it,” he’s told; every one of his superior officers appears to have no patience for him left. One can’t help but imagine that every new Tom Cruise vehicle is a way for him to reckon with that. Kosinski’s dogfights are pristine, incredible feats of filmmaking, economical and orbiting around recognizable space, but given to occasional, inexplicable shocks of pure chaos. Then quickly cohering again. If Scott’s action was a melange of motion never meant to fully cohere, keeping the American dream just that, then Kosinski is dedicated to allowing the audience a way into the experience. With his regular cinematographer Claudio Miranda, he revels in symmetry to keep the audience tethered. A wide glimpse of a dogfight in total, resembling a beach scene earlier, so suddenly appeared silently in the vast theater and unlike anything I’d ever really seen before, I gasped.—Dom Sinacola

2. Petrov’s Flu

Perhaps the best way to describe Petrov’s Flu, the latest from Russian stage and film director Kirill Serebrennikov, is as an extended cinematic fever dream. However, this simple assessment doesn’t adequately capture the film’s overarching artistic thoughtfulness. It never descends into pure Dadaist absurdism, instead crafting a hallucinatory environment that’s politically poetic in narrative and incisively innovative in visual style. Though Petrov’s Flu is totally non-linear and at times deliriously dense, its 145-minute runtime hardly weighs on the viewer. Serebrennikov creates a compelling labyrinth of a story, composed of delusions, memories, projections, fantasies and banal real-life occurrences—all seamlessly blending and blurring together with exquisite precision. Based on the 2016 novel The Petrovs In and Around the Flu by Alexey Salnikov (a hit in Russia that’s yet to be translated into English), the film begins with Petrov (Semyon Serzin) on a packed bus in bustling Yekaterinburg on New Year’s Eve. Pale, clammy and incessantly coughing, Petrov looks so ill that a woman gives up her seat and demands he get off his feet. “You look cancerous,” she plainly observes. “It’s just the flu,” he counters before taking a load off. Just one minute later, the bus comes to a screeching halt. Petrov is beckoned off the vehicle, given a rifle and ordered to partake in a makeshift firing squad. Citizens in suits and lavish fur coats are unloaded from an unmarked van, lined up against a wall and swiftly shot dead. He’s thanked for his service and allowed to re-board the bus. His fellow riders look on behind dingy, fogged glass—their faces are blank, almost bored. This all occurs less than five minutes into the film, imparting a sense of whiplash onto the viewer that is exhilarating in its immediacy. With Petrov’s Flu finally releasing stateside after premiering at Cannes in 2021 (which the director was barred from physically attending), the liberatory nature of the film is entirely palpable. Like downing shots of vodka after receiving dizzyingly good news, the film’s harsh bitterness gives way to an intoxicating warmth that eats at the very fabric of reality. Only the sobering chill of the next morning will determine the veracity of the previous night’s exploits, some actions far more uncanny than others only in retrospect.—Natalia Keogan

1. Không

Trong số những điều kỳ quặc của đạo diễn thú vị nhất của anh ấy, Jordan Peele đánh giá cao melodrama của một trích dẫn Kinh Thánh tốt: Người giết người doppelgänger 2019 chúng tôi không mệt mỏi. Làm cho bạn hèn hạ, và biến bạn thành một cảnh tượng. Đó là điều khoản cuối cùng mà Perfuses Nope, một sợi cảm xúc, sắc sảo về một bộ đôi chủ trang trại của anh chị em để theo đuổi bằng chứng video về một UFO vòng quanh nhà của họ. Mặc dù Peele thường xuyên phát triển tại Hollywood Machine và cảnh tượng của nó, nhưng ở đây, anh ta không thể thực hiện được tất cả: tạo hình ảnh như sự tàn bạo, catharsis, hậu thế, giám sát, tôn kính, nuông chiều. Sáu tháng sau một vụ tai nạn kỳ dị đã giết chết cha của họ, anh chị em của họ (Daniel Kaluuya) và Emerald Haywood (Keke Palmer) đã tiếp quản những con ngựa Haywood của Hay Làm việc trong sự mâu thuẫn tuyệt đẹp, Kaluuya đóng vai OJ trong vai Stoic và Neticent, người anh trai thực sự kiểu người anh em và Palmer Emerald Emerald là từ tính và đầy trò chuyện đầy puckish. Sau một loạt các diễn biến kỳ lạ, những con ngựa bị kích động, những con ngựa đau đớn phát ra từ các hẻm núi. Ngày hôm sau anh ta phát hiện ra một đám mây không di chuyển một inch. Nghi ngờ mối liên hệ giữa chiếc đĩa và cái chết của cha họ, OJ và Emerald tranh thủ sự giúp đỡ của Gawky, Techie Angel (Brandon Perea) và Antlers tài liệu nổi tiếng ngoài các cảnh quay. Theo một nghĩa nào đó, Haywoods muốn làm một bộ phim. Đây là Peele tái hiện Canon phim Mỹ, hỏi ý nghĩa của việc tham gia với một phương tiện loại trừ như vậy. Bắn vào IMAX của nhà quay phim Hà Lan Hoyte van Hoytema, một Christopher Nolan thường xuyên, chịu trách nhiệm cho những cảnh quan trơn tru, đẹp đẽ của các ngôi sao, Dunkirk và Tenet, không cấu hình một thế giới của những cảnh quan bụi bặm, bụi bặm. Steven Spielberg ít tham khảo ở đây hơn anh ta là lộ trình đầy cảm xúc. Những cuộc gặp gỡ gần gũi của các so sánh loại thứ ba tự viết, nhưng về mặt đặc biệt, Nope giống như hàm trên bầu trời. Các bộ phận tân phương tây, kịch gia đình, kinh dị khoa học viễn tưởng và vũ trụ, Nope thấy Peele cân bằng nhiều hơn ở đây hơn bao giờ hết: người ngoài hành tinh, chủ nghĩa xét lại Muybridge, đau buồn không tiêu hóa, tàn sát tinh tinh, một tài liệu nghiêm ngặt theo đuổi điều không thể. Nope là một trong những không thể chối cãi đối với Peele, một cảnh tượng theo nghĩa xúc phạm ít nhất; một bộ phim bom tấn hoài cổ và Peele, xứng đáng với tầm nhìn tự tin về tương lai Hollywood Hollywood; nhưng chủ yếu, một giải pháp cho và một công việc hiện đại.

10 bộ phim hàng đầu bây giờ là gì?

Bộ phim 2022 yêu thích của bạn cho đến nay là gì?

Bộ phim xu hướng nhất 2022 là gì?

Phim số 1 trong thế giới 2022 là gì?